BOW ART INTERNATIONAL

OTIMISMO DIANTE DE REALIDADES

2012-01-22T16:19:00.000-08:00

“Tempos Modernos” mostra que é possível ser otimista mesmo diante de realidades que a todo o momento nos tentam esmagar"
Por Arlindenor Pedro*
Quando o filme Tempos Modernos chegou às telas, em 1936, o mundo já convivia com o cinema sonoro há quase 10 anos. Durante todo esse tempo, o “vagabundo”, personagem que conhecemos como Carlitos, criado por Charlie Chaplin — que compartilhou nas primeiras décadas do século XX o infortúnio dos desvalidos, que viam nele uma identificação com suas geniais performances —, ficou sem aparecer nos cinemas.
No intervalo do seu último filme, Luzes da Cidade, e o lançamento de Tempos Modernos, Chaplin amadureceu a ideia de que o “vagabundo” não iria transitar no mundo do cinema sonoro. Decidiu, então, que Tempos Modernos seria o último filme do personagem.
O mundo tinha mudado muito nessa época, e já se vivia a tensão de uma nova guerra que estava por vir. Em 1931, Chaplin tinha feito uma turnê pela Europa e viu que os males que afligiam a economia americana — a recessão e o desemprego — estavam presentes em todo lugar. Viu, também, que os capitalistas europeus, a exemplo dos americanos, buscavam superar a crise através de alterações no processo produtivo, adaptando-se aos novos tempos, racionalizando cada vez mais a produção. Os conceitos de Henri Fayol e Frederick Taylor, de racionalizar as operações de trabalho, levariam a um considerável ganho de produtividade, reduzindo o custo unitário dos produtos e ampliando a margem de lucro através de implementos que tiveram seu ápice com alinha de montagem fordista. Isso encantava os empresários. A aplicação dessas ideias resultou no desemprego de milhões de pessoas, contribuindo para acelerar o confronto dos países capitalistas através da guerra. O conflito aliviaria as tensões sociais internas e abriria as portas para novos mercados.
Retornando aos Estados Unidos, vivamente sensibilizado com essas questões, Charlie Chaplin tomou a decisão de fazer um novo filme, onde retrataria esse novo mundo. O cineasta sempre teve uma visão diferente daquela que estava sendo construída pelas elites econômicas da burguesia liberal. Sua Utopia era uma sociedade mais justa, com pleno emprego, sem a violência do Estado, com a felicidade ao alcance de todos, sem o racionalismo científico que tirava do ser humano a sua essência humanista, procurando transformá-lo em máquina. Eram ideias que ele procuraria sintetizar mais tarde, na cena final seu próximo filme, lançado já em plena guerra: O Grande Ditador.
Em Tempos Modernos, Chaplin nos mostra o “vagabundo” — antípoda da sociedade moderna racionalizada — às voltas com a linha de montagem fordista, em um ambiente asséptico, científico, controlado e não menos cruel. Numa cena clássica, vemos o nosso herói ser sugado, literalmente, pelas engrenagens das máquinas industriais, sem condições, portanto, de se adaptar a linha de produção, e por isso mesmo, levado a loucura.
Nesses novos tempos, mais do que nunca, a competição econômica forçaria as empresas a buscarem a eficácia, revolucionando o trabalho, a técnica e os produtos, que adiante voltam a competir e a serem revolucionados, em um processo contínuo e infindável. Noutras palavras: estaria na lógica da produção de mercadorias a obrigatoriedade das empresas a racionalizarem o desenvolvimento das suas forças produtivas. Isso exige, além da técnica, um operário totalmente adaptado a essa nova forma de produção — o que evidentemente não é o caso do nosso “vagabundo”. Por isso, não é sem sentido que Chaplin começa seu filme com a imagem de um rebanho de carneiros em marcha, saindo de uma fábrica: a indústria precisa de máquinas, sem vontade própria, seguindo os ditames da linha de montagem. Quem não se adaptar perde o emprego.
Os sindicatos se veem obrigados a afrontar diretamente a situação, e através das manifestações e das greves buscam melhores condições de trabalho para seus associados. Nesse contexto, nosso herói acaba sendo envolvido pelo turbilhão dos movimentos grevistas: é preso pelas malhas do Estado e dominado pelas forças da burguesia industrial.

O CRÍTICO VICENTE DE PERCIA ANALISA O TEXTO POLÊMICO DE CHARLES SAATACHI.

2012-01-15T16:02:00.000-08:00

Em Recente artigo de charles Saatchi o colecionador e galerista dono da Saatachi Galery em Londres comenta que os novos compradores superricos de arte são vulgares e deprimentes. Fala que ser um marchand nos dias de hoje é ser vulgar, Chega a usar termos como de serem dotados de uma autoestima em níveis masturbatórios. Classificando-se como um elemento narcisista e que defende seus próprios interesses, acha repugnante esse novo mundo das artes. Ao mesmo tempo que confessa certo desprezo e crítica aos colecionadores e a um mercado inconsistente que não está preocupado em formar opiniões e tão pouco aprimorar o senso-crítico. Acrescenta que não lucra com obra de arte, o mesmo é revestido na compra de mais obras de arte. Tece censuras aos críticos de arte por não comparecerem "democraticamente" às exposições e a um público dispersivo que no dia da vernissage não observa a exposição com interesse. Quanto aos curadores profissionais: " ....selecionar telas especificas para uma exposição é uma perspectiva que assusta, por ser uma demonstração reveladora demais da falta daquilo que nós, do ramo, chamamos de olhar". Enfatiza que os " artistas contemporâneos" preferem exibir vídeos, além de incompreensíveis instalações pós-conceituais e painéis de fotos e textos, submetendo-se à aprovação dos seus pares igualmente inseguros e míopes. Termina com certa defesa de suas mostras. Seu texto do " THE GUARDIAN" e publicado, também na " FOLHA DE SÂO PAULO". Reitera a meu ver, independente das controvérsias de Saatachi, e dos seu eu confesso, a necessidade de urgente de uma revisão na produção atual da arte, infelizmente globalizada por uma postura oportunista e sem credibilidade .

HISTÓRIA DO NOSSO POVO

2012-01-13T15:52:00.000-08:00

Contribuição do historiador e membro da Bow Art International Ivam Aves filho

"O PCB não se tornou o maior partido do Ocidente, nem mesmo do Brasil. Mas quem contar a história de nosso povo e seus heróis tem que falar dele. Ou estará mentindo”.
(Ferreira Gullar, durante os 60 anos do PCB)

(Dedicamos este trabalho aos intelectuais, artistas e escritores que deram o melhor de seus esforços à construção de uma cultura identificada com aquilo que o povo brasileiro tem de melhor, ou seja, a sua criatividade e alegria).

Em 1922, a sociedade brasileira vivia uma extraordinária efervescência cultural e política, materializada pela fundação do Partido Comunista, pela inauguração da Semana de Arte Moderna, pelo Primeiro Congresso Feminista e, também, pela explosão da Revolta do Forte de Copacabana. Um ano de cortar o fôlego.

O Partido Comunista - cuja trajetória nos interessa mais de perto aqui - surge então com uma dupla característica. De um lado, trata-se de uma agremiação política que se quer profundamente brasileira, com a proposta de se entranhar nas lutas sociais e nacionais. De outro, apresenta um perfil internacionalista, profundamente solidário dos povos em luta. Além do que, é um partido que ambiciona governar para os setores menos favorecidos da população, com a classe operária à frente. E tudo isso é muito novo, para os padrões do país e para a época. Se o Partido obteve ou não êxito em sua função, trata-se de outro problema.

De toda forma, com vocação para lutar pela democracia, conforme se verificaria com o correr do tempo, o Partido Comunista Brasileiro daria uma contribuição importante à vida nacional. Senão vejamos. Foi o primeiro agrupamento a defender, já em 1923, aimplantação de uma reforma agrária entre nós (exigência essa que guarda ainda uma certa atualidade, ao menos no plano social). E foi também o primeiro a propor uma política relativamente ampla de alianças, conforme o atesta a formação do Bloco Operário Camponês (BOC, 1928) e da própria Aliança Nacional Libertadora (ANL, 1935). Isso, para não aludirmos à criação, em 1967, da Frente Ampla, uma tentativa de combater a ditadura militar. Mais: a partir da chamada Declaração de Março de 1958, o PCB elege a democracia como o espaço para a superação da ordem vigente no Brasil. Foi com essa firme determinação que a maioria do Partido optou por derrotar politicamente – e não derrubar pela força das armas – a ditadura político-militar instalada no país desde 1 de abril de 1964. Não deu outra, a História daria razão aos comunistas, apesar de o partido ter cometido alguns equívocos sérios no decorrer de sua história.

Um dos herdeiros da tradição pecebista, no que ela possuía de positivo e também de negativo, o Partido Popular Socialista (PPS) dá continuidade histórica a algumas das propostas do PCB. Mas, de certa forma, sua entrada na cena brasileira também representa uma ruptura com determinadas práticas e mesmo concepções desse Partido. Pois o PPS compreendeu que a sociedade brasileira é plural, complexa, e que no caminho político nacional não há espaço para um modelo autoritário de partido único. E tampouco para exclusões de qualquer natureza. Nesse sentido, o Partido se quer continuidade, mas também mudança. Talvez até mais mudança do que continuidade, no entender de alguns.

A cultura sempre aproximou o PCB-PPS da população brasileira. Nos tempos mais agudos da clandestinidade, ela chegou a ser, praticamente, a única forma de o Partido estabelecer um vínculo permanente com a sociedade organizada. Sem dúvida alguma, o Partido ajudou, historicamenete, a conscientizar alguns de seus melhores intelectuais para o fato de que entre a adesão pura e simples ao sistema e a indiferença em relação a esse mesmo sistema, a saída se encontrava na adoção de uma terceira posição. Ou seja, a atuação crítica para mudar a sociedade, aproveitando todas as brechas possíveis. No Manifesto do Partido Comunista, Karl Marx e Friedrich Engels demonstraram o lado avassalador do capitalismo, ao transformar "o médico, o advogado, o pregador, o poeta, o homem de ciência em trabalhadores assalariados". Já àquela época, a burguesia caminhava para ser a detentora dos meios de produção da cultura. Pelo mercado, ela tendia cada vez mais a controlar os passos dos intelectuais e artistas. Assim, somente a atividade política, explorando as contradições sociais inerentes ao sistema, é que poderia viabilizar a ultrapassagem do capitalismo, até chegar à realização de "uma associação em que o livre desenvolvimento de cada um será a condição para o livre desenvolvimento de todos". Essa a visão de Marx e Engels.

Os comunistas não estão muito longe de ter uma concepção de cultura como uma espécie de estar no mundo, uma relação social entre indivíduos. Para os comunistas, a cultura é uma ferramenta de transformação do mundo real. E o homem, ator da suaprópria história. Isso, em teoria. Mas a prática pecebista não apresenta nenhum corte entre o mundo real e a visão que se tem desse mesmo mundo. Prática e teoria como que se fundiram, nesse caso. A cultura une. O Partido soube entender que a sociedade é sempre maior do que o Estado e que é ela que produz cultura. Mais: que o capital impulsisona a cultura não tanto por estar interessado nela - e sim nos lucros que eventualmente poderá auferir. Mas quando o mercado se impõe como único critério, o capital, por seu turno, começa a travar o desenvolvimento da atividade cultural. É bom aquilo que dá dinheiro e ponto final.

Como explicar o engajamento político dos intelectuais e artistas brasileiros no Partido Comunista? Provavelmente não existe resposta única e acabada a essa pergunta. Certamente há por parte dos intelectuais uma postura generosa diante das mazelas sociais que afligem o país e um desejo de superá-las. Não há como negar tampouco que alguns deles enxergavam no socialismo uma possibilidade de realizar suas expectativas de trabalho, seus anseios profissionais, pelo menos de forma mais efetiva (apesar de, como observou o cientista político Paulo César Nascimento, muitos desses intelectuais e artistas já serem homens consagrados quando se aproximaram do PCB). Outros intelectuais e artistas, ainda, se sentiam atraídos pela possibilidade de contribuir para a formação da identidade brasileira. Ou talvez tudo isso junto, quem sabe.

E convém salientar que os intelectuais – considerados por Antonio Gramsci como uma categoria cujo peso político ganhava autonomia em relação até mesmo às divisões de classes verificadas na sociedade burguesa, conforme veremos mais adiante – dificilmente se deixariam conduzir de forma subalterna pela direção partidária. Eis o que contribui, historicamente, para arejar o Partido, uma organização extremamente centralizada em alguns momentos de sua trajetória política. Nesse sentido, é interessante observar que a política cultural do Partido extrapola o próprio âmbito do Partido, ou seja, nada tinha de estreita, voltada para dentro. Em alguns momentos, é verdade, houve, atritos vigorosos com a intelectualidade nacional, mas o Partido compreenderia que era preciso respeitar a liberdade de criação dos artistas e intelectuais, sobretudo após os ventos libertários trazidos pela Declaração de Março de 1958, na esteira do desmoronamento do sistema stalinista. Assim, sua proposta cultural pleiteia, quase sempre, amplos setores da sociedade. A política cultural era encarada, ao menos em certos períodos da trajetória partidária, como uma política voltada para a sociedade e não para dentro do próprio Partido. E mais: era preparada ou estabelecida, sobretudo a partir de 1958, é sempre bom lembrar, pelos próprios criadores de cultura. Só assim o PCB (e, agora, o PPS, de certa maneira) pôde começar a se impor de fato na cena cultural brasileira. Ou seja, o Partido soube encontrar o necessário equilíbrio entre política e cultura, evitando tanto tratar a cultura como um apêndice da propaganda partidária, quanto esquecer que "a classe que é o podermaterial dominante na sociedade é, ao mesmo tempo, o poder espiritual dominante", conforme sinalizaram Marx e Engels no célebre A ideologia alemã. O Partido nunca se apoderou da máquina do Estado, ou esteve no Poder, é bem verdade; mas talvez tenha construído algo melhor. Vale dizer, uma sólida relação com a chamada sociedade civil, que ele buscava oxigenar com suas ideias e proposições.

Não seria muito complicado para O PCB estabelecer pontes entre a cultura elaborada pelos intelectuais e a prática política popular. Por uma razão: o Partido soube compreender, talvez instintivamente, que a síntese era a principal característica da cultura brasileira. Soube mover-se nesse ambiente.

Não há exagero em afirmar que o Partido contribui para estruturar a cultura brasileira contemporânea, por intermédio de instrumentos como jornais, revistas, livros e grupos de teatro e cinema. Evidentemente, nem só de comunistas se compôs a cultura brasileira e nomes expressivos como Heitor Villa-Lobos, Mário de Andrade, Ariano Suassuna e Antônio Candido nunca pertenceram ao Partido. Mas é inegável que os comunistas são uma parte importante da identidade cultural brasileira (isto é aquiloque a caracteriza e diferencia das demais práticas culturais) ao longo do século XX, forjada sem dúvida pelos setores mais criativos da militância partidária. Eis o que talvez explique a presença de nomes tão ilustres da intelectualidade e da criaçãoartística nacionais no PCB-PPS. Essa ligação com a intelectualidade era tão próxima que a crise do PCB significou também, em certa medida, a crise da própria cultura brasileira. Parafraseando o poeta, é impossível escrever a história da nossa cultura sem falar no PCB - sob muitos aspectos, uma espécie de partido da inteligência brasileira.

CRISE NA ARTE

2012-01-12T09:13:00.000-08:00

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By Lockerz

Por John Lanchester, London

Não há, em toda a literatura universal, ensaio que tenha recebido mais belo título que “O Assassinato Considerado como Uma das Belas Artes” (1827), de Thomas de Quincey. Ocorre-me agora que, se De Quincey vivesse hoje, talvez se interessasse por escrever uma continuação: “O Desastre Financeiro Considerado como Uma das Belas Artes”. O material básico talvez não seja tão cativante, mas abunda. Como o meginvestidor americano Warren Buffett já disse mais de uma vez, “só na maré vazante se vê a bunda de quem nada sem roupa.” Crises financeiras e econômicas sempre arrastam com elas um surto de escândalos e ‘revelações’. Estamos em plena maré vazante (e vazando) e, francamente, fica-se sem saber por onde começar, tantos são os casos.

Na Grã-Bretanha, quem mostrou as vergonhas foi o banco Northern Rock, que quebrou no outono de 2007, primeira amostra do que seriam as subsequentes quebradeira e Grande Recessão. A novidade mais recente foi a venda do Rock ao Virgin Money, por £747 milhões (1,174 bilhão de dólares). Se os lucros do banco sobem, os dividendos a serem pagos aos contribuintes podem chegar até a £1 bilhão (1,572 bilhão de dólares). Dado que o custo de nacionalizar o banco foi £1,4 bilhão (2,201 bilhões de dólares), e dado que só se vendeu a parte ‘boa’, quer dizer, a parte do banco que se supõe que seja mais solvente, o negócio, embora esteja nas manchetes, não foi lá grande coisa. No melhor cenário, o contribuinte perde £400 milhões (629 milhões de dólares). Antes dos desastres de 2008, parecia muito dinheiro, mas quanto mais se examinam os números, pior a coisa fica.

Por trás da aparente simplicidade da compra do Rock por Richard Branson, do Virgin, jaz uma história muito mais complicada: praticamente todo o dinheiro para o negócio veio do sócio de Branson, W.L. Ross & Co., especialista em companhias em dificuldades e ações em baixa (um dos codinomes de Wilbur Ross é “O Rei das Falências”): £260 milhões de W.L. Ross; £50 milhões de Virgin Money; £50 milhões de um fundo de investimentos de Abu Dhabi. Considere-se antecipadamente perdoado, caro leitor, se não percebeu que, nessa conta, ainda faltam vários milhões para completar os £747 milhões do negócio.

OBRAS DE ARTE ROUBADAS NA GRÉCIA

2012-01-12T08:57:00.000-08:00

As obras de arte roubadas durante a noite de domingo da Galeria Nacional de Atenas são "Cabeça de Mulher", de Pablo Picasso, e o quadro "Molino", de Piet Mondrian. A informação foi divulgada nesta segunda-feira a polícia grega.

O óleo de Pablo Picasso data de 1939 e mede 56 centímetros por 40. O quadro de Piet Mondrian é de 1905. Também foi roubado um desenho do artista Guglielmo Caccia, do século XVII, a representação do êxtase de um santo.

A pinacoteca apresentava até o domingo uma exposição de "tesouros ocultos", antes do fechamento temporário para a ampliação das salas. O fundo artístico deste museu é consagrado essencialmente à arte grega desde a época de Bizâncio, com uma pequena coleção de obras do Renascimento e de El Greco.

QUESTÃO A SER RESOLVIDA

2012-01-12T08:50:00.000-08:00

Por Ashfaq Yusufzai
Apesar de agora haver menos atentados suicidas e explosões de bombas no Paquistão, o movimento islâmico afegão Talibã continua atacando escolas de mulheres. A resposta das alunas é continuar estudando, apesar de não ter um prédio. A escola secundária de Kumbar, na província de Khyber Pakhtunkhwa, é uma das muitas que devem ser reformadas. Em maio de 2009, a explosão de uma bomba a deixou quase em ruínas.
“Enquanto estávamos vivendo no acampamento de Mardan, em razão da operação militar na região, ouvimos a má notícia de que nossa escola tinha sido destruída pelo Talibã”, contou Kulsoom Bibi, estudante da nona série da escola secundária para meninas do governo, no distrito de Timergara Dir. “Já se passaram dois anos e ainda não foi reformada”, lamentou. A boa notícia é que continuam estudando, mesmo sem salas de aula.
“O Talibã está profundamente contra a educação; cessaram os atentados suicidas e com bomba e houve sinais de melhoria na segurança, mas continuam os ataques contra escolas”, denunciou Pervaiz Jan, funcionário da educação no distrito de Charsadda, em Khyber Pakhtunkhwa.
No dia 21 de dezembro explodiram duas escolas. No mês passado, 13 centros de ensino foram dinamitados nas agências de Mohmand, Khyber e Orakzai, nas vizinhas Áreas Tribais Administradas Federalmente (Fata), e em Mardan, Charsadda e Peshawar, capital de Khyber Pakhtunkhwa. Insurgentes explodiram 33 escolas desde 2006 em Dir, um dos 25 distritos da província, disse à IPS o diretor-executivo dessa localidade, Khursheed Ali. “Estão sendo reconstruídas apenas 11 escolas por causa do orçamento limitado do governo”

RISCO DE POBREZA

2012-01-05T02:43:00.000-08:00

novas medidas de desmonte dos serviços públicos ameaçam mais de cem jornais

A imagem deste post retrata uma edição histórica. Em 31 de dezembro, Liberazione, o jornal do Partido da Refundação Comunista (PRC) italiano lançou o que pode ser seu último número impresso. Depois de circular diariamente, durante vinte anos, mantendo redação de dezenas de pessoas e cobertura dos principais fatos nacionais e internacionais, Liberazione está ameaçado de fechar. As medidas de “austeridade” decretadas pelo governo de tecnocratas chefiado pelo primeiro-ministro Mário Monti cortaram 68,8% dos recursos destinados a subsídio para jornais e revistas que compõem a diversidade editorial do país. Nada menos de cem publicações estão ameaçadas de fechar as portas. Algumas delas têm grande tradição. Por exemplo, L’Unità, fundado por Antonio Gramsci; Il Manifesto, surgido das revoltas de 1968; Avvenire, diário católico.

Liberazione é o mais diretamente ameaçado. Diante do corte dos recursos públicos, a direção do PRC julgou-se sem condições de manter a circulação do jornal em bancas. A redação insurgiu-se. Considerou tal decisão “suicida”, ocupou a sede da publicação (OccupyLiberazione), iniciou campanha de coleta de fundos e decidiu conservar a edição internet.

Subsidiar publicações não-comerciais é uma política seguida, há décadas, por diversos países europeus. O welfare-state que garantiu uma redistribuição menos desigual da riqueza coletiva a partir do pós-guerra, incluía diversas ações em favor da cultura e da liberdade de expressão. O corte aplicado por Mário Monti havia sido decidido, meses atrás, pelo então premiê Silvio Berlusconi, ele mesmo o homem mais rico da Itália e um magnata da mídia comercial.

Na edição de 30/11, matéria publicada por Il Manifesto revelava outro lado das políticas de “austeridade”. Segundo o Istat, instituto público de estatísticas italiano, o percentual de italianos em risco de pobreza ou exclusão social subiu a 25%, no final de 2010 — ano em que foram iniciada a atual onda de cortes de direitos sociais e gastos públicos. Segundo o Istat, 16% das famílias declaram “chegar com muita dificuldade ao final do mês”; e 11,5% não são capazes de aquecer adequadamente suas casas no inverno.

Já na edição de hoje, o mesmo Il Manifesto expõe como os cortes de verbas públicas atingem de modo desigual os diversos setores da sociedade. Embora seja o 10º mais volumoso do mundo, o orçamento italiano para gastos militares não perdeu um centavo, em 2012. Continua fixado em 23 bilhões de euros. A cada dois dias, o Estado gasta, com armamentos e manutenção da máquina de guerra, o equivalente ao que foi cortado dos jornais não-comerciais.

CINEMA DENTRO DA HISTÓRIA

2011-12-15T16:02:00.000-08:00

Leni Riefenstahl ajudou a propagandear o nazismo com seus filmes—mas deve ser responsabilizada pelos crimes cometidos em nome de Hitler?
Por Arlindenor Pedro*
Todos aqueles que hoje assistem ao documentário O Triunfo da Vontade, da cineasta alemã Leni Riefenstahl, dificilmente deixarão de refletir sob seus diversos aspectos subjacentes. E esta é a sua força, pois estamos diante de uma obra perene, que não se esgota no processo histórico. Pelo contrário: trata-se de um valioso instrumento de reflexão sobre o nosso tempo — e também de parâmetro para tempos vindouros.
Quando Adolf Hitler pediu à jovem cineasta dirigisse um documentário sobre o VI Congresso do Partido Nacional-Socialista, na cidade de Nuremberg, entre os dias 4 e 10 de setembro de 1934, esperava uma obra grandiosa, que espelhasse política e esteticamente, para Alemanha e o mundo, as ideias do nazismo. Após terem conquistado o poder político no país, era a primeira vez que os nazistas realizavam um Congresso nacional.
Na época, Leni Riefenstahl já era uma conhecida e prestigiosa atriz do cinema alemão. Começou sua carreira como bailarina, mas desenvolveu-se como atriz em belos filmes ambientados nos Alpes. Invariavelmente, as películas retratavam a vitória da tenacidade humana sob a adversidade da natureza, destacando-se a força física, a beleza e o caráter do povo alemão nas figuras de montanheses e alpinistas.
Talvez tenham sido estas característcias que fizeram com que o próprio Fuhrer, após ser apresentado a Leni por Joseph Goebbels, se encantasse com o talento da cineasta, incumbindo-lhe da realização do documentário. Para que pudesse comprir com sua nobre tarefa, Hitler abriu-lhe as portas da estrutura do Estado, a despeito da oposição da maioria da cúpula do partido. Assim, Leni recebeu todos os recursos necessários. O resultado foi a criação do mais importante documentário de propaganda política de todos os tempos, até hoje admirado pelo seu valor técnico e por trazer até os dias atuais a “visão de mundo” dos alemães no pós-guerra

2011-12-12T00:22:00.000-08:00

Por Clara Roman, Carta Capital

Sem leis que regulamentem exclusivamente a publicidade infantil, anúncios para crianças pipocam na programação nas tevês brasileiras. Uma pesquisa recente do Instituto Alana, que monitorou 15 canais pouco antes do Dia das Crianças, constatou que 64% das propagandas são direcionadas para este público. O estudo focou em canais da TV aberta, como Globo, SBT, Bandeirantes e Record, e em canais da tevê fechada exclusivos para o público infantil, como Cartoon Network, Discovery Kids e Disney XD.

A empresa de brinquedos Mattel foi o destaque da pesquisa como a que mais anuncia para crianças. Em segundo lugar, a também multinacional Hasbro. A falta de legislação sobre o assunto permite que a publicidade infantil transcorra livremente. Mas, segundo o Instituto Alana, reclamações de pais são bastante comuns. O Conselho Nacional de Autoregulamentação Publicitária (CONAR) é financiado pelas próprias empresas e não tem caráter governamental.

“As empresas sabem que as crianças influenciam a compra”, afirma Gabriela Vuolo, do Instituto Alana. A lei Nº5921 de 2001, que tramita há dez anos sem aprovação, proíbe a publicidade e “comunicação mercadológica” dirigida ao público infantil. Dentre os argumentos contra a propaganda, está a falta de discernimento das crianças como espectadoras. Segundo Vuolo, até os 12 anos a pessoa ainda não entende qual é a intenção da publicidade. Até os oito, nem mesmo percebe o que faz parte da programação normal do canal.

A publicidade infantil, explica Vuolo, é interessante para as empresas porque fidelizam desde cedo as crianças aos seus produtos. “Ao mesmo tempo, a publicidade passa valores distorcidos, estimulando o consumismo e a ideia de que é necessário ter para ser alguém”, acrescenta.

Vencedora do prêmio-protesto “Empresa mais Manipuladora” do Alana, a Mattel manifestou que é uma companhia comprometida com o desenvolvimento infantil e acredita nos “benefícios do brincar”. Além disso, afirma que respeita a legislação brasileira e analisa as recomendações feitas pelo Conar. Para o Instituto Alana esse é justamente o problema.

A CONTINUA QUESTÃO DO RACISMO - TRIBO NYAMBI É EXIBIDA NO JARDIM ZOOLÓGICO DA ACCLIMATION EM PARIS, 1932

2011-12-03T14:37:00.000-08:00

Uma exposição no museu do Quai Branly, em Paris, mostra como seres humanos considerados "exóticos, selvagens ou monstros" foram exibidos durante séculos em feiras, circos e zoológicos no Ocidente.

A exposição Exibições – A Invenção do Selvagem indica, segundo os organizadores, que esses "espetáculos" com índios, africanos e asiáticos, além de pessoas portadoras de deficiência, que tinham o objetivo de entreter os espectadores, influenciaram o desenvolvimento de ideias racistas que perduram até hoje.

"A descoberta dos zoológicos humanos me permitiu entender melhor por que certos pensamentos racistas ainda existem na nossa sociedade", diz o ex-jogador da seleção francesa de futebol Lilian Thuram, um dos curadores da mostra.

Thuram, campeão da Copa do Mundo de 1998 pela França, criou uma fundação que luta contra o racismo. Ele narra os textos ouvidos no guia de áudio da exposição.

"É difícil acreditar, mas o bisavô de Christian Karembeu (também ex-jogador da seleção francesa) foi exibido em uma jaula como canibal em 1931, em Paris", diz Thuram.

A exposição é fruto das pesquisas realizadas para o livro Zoológicos Humanos, do historiador francês Pascal Blanchard e também curador da mostra.

POR UMA CAUSA JUSTA

2011-11-27T16:34:00.000-08:00

A casa de leilões Christie′s colocou em exibição o "pequeno" tesouro da atriz americana Elizabeth Taylor em Hong kong. As principais joias de Liz Taylor vão a leilão entre os dias 03 e 16 de dezembro em Nova York. Todo dinheiro arrecadado irá para "Elizabeth Taylor AIDS Foundation"

"A Valquiria" de Richard Wagner no Theatro Municipal de São Paulo temporada 2011

2011-11-23T15:18:00.000-08:00

"A Valquíria" drama em três atos libreto e música de Richard Wagner estreou no Theatro Municipal de São Paulo em 17 de Novembro, temporada 2011 com várias récitas. A célebre e difícil ópera exige cantores com timbres e perfomaces diferenciados, fora cenários e figurinos que aproximem o público com O Ouro do Reno e a trilogoia Wagneriana porém, isto não ocorreu nessas récitas. "
"A Valquíria" inicia-se com a tormenta e no " Ouro Do Reno" assistimos as belas encenações aquáticas e o Reno correndo para o Mar.

"A Valquíria" a intensidade Wagneriana explode desde o I ato após o casamento de Sieglinde e Sigmund ignorando a força e divindade de Wotan. O prelúdio é um chamamento de uma tempestade. Raios, trovões. A condução musical do I ato oferece o brilho dos contra baixos e violoncelos e abre para Sigmund a sua gloriosa entrada. No papel de Sigmund, Martim Muehle não convence, não possui a voz para o enfrentamento com os instrumentos e o volume exigido, mostra-se um herói titubeante. A atração dos dois irmãos com duplo significados e das constantes emoções e pressentimentos estão plantados. Há mudanças do clima da música e Muelhle não corresponde a elas. Lee Bisset (Sieglind), soprano escocesa, vive seu personagem com distinção, apesar de alguns floreios que antecipa a vontade de vê-la em uma ópera de Verdi, brilha com sua voz e presença. Gregory Reinhart (Hunding), baixo americano é perfeito, com excelente voz e apropriado para o papel nos aproxima do pesado acompanhamento das trompas. A forte emoção é prejudicada por um figurino eclético, incompreensivo, a tentativa de ser "contemporâneo" se perde por falta de um segmento estético cênico. Com um cenário barroco, cheio de objetos desnecessários, lustres de cristais, moveis atuais, ex votos, o afastamento se dá impedindo o público apreciar através da identidades mitológicas às cenas e cantos magistrais. A exortação para vitória dos Wälsung é o extase da paixão no beijo dos irmãos; a conquista da espada não é bem resolvida.

II Ato

Novamente no prelúdio são ouvidos a cavalgada das Valquirias. Janice Baird, soprano americna defende com fidelidade (Brünnilde). Já Stefan Heideman( Wotan) não convence. A atmosfera tempestuosa que deveria estar presente não existe e, é novamente prejudicada pelo controvertido figurino e cenário. No cenário uma tentativa inútil de uma desterritorização voltada para signos, símbolos e arquétipos brasileiros, não convence. Denise de Freitas (Fricka) meiossoprano brasileiro também não possui o registro Wagneriano, oscila nos agudos e imprime a seu personagem, gestos exagerados, parece querer dominar a cena a todo custo, com voz equivocada perde a ascensão que o personagem exige. Passa despercebida a sua exigência da vingança de Wotan em relação a Hunding. O canto de morte profético não convence, falta a solenidade Wagneriana. É o ato mais fraco, pois não possibilita a grande retirada cênica de Sieglind, o grito de horror. A despedida.

AtoIII

A Cavalgada das Valquíras abre esse ato. A extrema agitação exigida se perde diante dos figurinos, cenários e alegorias apresentados, "carnavalesco". A notícia e profecia que Brünnhilde anuncia a Sieglinde que será a mãe Siegfried está voltada no motivo de Siegfried. Não há mudanças expressivas nesse ato; os rostos dos deuses desfigurados em face da desobediência; à cena em que a Valquíria jaz em penitência aos pés do pai é desperdiçada. Já os sentimentos de Wotan, o dever de punir não são claros. A cena entre Wotan e Brünnilde e introduzida por uma passagem orquestral é o melhor deste ato. Os demais cantores contribuiram em parte para este desafio que foi a montagem de A Valquíria de Richard Wagner ausente dos nossos palcos à décadas. A Orquestra Sinfônica Municipal, regência e direção de Luiz Fernando Malheiro saiu-se bem, valorizando as trompas, harpa e trazendo o fogo mágico dos deuses. André Heller merece nossa atenção, porém não se viu " A Valquíria" tão aguardada. O Theatro Municipal de São Paulo apesar de anunciar todas as récitas esgotadas a casa tinha muitos lugares vazios. Grande parte do público abandonou o espetáculo no final do II ato. O que denúncia que o espetáculo não agradou como anunciado.

Vicente de Percia

OS CORVOS DA PRIMAVERA ÁRABE

2011-11-16T16:21:00.000-08:00

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admin– 16/11/2011
Para buscar prestígio e lavar dinheiro, governantes de países sem tradição futebolística estão entre os maiores investidores globais no esporte
Por Irlan Simões
A “Primavera Árabe”, que chacoalhou o Oriente Médio e o norte da África em 2011, tornou-se acontecimentos do ano, e provocou intenso debate. O Ocidente observou incrédulo um grande número de governantes autoritários sendo contestados, em países que durante longo tempo o mundo “civilizado” ignorou. Apesar de suas particularidades, as revoltas populares surgiram de razões comuns: as precárias condições de vida e a ilegitimidade dos poderes estabelecidos.
Curiosamente, 2011 também trouxe uma novidade com sotaque árabe: os xeques nunca investiram tanto no futebol como nos últimos anos. O problema maior talvez não seja a origem do dinheiro: há muito, os petrodólares têm invadido o futebol mundial de todas as formas. O que preocupa é a procedência dos investidores.
Estado ditatorial e futebol
Há diferentes tipos de relação entre os poderosos do mundo árabe e o futebol. Nos países não-monárquicos, como Líbia, Egito e Tunísia, havia uma lógica muito próxima à dos regimes ditatoriais. Primeiro, o esporte serviu como instrumento controle e apaziguamento das tensões sociais. À medida em que a indústria do futebol foi crescendo, o jogo virou, também, caminho para enriquecer. Na Líbia que passou 40 anos sob o mando de Moammar Gaddafi, o ministro dos Esportes era seu filho, Al-Saadi Gaddafi — que ao mesmo tempo era jogador profissional pelo Perugia da Itália, e acionista da Juventus, maior clube da Bota.
Al-Saadi foi o pivô de um caso de tráfico de influência dentro da FIFA, que envolveu ninguém menos que Ricardo Teixeira e sua CBF. Gaddafi convidou a seleção brasileira para um amistoso em Trípoli, sob um contrato que garantia 500 mil reais para a confederação brasileira. O jogo não aconteceu, mas sabe-se que parte parte do pagamento foi parar numa conta nas Bahamas, no nome do então técnico da seleção, Mario Jorge Zagallo. Em 2003, a Líbia candidatou-se a sede da Copa de 2010, perdendo para a África do Sul, que tinha ao seu lado o imbatível Sepp Blatter, com dívidas a serem pagas com Nelson Mandela.
No Norte da África, a Tunísia de Zine Ben Ali e o Egito de Hosni Mubarak também figuram entre os países que buscaram no futebol uma forma de manutenção de suas ditaduras. Nos preparativos para a Copa de 2010, ambos foram elogiados por Sepp Blatter, que os considerou concorrentes capacitados para sediar a competição. Nem um pio sobre os direitos humanos dos seus povos.
No Egito também estão dois poderosos empresários do futebol. Mohamed Al Fayed e Assem Allan. Fayed é conhecido mundialmente como o pai de Dodi Al Fayed, cineasta que morreu num acidente automobilístico ao lado da sua namorada a princesa Diana. É dono do clube inglês Fulham. Assume publicamente que cresceu nos negócios ao lado do comerciante de armas Adnan Khashoggi, seu cunhado saudita. Já Allan, dono do Hull City, é conhecido por negociar potentes hardwares para Forças Armadas de todo o mundo.

ARTISTA BRITÂNICO MOSTRA O SEU GRAFITTE.

2011-11-12T12:38:00.000-08:00

O artista britânico Hush mostra suas gueixas criadas com técnicas de grafite na exposição "Twin", que acontece em uma galeria na Califórnia, Estados Unidos.
Nos murais e telas presentes na exposição, o artista combina técnicas do grafite com elementos da cultura visual japonesa como animes (desenhos animados) e imagens tradicionais de gueixas.
As obras do ilustrador e designer gráfico britânico frequentemente retraram o corpo feminino e já foram comparadas às imagens de mulheres criadas pelo pintor austríaco Gustav Klimt.
Segundo os curadores da exposição, os trabalhos exploram os contrastes entre novo e velho, passado e futuro e a fusão das culturas ocidental e oriental.
Para a série "Twin", Hush criou diversas imagens de gueixas gêmeas espelhadas, que são diferenciadas usando cores e técnicas de claro e escuro.
A exposição fica aberta ao público até o dia 18 de junho na galeria New Image Art, em West Hollywood, que também já expôs trabalhos da dupla de artistas brasileiros Osgêmeos.

ISLAMIC ARTS MUSEUM MALAYSIA

2011-11-01T08:15:00.000-07:00

Interest in Islamic art has grown enormously in recent years. Reflecting this awareness, in December 1998 Malaysia became home to Southeast Asia’s largest museum of Islamic art. The building occupies 30,000 square metres, situated amid the leafy surroundings of central Kuala Lumpur’s Lake Gardens.

The Islamic Arts Museum Malaysia houses more than seven thousand artefacts, as well has an exceptional library of Islamic-art books. The art objects on display range from the tiniest pieces of jewellery to one of the world’s largest scale models of the Masjid al-Haram in Mecca. The aim is to create a collection that is truly representative of the Islamic world. Instead of concentrating on works from the heartlands of Persia and the Middle East, IAMM also puts the emphasis on Asia. China and Southeast Asia are especially well represented. The third component of the Malaysian melting pot is India, which is also given special status. India, China and the Malay world are in an exceptional category. Other parts of the collection are displayed according to type rather than geographi

FOTOGRAFIA - DIANTE DA DOR DOS OUTROS

2011-11-01T07:48:00.000-07:00

Ser ou não ser da fotografia

O escritor francês George Bataille foi influenciado pela fotografia e pelo poder da imagem em retratar a dor dos outros

Por Luciana Cavalcanti, do Fotograficaminhamente

Ontem me vieram à cabeça duas perguntas, após uma semana repleta de discussões instigantes e leituras pertinentes à história, sociologia e antropologia — estas áreas relacionadas à fotografia. Também após encontrar bons — às vezes inúteis, felizes ou infelizes — comentários sobre a fotografia e seu uso como instrumento de ego e não de pacificação e discussão construtiva das ideias.

Para muitos, a fotografia pode ser registro do real, obra de arte, instrumento de pesquisa, recorte de um plano, de uma ideia, testemunho, objeto de fazer e fixar memória, inspiradora de conceitos, de imaginação, de contação de histórias etc. O leitor, mais que do que eu, pode atribuir várias afirmações a respeito da fotografia, sobre o que ela é.

O uso da fotografia, porém, é um fetiche — e disso não se pode escapar. Ela pode mudar comportamentos ou inspirar uma transição de pensamento importante na história de uma época ou de um grupo. Seguindo esta premissa, descubro que uma das maiores provas da motivação pela imagem fotográfica foi o escritor francês George Bataille.

A relação de Bataille com o bizarro, com o voyeur, com o inusitado, com o fetiche (e tudo isso embutido no seu pensamento sobre corpo, vida, morte, sexo e erotismo) é recorrente em sua obra. Bataille foi arquivista da Biblioteca Nacional da França. Inspirado pelo seu terapeuta, resolveu dedicar-se à temática das extravagâncias sexuais e pelo êxtase, a fim de exorcizar — segundo afirma a literatura — seus tormentos psíquicos.

Mas o que me chamou mais a atenção sobre a inspiração de Bataille foi o artigo “George Bataille: Imagens do Êxtase”, escrito pelo filósofo Luiz Augusto Contador Borges e publicado pela revista Agulha em 2001. Contador afirma a influência enorme no início da vida profissional de Bataille por um conjunto de fotografias realizadas durante um ato de esquartejamento na China Imperial, em 1905. A vítima era o suposto assassino de um príncipe.

Na execução do chinês Fou Tchou Li e seu Suplício dos Cem Pedaços, o sorriso visto em seu rosto é absurdamente intrigante. Ao documentar o ato visto por tantos espectadores, o psicólogo francês George Dumas fica atordoado com o acusado impávido diante do corte de seu próprio corpo e do prolongamento de sua condição de estar entre a vida e a morte, sendo tratado sadicamente por seus algozes.

ARTE EM PARIS E CORRESPONDENTES

2011-10-16T19:10:00.000-07:00

Paris viveu uma noite de arte mês de outbro: a décima edição de sua "Noite Branca", um apanhado de proposições artísticas contemporâneas que se espalham pela cidade para propor aos visitantes uma noite em claro.

Mais de 100 instalações e performances artísticas de diversas categorias, criadas especialmente para a ocasião, abriram suas portas quando o sol se pôr e permaneceram ativas até domingo criado na capital francesa e copiado em outros pontos do planeta, de Buenos Aires a Toronto.

Frente a algumas cidades que, como Madri, o transformou em bienal por conta da crise econômica, Paris aposta nesta manifestação "que permite às pessoas ter acesso à arte de forma singela em momentos conturbados", segundo as palavras de Christophe Girard, que idealizou o evento há uma década.

"Cada edição é diferente", acrescenta Girard, que espera que dois milhões de pessoas participem da grande exposição ao longo da madrugada.

Para seu 10º aniversário, a "Noite Branca" ficou à cargo de Alexia Fabre e Franck Lamy, diretores da manifestação, que propuseram quatro grandes percurso pela cidade.

Nos arredores da Prefeitura destaca-se a proposta assinada por Pierre Ardouvin, que proporciona aos visitantes um passeio, com guarda-chuva em mãos, por um estúdio de cinema sob uma fina chuva púrpura, escutando uma versão revisitada de uma canção de Prince.

Um pouco mais ao norte, no bairro de Saint-Georges, um labirinto de tecidos brancos idealizado pelo americano Jungwan Bae levou o visitante a um ambiente de desorientação.

Não muito longe, a artista japonesa Sachiko Abe passou toda a noite cortando papel, com o objetivo de fazer uma reflexão sobre a passagem do tempo, através da imagem e do barulho provocado pelo papel caindo e as tesouras.

Já no pátio do colégio Jacques-Decour, o mexicano Carlos Amorales preparou uma instalação composta de 30 mil borboletas de papel, que oferecem um espetáculo que o artista pretende que provoque sentimentos de sedução ou repulsa.

Algumas fachadas do bairro de Batignoles serão preenchidas de luzes em uma projeção idealizada pelos alunos da Escola de Belas Artes, enquanto Fabrice Hyber propõe, a dois passos dali, uma representação na qual participam 50 super-heróis de histórias em quadrinhos.

Finalmente, no bairro de Montmartre, Christian Boltanski abrirá seu "teatro oficina", no qual vários atores interpretaram uma peça pela madrugada afora.

UTENSÍLIOS DO COTIDIANO COMO OBRA DE ARTE

2011-10-11T16:03:00.000-07:00

El Museo Guggenheim Bilbao ha ampliado su colección con la compra de las obras "Hogar", de Mona Hatoum, y "Sin título", de Doris Salcedo, y con la donación de la instalación "¿Cómo te vas a comportar? Un gato de cocina habla", de Liam Gillick, y de tres fotografías de José Manuel Ballester.

Según ha informado este museo en una nota, la primera de estas obras "Hogar" (1999), que ha costado 525.000 dólares (392.000 euros), se compone de una gran mesa sobre la cual reposan varios utensilios de cocina conectados entre sí mediante pinzas y cables, que a su vez están enchufados a una toma de corriente.

Su autora, Mona Hatoum (Beirut, 1952), es una artista "fundamental para entender el desarrollo del lenguaje escultórico y el arte de instalación desde la década de los ochenta", según ha subrayado el Guggenheim.

a segunda obra adquirida por la Sociedad Tenedora del museo, con un coste de 725.000 dólares (541.500 euros), es "Sin Título" (2008) y pertenece a la serie más extensa de Doris Salcedo (Bogotá, 1958), ya que se inició en 1989 y aún está en curso. Con esta adquisición, Doris Salcedo se concierte en la primera artista latinoamericana en formar parte de los fondos del Museo Guggenheim Bilbao.

La compra de estas dos piezas forma parte de una nueva línea estratégica en la política de adquisiciones del museo.

NOVAS AQUISIÇÕES EM INHOTIM, MINHAS GERAIS, BRASIL

2011-10-11T15:26:00.000-07:00

O que há de comum entre A bica, do artista plástico baiano Marepe, Elevazione, do italiano Giuseppe Penone, e Strassenfest, da alemã Isa Genzken? Aparentemente nada, mas as três são novas aquisições das galerias de Inhotim. A inauguração oficial foi realizada poderão ser conferidas pelo público.

Para Júlia Rebouças, curadora assistente do museu, considerado o maior centro de arte ao ar livre da América Latina, apesar de as peças não integrarem mostra específica, a intenção é criar uma relação entre elas, além de provocar o diálogo com trabalhos instalados no espaço. “Temos obras muito interessantes, como o Beehive bunker, do artista norte-americano Chris Burden, que passa a fazer parte da exposição permanente. É um bunker feito com sacos de cimento, ou seja, uma obra de arte feita com a própria matéria-prima. Isso é bem curioso”, comenta.

Destaca-se A origem da obra de arte, da mineira Marilá Dardot, formada por 1,5 mil vasos de cerâmica no formato das letras do alfabeto, com sementes e material de jardinagem. O visitante poderá plantar, além de construir palavras e frases num enorme campo gramado. “O público vai dar vida ao trabalho da Marilá. Ele vai sendo construído aos poucos”,
Outra obra que promete chamar a atenção é Elevazione: peça de bronze, similar a um tronco, é aparentemente sustentada por quatro árvores. Fica em nova área de visitação, entre a galeria Cosmococa e a obra Beam drop. A união desses dois espaços era planejada pela curadoria há algum tempo. “Todos os anos, a gente acrescenta esculturas, instalações e quadros a nosso acervo, que deve ter em torno de 500 obras. Nenhuma delas foi produzida especialmente para Inhotim, mas são superimportantes.

Entre as novidades estão trabalhos de Giuseppe Penone, Chris Burden, Marilá Dardot, Cinthia Marcelle, Marepe, Eugenio Dittborn, Lothar Baumgartgem, Isa Genzken, Susan Hiller e Thomas Hirschhorn.INHOTIM

Arte contemporânea. Em Brumadinho (MG), acesso pelo km 500 da BR-381. Terça a sexta, das 9h30 às 16h30; sábado, domingo e feriado, das 9h30 às 17h30. Informações e visitas agendadas: (31) 3227-0001. R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia). Crianças até 5 anos não pagam

A CRÍTICA MARIA JOÃO MACHADO FAZ UM RESUMO SOBRE O ACRÍLICO E A OBRA DE ARTE

2011-09-15T20:24:00.000-07:00

O início da década de 60 estabilizou o acrílico na obra de arte. O facto é que um novo chamamento estético, ou seja um material inovador aparecia para contestar a arte. Quais os efeitos desta nova tendência que desafiava o bom senso conservador?Era, pois a ruptura vinda através dos meios materiais e dos instrumentos usados não pelo artista e sim por artesões e cedidos pela tecnologia que seguiam mapeamentos dados pelos artistas e feitos por outras mãos especializadas. A moda pegou e se presentifica até hoje, inclusive mostrando que outros materiais industrializados como o ferro, barro, madeira, etc fossem aproveitados neste novo fazer artistíco.

Lisboa, setembro de 2011

ArtRio - FEIRA INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÂNEA DO RIO DE JANEIRO.

2011-09-12T16:33:00.000-07:00

Um evento mais que o esperado. O sucesso da ArtRio contou com dias belíssimos e a macissa presença do grande público e de relevantes nomes do circuito da arte, A foto registra: Vicente de Percia escritor, ensaista, crítico de arte,( membro da A.B.C.A. / A.I.C.A e da Bow Art International como observador da grande mostra) double de artista plástico com sua série Mandala e Marisol Martell( assistent to edittor) da Revista ArtNexus. Martell fez referências a ArtBasel em Miami, residente na Flórida a editora aconselhou o crítico a participar do evento. Primeira feira de arte contemporânea do Rio de Janeiro entusiasma galeristas e coloca o Rio em posição invejável no Circuito internacional de arte. No momento que a crise econômica mundial se instala, tornando o mercado acanhado e pessimista, a cidade maravilhosa abre suas portas e planta a esperança.

Muito público, bons contactos, boas vendas, organização, simpatia, e tudo isto com vista para a Baía de Guanabara. Os sete galeristas portugueses que participaram na primeira feira de arte contemporânea do Rio de Janeiro, a ArtRio, são unânimes no elogio.

Das 83 galerias presentes, metade eram estrangeiras, incluindo várias latino-americanas, norte-americanas, europeias e uma australiana. Mas a maior representação internacional foi a portuguesa, confirmando uma aposta estratégica de galeristas de Lisboa, Porto e Braga no mercado brasileiro.

A enchente de público começou logo no primeiro dia, quinta-feira 8,rápidamente tinham passado por lá 35 mil pessoas, e a expectativa era que no fecho, ontem à noite, o total somasse 50 mil, disse ao PÚBLICO Elisângela Valadares, a idealizadora da ArtRio, juntamente com Brenda Valansi Osorio. "Tínhamos uma estimativa inicial de 20 mil visitantes, o que foi superado logo no terceiro dia. E foi um sucesso muito grande de vendas. Os coleccionadores brasileiros e alguns internacionais estiveram presentes e as galerias trocaram duas e três vezes os seus acervos.

Na beira da baía

A ArtRio foi montada no Pier Mauá, um cais contíguo à praça Mauá, zona portuária agora em renovação. Ou seja, pavilhões em cima da Baía de Ganabara, com a ponte de Niterói diante dos olhos e esplanadas à beira da água.

O belo cenário ainda necessita de muitas obras para torná-lo mais aprasível. Certamente, aguarda-se belas pavimentações e um plano arquitetônico que seja realmente um point. Tem tudo para ser um dos mais elegante Pier do mundo. Lug Glaude e José Maria Mejhias sentiram falta de bons restaurantes inclusive para comemorar sua acessoria a coleciodores e instituições.

DESAFIO DO SÉCULO XXI

2011-08-17T19:51:00.000-07:00

Por Ricardo Abramovay

Pecuária, soja, energia e minérios: esses são os vetores estratégicos que norteiam a maioria dos atores privados e públicos na Amazônia brasileira. Os efeitos são bem conhecidos. Não se criam cadeias produtivas capazes de agregar valor ao que se faz localmente. A esmagadora maioria dos estímulos sinaliza aos agentes econômicos vantagens de um comportamento predatório que já comprometeu nada menos que 15% da maior área de floresta tropical do mundo e que está na raiz de sua imensa pobreza. Apenas 12% dos domicílios na Amazônia são beneficiados por saneamento básico. O próprio poder público contribui de maneira significativa para esse quadro desolador, não só pelo financiamento de iniciativas pouco inovadoras, como a pecuária, mas também pela implantação de obras que acabam resultando em pressão ainda maior sobre a floresta e pela generalização do trabalho mal pago e pouco qualificado. Dos 73 milhões de hectares derrubados na Amazônia, 60 milhões voltam-se hoje à pecuária.

A mudança nesse quadro desolador felizmente já começou. Os mercados de alguns dos produtos que dominam a ocupação da Amazônia submetem-se a pressões socioambientais crescentes, que conduzem, muitas vezes, à melhoria dos resultados de sua exploração, como no caso exemplar da moratória da soja. Ao mesmo tempo, o maior controle sobre o desmatamento, bem como a ampliação de terras indígenas e de reservas florestais, contribui para atenuar, de forma significativa, o ritmo da destruição que marca, de forma trágica, a história da região até aqui.

Esses avanços, no entanto, não são suficientes para enfrentar o grande desafio do século 21 em torno do qual se encontra a possibilidade de construir nada menos que “um novo capitalismo jamais imaginado pelos visionários de ontem”. É à análise desse processo incipiente que Jacques Marcovitch, professor da Faculdade de Economia, Administração e Contabilidade (FEA), ex-reitor da Universidade de São Paulo (USP) e coordenador de um dos mais importantes estudos sobre aquecimento global no Brasil, a Economia do Clima, dedica seu novo livro: “A Gestão da Amazônia: Ações Empresariais, Políticas Públicas, Estudos e Propostas”. Esse grande desafio do século 21 pode ser descrito em torno de três eixos básicos.

Em primeiro lugar, é necessário fazer da valorização dos produtos e dos serviços da biodiversidade uma fonte consistente de dinamismo econômico e de coesão social. Está em jogo a passagem da economia da destruição da natureza para um sistema inteiramente baseado em seu conhecimento, a economia da floresta em pé. Não se trata apenas de proteção, mas de encontrar modalidades de uso da floresta capazes, ao mesmo tempo, de garantir a manutenção de seus serviços ecossistêmicos e a geração de renda para os que, ainda hoje, têm sua existência precária, tantas vezes, baseada em práticas destrutivas.

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GRAFITE - ARTE NOS MUROS NOS ESTADOS UNIDOS

2011-08-08T19:10:00.000-07:00

Manchas frescas de grafite decoram placas de sinalização perto do mar. Tags têm aparecido nas grades ao longo das trilhas de terra perto do Parque Griffith, do outro lado de Santa Monica, na Califórnia.

Quase diariamente, há retoques frescos nas paredes do Vale de San Fernando, em prédios do centro de Los Angeles e em outdoors ao longo das rodovias.

E Los Angeles parece não estar sozinha ao lidar com uma recente onda de grafite, que tem transformado alguns lugares improváveis. A nova safra de rabiscos está florescendo em muitas comunidades de tamanho modesto de todo o país - em locais como Florence, no Alabama; Reserve, no Novo México; Taylors, na Carolina do Sul, e em grandes cidades como Nashville, no Tennessee, e Portland, em Oregon - enquanto grandes cidades como Chicago, Denver, Nova York e Seattle dizem que campanhas de vigilância antigrafite têm poupado seus muros.

Foto: The New York Times

Muro é coberto por grafites em Los Angeles, na Califórnia

"Tudo isso apareceu, de repente, nos últimos seis meses", disse Tim Sandrell, proprietário do Safari Adventures in Hair, de Florence. "Eu tenho o salão aqui há 10 anos e estou realmente desapontado que nós estamos vendo esse tipo de atividade agora. Temos uma bela cidade histórica, e é muito perturbador para mim ver isso acontecendo".

A onda de grafite gerou preocupação entre as autoridades da cidade e reabriu um debate sobre a glorificação da prática - seja em peças de museu, tatuagens ou anúncios de televisão - ter contribuído para o retorno do que consideram uma praga urbana e um sinal de decadência econômica. Mas ela também gerou um debate sobre o que tem causando esse aumento recente e se ele pode ser um indicador precoce de que a ansiedade e a alienação estão crescendo em algumas áreas urbanas lutando por causa do desemprego teimoso e persistente trazido pela recessão.

Estatísticas

As últimas estatísticas de Los Angeles, onde a taxa de desemprego era de 11%, atestam um problema crescente: a cidade teve removidos 3.288 metros quadrados de grafite no ano fiscal que terminou 30 de junho, um aumento de 8,2% em relação ao ano passado, segundo as autoridades. "Nós vimos a quantidade de pichações subir anualmente", disse Paul Racs, diretor do Escritório de Embelezamento da Comunidade.

ARTE POVERA - OBRA ALIGHIERO - BOETTI -TUTTO, 300X20

2011-08-08T18:56:00.000-07:00

Una grande bouffe di segni e di voci. Tra settembre e ottobre, sarà inaugurata la rassegna «Arte Povera 2011», a cura di Germano Celant, in diverse sedi museali: il Castello di Rivoli (dall'8 ottobre) e la Triennale di Milano (dal 24) ospiteranno mostre di carattere generale; il Mambo di Bologna (dal 24 settembre) e il Madre di Napoli (dal 7 ottobre) proporranno ricostruzioni di episodi significativi della storia dell'Arte Povera; il Maxxi (dal 6 ottobre) e la Gnam di Roma (dal 4) accoglieranno antologiche di alcuni protagonisti. In curiosa concomitanza, al Palazzo Reale di Milano (dal 27 ottobre), apre, nell'ambito delle celebrazioni per i 150 anni dell'Unità d'Italia, la grande retrospettiva, curata da Achille Bonito Oliva, sulla transavanguardia, primo momento di un grand tour che prevede personali dedicate ai cinque animatori del gruppo: Sandro Chia, all'ex Foro Boario di Modena; Nicola De Maria, al Museo Pecci di Prato; Mimmo Paladino, all'ex Gil di Luigi Moretti a Roma; Enzo Cucchi, al Marca di Catanzaro; Francesco Clemente, al Palazzo Sant'Elia di Palermo. Una full immersion che sarà accompagnata da convegni organizzati al Mart di Rovereto, al Castello di Rivoli, all'Accademia di Brera di Milano, alla Gnam di Roma e al Madre di Napoli, cui interverranno, tra gli altri, filosofi come Franco Rella, Gianni Vattimo, Massimo Cacciari, Giacomo Marramao e Roberto Esposito.

Pur diversi per caratteri, comportamenti e cultura, i padri delle due poetiche - Celant e Bonito Oliva - hanno elaborato strategie affini, sperimentando ipotesi espositive «radiali», disseminate in più luoghi. Le mostre che hanno disegnato sono un'occasione importante per tornare a riflettere su contrapposizioni e incroci, su attriti e sfioramenti, su assonanze e differenze.

Le assonanze, innanzitutto. Poche. Siamo di fronte a due movimenti che, guidati da teorici-mentori (Celant e Bonito Oliva), vogliono recuperare la lezione delle avanguardie primonovecentesche. Avviano un dialogo con il mercato, promuovendo una programmata occupazione di gallerie e musei. L'obiettivo: riaffermare la centralità dell'Italia nel sistema internazionale dell'arte, in un'epoca caratterizzata dal dominio dei modelli statunitensi.

CHINA

2011-08-02T15:37:00.000-07:00

Texto e fotos

de Ladislau Dowbor

A tradição ocidental é de qualquer pessoa que passa um par de semanas na China escrever um livro.

Não pretendo ir aqui além de algumas imagens. A realidade é que a China apresenta uma dinâmica absolutamente impressionante de crescimento econômico, transformações em ritmo que temos dificuldades em conceber. Crescer 10% ao ano significa a economia dobrar de tamanho a cada 7 anos. Isto quando um em cada 6 habitantes do planeta é chinês. Não se trata de assunto de chinês, trata-se de todos nós.

No par de semanas em que estive na China, visitei Beijing, Chengdu (1600 km para o interior), e Shanghai, realizando conferências em cerca de 10 instituições universitárias, organizações da sociedade civil, e até na escola de formação de quadros do Partido Comunista. Todos interessados em sistemas de gestão descentralizada e inovações institucionais da América Latina. E eu interessado, como é natural, em como funciona a própria China.

Todos sabemos que a dinâmica é poderosa, que se trata da segunda economia do mundo, e no entanto não sabemos como e porque funciona. Segundo as nossas opções ideológicas, achamos que é um exemplo, ou que é um desastre ambiental, ou ainda um desastre social. Outros ainda declaram que é uma ditadura e fazem de conta que é tão simples assim. As simplificações, como sempre, sobrevivem porque simplesmente sabemos muito pouco. Na realidade vi muita coisa interessante em todas as dimensões. E cabe não esquecer que a China tirou 430 milhões de pessoas da miséria entre 1981 e 2000 (ONU, The Inequality Predicament, p. 78), cifra que ultrapassa 500 milhões segundo Lester Brown (Brown, 2011).

Arrisco apenas uma ideia geral, que discuti em vários meios e consultei em vários documentos, e que parece razoavelmente segura: o sistema é politicamente centralizado, no sentido de traçar as orientações gerais. No entanto, a execução, e de forma geral a gestão da economia, do meio ambiente e das políticas sociais estão radicalmente descentralizadas, permitindo uma enorme flexibilidade e pragmatismo nas soluções. E não se trata apenas de descentralizar os encargos, pois os próprios recursos são descentralizados, através de caótico, mas funcional sistema de orçamento central articulado com recursos para-orçamentários locais. (Catherine Wong).

CIDADES CARAS

2011-07-18T02:16:00.000-07:00

Todos os anos, a empresa de consultoria Mercier realiza uma pesquisa para determinar quais são as cidades mais caras do mundo para os estrangeiros, levando em conta diversos fatores como preços dos transportes, dos bens e serviços e do lazer. No levantamento, há lugar para surpresas: Luanda, capital da Angola, encabeça a lista. Outras cidades têm perfil mais turístico, como Tóquio, Moscou e Cingapura. Mas a notícia que chama a atenção é que São Paulo, que estava em 21º lugar no ano passada, pulou para o décimo lugar no ranking

SACADAS DE CARTAGENA, COLÔMBIA

2011-07-12T16:11:00.000-07:00

As sacadas da histórica e romântica de Cartagena de Índias, ao norte da Colômbia, são como uma espécie de arte final que fazem de sua região antiga uma obra-prima admirada por todos que passeiam pelas estreitas vielas e se deleitam com as histórias de piratas e de amores do Caribe.

Seu belo estilo singular, similar ao da arquitetura da Cartagena colonial, tem influência espanhola, principalmente da região da Andaluzia, porta de entrada da maioria dos colonizadores ibéricos que chegaram ao novo continente e trouxeram seus costumes.

"Nós temos herança andaluza, as primeiras construções refletem essa influência que é também árabe dada esta colonização na Espanha que durou 800 anos", disse à Agência Efe o especialista em preservação, observação e restauração do patrimônio histórico, Ricardo Sabaleta.

Pouco se sabe sobre a origem das sacadas, mas arquitetos que estudam a história e as origens da cidade acreditam que foram erigidas pela necessidade de refrescar as casas durante as temporadas mais quentes do ano.

No início "os balcões tinham uma propósito eminentemente ambiental" já que sua construção aberta, iluminada e a especial disposição dos balaústres e das colunas das varandas permitiam a entrada do vento marinho que circulava por toda a casa, permitindo um "ambiente fresco e agradável", detalhou Sabaleta.

"Para se proteger do forte calor, as casas têm muros largos que são termodinâmicos e, portanto, as sacadas servem como proteção da incidência do sol, ou seja, são como uma grande ala que se projeta para fora da propriedade. O que acontece é que o sol chega apenas até o balcão e não passa para a parte interna do imóvel", acrescentou.

Cartagena tem uma temperatura média anual de 28 graus centígrados, no entanto, por volta de meio-dia durante as temporadas mais amenas o termômetro dificilmente marca menos de 30 graus centígrados e a umidade relativa média é de 85%, o que dá uma sensação térmica elevada que chega a ser sufocante.

As sacadas que enfeitam a maior parte dos velhos casarões, milhões de vezes fotografados por turistas, constituem o principal atrativo dentro da já fascinante arquitetura de Cartagena e serviram e continuam servindo de inspiração para poetas, escritores, pintores, escultores e artistas.

Estes espaços exclusivos decorados muitas vezes com flores coloridas que evocam histórias de amores proibidos protegidos pela penumbra da noite e pela tênue luz dos postes de luz fazem parte também dos cenários reais e imaginários presentes nos romances do Nobel colombiano, Gabriel García Márquez.

Os balcões são, segundo Sabaleta, "únicos no mundo" e podem ser vistos em diferentes alturas em todas as ruas da cidade. São coloridos, amplos, altos, rústicos, sóbrios, republicanos, coloniais, de madeira e de cimento, enfeitados com flores, discretos, mas todos são "indiscutivelmente maravilhosos".

Junto às sacadas de influência colonial em sua construção em Cartagena também estão as que foram erguidas com a chegada entre 1800 e 1900 da época republicana e nos quais se destacam a robustez de seus balaústres, das colunas e do uso do cimento como material principal nas construções.

Com o passar do tempo, a modernidade e o auge que Cartagena vem conquistando como cidade histórica e turística e, principalmente com as restaurações dos velhos casarões que os transformaram em luxuosos hotéis-boutiques, os balcões adquiriram uma função basicamente estética.

A DECADE OF NEGATIVE THINKING

2011-07-12T16:04:00.000-07:00

The Positive News About Negative Thinking

by Abbe Schriber

Mira Schor
Decade of Negative Thinking: Essays on Art, Politics, and Daily Life
When Osama bin Laden was assassinated earlier this year, it was an uncanny coincidence that I happened to be reading Mira Schor’s essay chronicling the days after September 11. The essay, “Weather Conditions in Lower Manhattan,” is published in Schor’s collection A Decade of Negative Thinking: Essays on Art, Politics, and Daily Life and epitomizes her interest in the raw tensions between past and present, as well as collective and personal trauma and memory. Despite its seemingly random placement, like the other essays in A Decade of Negative Thinking “Weather Conditions” considers these themes while invoking the differences between negativity and criticality. A full decade—its own “negative thinking” spurred by the rhetoric of the Bush/Cheney administration, Hurricane Katrina, economic meltdown, and two wars in the Middle East—has now passed since September 11. But the current, abject moment of bin Laden’s death seems to even further accentuate the timeliness of A Decade of Negative Thinking and its insistence on asking hard questions and promoting skepticism in a culture that is often overtly polemical, and in an art world that is often afraid to be “against” popular opinion.

ART NOUVEAU EM BOGOTÁ, COLÔMBIA

2011-06-19T04:08:00.000-07:00

El discreto encanto del 'art nouveau' en Bogotá

Por: MELISSA SERRATO RAMÍREZ | 5:55 p.m. | 05 de Junio del 2011

'Ninfhea', por Julien Causse. Jarra para agua de peltre, y florero de cristal, de Émile Gallé.

Foto: Mauricio Moreno / EL TIEMPO

Una muestra exhibe piezas del movimiento nacido a finales del siglo XIX.

Escenas en las que el paisaje no solo es escenario, sino protagonista, junto a figuras humanas que fluyen armónicamente con el viento y el mar o adoptan posturas como si salieran de la naturaleza.
Así son algunas de las 140 piezas que componen la exposición Art Nouveau, que se presenta actualmente en ArtNexus, de Bogotá, y que retrata este capítulo de la historia del arte, cuyo principal empeño radicó en llevar la minucia y la dedicación del artista a objetos de la vida cotidiana.
El art nouveau fue un movimiento que surgió a finales del siglo XIX y se extendió hasta 1914, aproximadamente, justo antes de la I Guerra Mundial, durante la llamada belle époque, que debe su nombre a que Europa pasaba por un periodo de paz y prosperidad.
"Esta bonanza se tradujo en que el propósito de los artistas fue puramente estético y sus obras tuvieron una función decorativa", sostiene el crítico de arte Eduardo Serrano. Con ello, los creadores tuvieron la oportunidad de trasladar ese estilo a piezas de uso habitual que hablaban del refinamiento, el buen gusto y la elegancia.
Las piezas de la muestra Art Nouveau son muy representativas de este movimiento y es la primera vez que se agruparon tantas con este fin en el país, porque las que se conservan no pertenecen a un solo coleccionista, sino a muchos que las han sabido preservar. De hecho, Carlos Alberto González, quien se encargó de la organización y la curaduría, tardó unos tres años en reunirlas, pues no solían llevarse a galerías y salas de museos, sino que se incorporaron a varias esferas de la creación, como la arquitectura, la moda y el diseño, lo cual hizo que sus paraderos fueran espacios privados.
Los objetos de la exposición pertenecen al mobiliario heredado de familias que, a comienzos de siglo, tenían un espíritu hedonista y hasta de ostentación, y accedían a ellas por encargo, mediante catálogos provenientes de Europa.
"Centros de mesa, aguateras, cajas para cubiertos, espejos, floreros, fruteros, jarras y sillas eran las piezas que adquirían con un doble propósito. Por ejemplo, una escultura de estilo art nouveau les permitía hacer gala de que la poseían y además cumplía una función práctica: era una lámpara", añade González.
Mucho se le ha criticado al movimiento una cierta frivolidad, por no reflexionar sobre la muerte, la condición humana o el sentido de la vida. "Sin embargo -opina Serrano-, a nivel creativo favoreció la línea y la asimetría e introdujo un pequeño quiebre con respecto a lo que se había trabajado anteriormente, porque no fue una fiel copia de la naturaleza, sino que introdujo leves deformaciones en la representación para sus búsquedas, a nivel de forma".
Ecos de este movimientoPresencia Colombia
Marco Tobón Mejía, oriundo de Santa Rosa de Osos (Antioquia), fue un gran representante del 'art nouveau'. Hizo gala de este estilo en la revista 'Lectura y arte', hacia 1896, y creó piezas con detalles de refinamiento. En el país, también se destacan los trabajos de Gabriel Orrego.
¿Dónde y cuándo?
En el Espacio ArtNexus, perteneciente al Museo Art Déco, hasta el 15 de julio. Carrera 8a. No. 20-17. De lunes a viernes, de 2 a 6 de la tarde.
MELISSA SERRATO RAMÍREZ

RELAÇÕES FRANÇA BRASIL

2011-06-13T20:48:00.000-07:00

RELAÇÕES FRANÇA / BRASIL

por Roberto Cavalcanti

O CEAQ SORBONNE (Centre d´Études sur l´Actuel et le Quotidien) foi criado pelos professores da Sorbonne Michel Maffesoli e Georges Balandier em 1982.

Trata-se de um Laboratório de Pesquisas, com vocação internacional, tendo como objetivo a pesquisa de novas formas de socialidade e do imaginário sob suas formas múltiplas. O CEAQ SORBONNE acolhe professores e pesquisadores dos mais variados países, devendo-se destacar o elevado número de brasileiros e de brasileiras que ali desenvolvem seus estudos superiores e suas pesquisas.

Os trabalhos desenvolvidos neste grande Centro de Pesquisas são tornados públicos através de duas revistas, « Sociétés » e os « Cahiers de l´imaginaire », e também através de Colóquios regulares.

Foi no CEAQ SORBONNE que nasceu a idéia da criação dos Colóquios França-Brasil, sob a responsabilidade dos professores Michel Maffesoli e Roberto Cavalcanti.

O projeto “CEAQ BRASIL” é um marco de Ação para o Desenvolvimento do Município de Teresópolis, Estado do Rio de Janeiro, e das pesquisas sobre o atual e o cotidiano no Brasil.

Devemos esclarecer que o CEAQ BRASIL é a primeira antena do CEAQ SORBONNE na América Latina. Este fato constituirá uma enorme propaganda Intelectual e Turística para o Brasil, para o Estado do Rio de Janeiro e, particularmente, para o Município de Teresópolis.

OBJETIVOS DO PROJETO

Promover estudos e pesquisas sobre as cidades e a vida cotidiana da sociedade contemporânea visando a colher subsídios para estudos mais aprofundados.

Dar continuidade ao intercâmbio cultural França – Brasil iniciado em 1989 pelo Grupo Le Corbusier-Rio, da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Federal do Rio de Janeiro, coordenado pelo Professor Doutor Roberto Cavalcanti, juntamente com o CEAQ SORBONNE.

Estreitar o intercâmbio França-Brasil através de um programa comum de pesquisas e colóquios entre o CEAQ SORBONNE e o CEAQ BRASIL.

Organizar colóquios e encontros a nível municipal, estadual, nacional e internacional com a participação de profissionais das áreas pertinentes, de modo a se promover a troca de experiências entre os especialistas das diferentes áreas.

Estabelecer, a partir da elaboração de pesquisas conjuntas, vínculos de cooperação científica que possibilitem o intercâmbio de recursos humanos e técnicos, a nível nacional e internacional.

Propiciar à comunidade científica a possibilidade de usufruir do acervo organizado pelo Grupo, a partir dos estudos desenvolvidos, da informatização e da divulgação.

Projeto de considerável alcance social, na medida em que proporcionará uma integração social através da Cultura e da Educação.

O CEAQ BRASIL abrirá portas para Professores, Pesquisadores e Estudantes de diferentes níveis, desenvolverem seus trabalhos com a possibilidade de fazerem cursos de Extensão, Mestrado e Doutorado na França por intermédio do CEAQ SORBONNE.

O CEAQ BRASIL é uma ONG, conforme legislação brasileira, e deverá estabelecer parcerias e intercâmbios culturais com Entidades Culturais Brasileiras e Estrangeiras que tenham objetivos comuns.

No dia 07 de junho de 2011 aconteceu no Hotel Sofitel Copacabana, na cidade do Rio de Janeiro, a primeira reunião de coordenação entre o CEAQ SORBONNE e o CEAQ BRASIL para programar as atividades futuras do CEAQ BRASIL de acordo com a Filosofia de trabalho do CEAQ SORBONNE.

Presentes à reunião os Presidentes Honorários do CEAQ BRASIL, pela França o Professor Doutor Michel Maffesoli e pelo Brasil o Professor Doutor Roberto Cavalcanti e a Diretora de Assuntos Internacionais Professora Doutora Rosza W. Vel Zoladz. O crítico de arte, professor e escritor Vicente de Percia é o presidente em exercício.

Após a reunião os Professores participaram de um almoço de confraternização no Clube Marimbás, na praia de Copacabana. Drº Roberto Cavalcanti, vice-presidente foi o gerenciador deste encontro.

Na foto, da esquerda para a direita os professores Roberto Cavalcanti, Michel Maffesoli, a jornalista Regina Teixeira e a professora Rosza Vel Zoladz.

Foto do professor Vladimir Cavalcante

FORMAS DE ORGANIZAÇÃO

2011-06-13T20:21:00.000-07:00

De dentro das praças e acampamentos, filósofo e militante italiano discute formas de organização, demandas e perspectivas do movimento na Espanha

Por Antonio Negri

Tradução: Bruno Cava

Na última semana, estive na Espanha a trabalho. Estive naturalmente envolvido com os “indignados”: atravessei algumas praças e acampamentos, questionei e discuti com muitos companheiros. Quem são os “indignados”? Não pretendo responder — há dezenas de narrativas facilmente encontráveis sobre isso. Relato aqui somente alguns apontamentos.

Democracia Real Ya nasceu dois meses antes do 15 de maio. É uma associação de militantes digitais, menos radicais, porém mais eficazes que o grupo Anonymous. Já havia movimentos desde janeiro de 2011 contra a Lei Sinde, que pune a pirataria na Internet; e articularam um discurso e uma luta contra a assinatura daquele acordo entre PP e PSOE (direita e esquerda), que viabilizara essa lei, promovida inclusive pelo vice-presidente americano. Em conseqüência, a associação incita à recusa do voto: “no les votes!”, e desenvolve um discurso sobre o sistema representativo espanhol, contra o bipartidarismo, com a exigência de uma nova lei eleitoral proporcional, dirigida a favorecer o pluralismo e a equidade.

Um segundo grupo interessante é o V de Vivienda. É um movimento de luta pela moradia, começado em 2005 (“por uma moradia digna”) e desenvolvido em rede, como reação ao estouro da bolha imobiliária. Em rede, convocam manifestações, produzem verdadeiros “enxames”, com grandes mobilizações iniciais que, contudo, encontraram dificuldade em obter um impacto político mais duradouro.

Um terceiro movimento é o dos “hipotecados”. Surge em Barcelona e constitui uma plataforma de ajuda recíproca das famílias e indivíduos que, por causa de hipoteca ou débito bancário ou insolvência privada, terminaram despejados. Valoriza muito a aparição midiática — inclusive nos meios tradicionais. Esta competência foi muito importante para as lutas e a construção do 15-M.

Um quarto grupo se formou nas várias assembléias e coletivos do cognitariado urbano. Esses não possuem militantes orgânicos. Trata-se essencialmente de uma esquerda intelectual, que protesta e coopera em rede, assumindo posições radicalíssimas contra a precariedade e a incerteza do trabalho, além de contestar os baixos salários. São grupos do trabalho imaterial crescidos na crise, “dentro e contra”.

AS ARTES VISUAIS PRESENTE NA FEIRA INTERNACIONAL DO LIVRO.

2011-05-25T18:31:00.000-07:00

A obra, batizada de "Torre de Babel de Livros", é de autoria da artista plástica argentina Marta Minujín, que reuniu mais de 30 mil exemplares de 54 países, inclusive do Brasil, como informou a assessoria de imprensa do governo de Buenos Aires.
"É importante que todos venham (ver) porque esta é uma obra de participação maciça", disse Minují
Para reunir tamanha quantidade de livros, ela contou com edições doadas pelas embaixadas e por moradores de Buenos Aires, que entregaram seus exemplares durante dois meses nas várias livrarias da cidade.
"A ideia foi transformar a torre num veículo da cultura, unificando o mundo através dos livros", afirmou a artista. Ela disse que a realização da obra foi como "um milagre" artístico que "entrará no imaginário coletivo".
José Mraia Mejhias member da Bow Art International foi o representante escolhido para divulgar as editorações da B.A.I.

CRÍTICA LITERÁRIA - OBRA DE SÉRVULO SIQUEIRA

2011-05-24T20:41:00.000-07:00

Fragmentos de um Botão de Rosa Tropical, 205 págs, 2010, Rio de Janeiro, de Sérvulo Siqueira, edição do autor.

Imerso em uma árdua e satisfatória pesquisa o crítico e cineasta Sérvulo Siqueira mostra que as informações nem sempre são verdadeiras. Os motivos são vários e partem desde meros monólogos até o desejo de sair à frente para suprir o desejo de inovar. A estada de Orson Wells no Brasil possui inúmeras versões, um “mistério” acerca do seu inacabado filme Its All True. A pesquisa de campo em função deste enigma serviu de motivação para o autor realizar sua pesquisa desde 1962 até 1983 como informa a orelha deste livro.

Vejo Sérvulo como um personagem incluso na sua obra, recorrendo a documentos, fotografias e sujeito a revisar nesta trajetória sua obra e a de Wells. Seu objetivo é parceiro de arquivos que fornecem fatos relevantes para a história do Cinema. Certamente, este processo se arrastou aprofundando os laços entre Sérvulo e Orson e este encantamento com seus vaivens, surpresas não se restringe, somente em mostrar a verdade, vai muito além, pois estabelece uma estratégia motivadora no leitor. Para assumir a primeira pessoa conduz o visitante leitor pelos labirintos que um dia marcou a chegada e a partida do cineasta e o seu sonho que não é sonho e sim as galerias dos documentos e o cotidiano.

Como leitor e propondo-me a fazer um chamamento: palavras que substituí em relação à crítica vão de encontro de um opus para deixar registrado o entrever que narra com entusiasmo e coerência “alguns fatos obscuros, mal explicados ou propositalmente distorcidos”. O livro: “Fragmentos de um Botão de Rosa Tropical” não é um brado indignado é mais que uma fonte de pesquisa, coleciona ambiências, os múltiplos segmentos que formam um elo para adequar a ideia formatada do autor, certamente a polêmica é dita de outra maneira; a polêmica revitalizada que garante a imparcialidade, porque estimula à diversidade que orienta e abre possibilidade ao diálogo e esclarecimento.

Vicente de Percia

Escritor/Crítico de Arte membro da Associação brasileira e internacional de críticos de arte e Member da Bow Art Internationa
Helena Falcão disse... Para adquirir este livro, visite a página

http://www.guesaaudiovisual.com

EMBRIÃO DE UMA NOVA ESQUERDA

2011-05-23T13:00:00.000-07:00

Origens do movimento espanhol revelam busca de pós-capitalismo e esforço para superar velhas formas de centralização. Há avanços e limites

Por Antonio Martins

Com pesquisa de Luís F. C. Nagao

Se em 1989 caiu o muro de Berlim, em 2011 caíram todas as formulações sobre o fim da história e a falta de interesse dos jovens pela política. As mudanças no mundo árabe e a piora nas condições de vida com ausência de perspectiva na Europa estão gerando processos de luta social intensos e, sobretudo, inovadores.

O caso espanhol é significativo. O uso da internet como forma de comunicação direta entre os que os que rejeitam as lógicas do capitalismo não é novo. Em 2004, mensagens em massa, trocadas por celular, desconstruíram uma tentativa do então primeiro-ministro, José Aznar, para manipular atentatos terroristas e assegurar vitória eleitoral. Em 2006, houve mobilizações por casas dignas. Em 2010, greve geral contra os ataques do governo a direitos trabalhistas. Há poucos meses, o ciberativismo mobilizou-se contra a chamada “Lei Sinde”, que, a pretexto de defender a propriedade intelectual, restringe a troca de músicas, vídeos e outras criações culturais via internet.

Nas últimas semanas, esta rica história de ações ajudou a propagar de forma muito rápida duas iniciativas que desembocaram na ocupação, pela juventude das praças centrais de mais de duzentas cidades – inclusive Madri e Barcelona. São elas: o movimento Juventude sem futuro e a convocatória da Democracia Real Já

Juventude sem futuro é uma agrupação de associações universitárias que vem ganhando destaque por lutar contra a mercantilização do ensino e as contra-reformas trabalhista e no sistema de aposentadorias (aumento da idade mínima para receber os benefícios e redução de seu valor). As mudanças na lei trabalhista aumentam a precariedade dos contratos e reduzem o poder dos sindicatos, ao limitar as negociações coletivas conduzidas por eles. A taxa de desemprego juvenil está em 40%.

Mas a elitização do ensino foi, talvez, o fator que detonou a atual mobilização. O acesso à universidade torna-se cada vez mais restrito. Prioriza-se investimentos que formam uma elite – em geral direcionada para postos em grandes empresas – e deixa-se à míngua cursos menos diretamente relacionados com o mercado. Em 7 de abril, milhares de estudantes foram as ruas de Madri e mais dez cidades, em protesto contra mais uma rodada de ataque aos direitos sociais

MESTRE E DR PELA UNIVERSITÉ DE PARIS I, COMENTA ENSAIO DE MEMBER DA BOW ART INTERNATIONAL

2011-05-10T12:47:00.000-07:00

PARQUES TEMÁTICOS E PÓS-MODERNIDADE

Parabenizo a professora Diomira Faria pelo excelente trabalho que vem desenvolvendo sobre um tema que merece uma ampla discussão: as manifestações pós-modernas e o turismo, e um associação dos parques temáticos com a pós-modernidade.

Quando falo de um tema que merece uma ampla discussão refiro-me à querela moderno/pós-moderno.

Sem querer me alongar no texto pensamos nos Ciclos da História da Arte onde estudamos os períodos arcaico, pré-clássico, clássico, helenístico, ou românico, gótico, gótico flamejante, ou pré-renascimento, renascimento, barroco e outros tantos ciclos que se repetem segundo uma noção estética muito bem desenvolvida pelo filósofo-professor Jean François Lyotard em seus cursos sobre o Belo e o Sublime nas salas da Sorbonne em Saint Denis, Paris VIII.

Outra batalha importante no século XX foi travada nas Universidades Européias e Brasileiras: os arquitetos e os artistas se insurgindo contra o ensino acadêmico ministrado nas Escolas de Belas Artes de Paris e do Rio de Janeiro.

Esta querela precede a atual tão bem definida pela professora Diomira Faria: turismo moderno x turismo pós-moderno, tomando como base os parques temáticos. Realmente,os parques temáticos são uma associação com a pós-modernidade.

No modernismo tivemos um turismo de massa homogênea e no pós-modernismo o turista não faz parte desta massa homogênea da população, com o crescente desprestígio do turismo de massa.

As viagens tendem, cada vez mais, a serem personalizadas. O cliente escolhe seu roteiro, reúne alguns amigos e amigas e traçam as etapas desejadas para suas viagens. Dirige-se então a uma agência de turismo para contratar seus serviços. Isto seria inimaginável no período moderno quando predominavam os pacotes turísticos.

Os parques temáticos caracterizam este período do turismo internacional. São numerosos os exemplos para serem lembrados em tão poucas linhas.

A interpenetração dos ciclos históricos é bem definida pela professora Diomira Faria quando ela afirma que os “parques temáticos são fenômenos com raízes na modernidade, servindo a um consumo de massas, com o qual é necessária uma rígida estrutura e uma ênfase na racionalização”. Cita a Disneyização e a McDonaldização como fenômenos modernos inseridos em um mundo pós-moderno.

Tópicos abordados pela professora Diomira, como compressão do tempo em um espaço determinado, consumo e lazer, hiperrealidade, lugares paradigmáticos, progresso tecnológico mereceriam uma análise posterior.

Bem lembrada a citação feita pela professora Diomira do livro de Harvey, Pós-Modernidade (1990): “o pós-modernismo não é uma descontinuidade em relação ao modernismo, e sim diferentes manifestações da mesma dinâmica subjacente”.

Concordo plenamente com a professora Diomira: trata-se de uma oferta moderna para uma demanda pós-moderna.

Rio de Janeiro, em 10 de Maio de 2011.

Roberto Cavalcanti

Arquiteto / Urbanista

Professor Doutor FAU-UFRJ

Mestre e Doutor pela Université de Paris I, Panthéon, Sorbonne

CINEMA CONTRA A HOMOFOBIA

2011-04-29T19:46:00.000-07:00

O Ministério da Saúde francês decidiu financiar curtas-metragens para lutar contra a homofobia e o suicídio entre os jovens. Mas como criar imagens capazes de um tal feito?

Por Bruno Carmelo, editor do blog Discurso-Imagem.

“Jovem e homossexual sob o olhar dos outros”. O título deste projeto não poderia ser mais claro. Este conjunto de cinco curtas-metragens nasceu da iniciativa do Ministério da Saúde francês em 2008, que propôs aos jovens enviar roteiros com o tema acima. Os mais de 3000 projetos foram lidos, e cinco foram selecionados por psicólogos, membros de associações gays e personalidades do cinema, além do cineasta francês André Téchiné, abertamente homossexual, coordenador do projeto. O resultado foi exibido na televisão a cabo e em alguns cinemas de arte, restringindo os filmes a um público com poder aquisitivo e formação cultural mais elevados.

Não caberia aqui denunciar o didatismo de um projeto que não pretende ser mais do que isso: um objeto pedagógico de “luta contra a homofobia”, segundo o site oficial. O mais interessante é ver as consequências da pedagogia no cinema, pensar na noção de um cinema útil e intervencionista – cinema este que, embora ferramenta de ensino, beneficia dos mesmos canais e dos mesmos meios de produção de qualquer outro filme financiado com fundos públicos. Os filmes são todos, diga-se de passagem, bastante profissionais e competentes tecnicamente.

A EUROPA EM SEU LABIRINTO

2011-04-23T21:50:00.000-07:00

Por Roberto Savio, de Other News

Tradução Antonio Martins

O presidente do Conselho de ministros de Finanças da Europa e primeiro-ministro de Luxemburdo, Jean Claude Junker, ficou famoso por ter declarado: “Todos sabemos o que deveríamos fazer, mas se o fizéssemos perderíamos todas as eleições”. Esta frase, uma declaração de impotência da política, indica o caminho que o continente está seguindo.

O governo de Portugal é a última vítima deste caminho. Todos os mecanismos criados pelas instituições europeias para ajudar seus membros em crise estabelecem como condição eliminar o déficit orçamentário nacional. Mas já temos dados suficiente para saber em que estamos nos metendo.

Grécia, Irlanda e agora Portugal têm acesso a centenas de bilhões de euros de ajuda. Mas trata-se de empréstimos e embora os juros sejam um pouco mais baixos do que cobram os bancos privados, permanecem muito altos. Acumulam-se a cada dia. Para receber tais créditos, os governos comprometem-se a cortar seus orçamentos mais do que seria politicamente aceitável. E no caso de países com alta dependência do gasto público para sua estabilidade e crescimento, cortes drásticos significaram sempre desaceleração econômica, quando não inflação, o que torna ainda mais difícil pagar cada euro da dívida.

Em economia, a isto se dá o nome de “a armadilha da dívida”. O remédio tradicional era desvalorizar a moeda nacional, o que agora é impossível para os 17 países que adotaram o euro como moeda única – ou, então, declarar algum tipo de moratória, igualmente impossível, já que arrastaria todo o castelo europeu. Simon Tilford, economista-chefe do Centro para a Reforma Europeia, de Londres, escreveu: “Há um limite para os cortes de orçamento que um governo pode aplicar e sobreviver politicamente” se não se vê, como luz no fim do túnel, uma perspectiva de crescimento econômico.

Mas sabemos que esta luz não se vê na Grécia, Irlanda ou Portugal. As estatísticas dizem que os Estados não puderam aumentar suas receitas – ao contrário. Em boa medida, porque o déficit social aumenta, com desemprego e redução de investimentos privados e sobretudo públicos. Como observou Antonio Nogueira Leite, economista do Partido Social Democrático português (opositor e à direita do primeiro ministro demissionário José Sócrates): “As probabilidades de que a Grécia tenha de reestruturar sua dívida não são menores que há um ano e os negociadores levarão isso em conta, quando discutirem o tipo de juros que se aplicará aos empréstimos europeus”. E a revista Economist escreveu: “O plano internacional para salvar a Grécia está paralisando o país”.

VENENOS QUE CONTAMINAM

2011-04-13T19:20:00.000-07:00

Baseada em latifúndio e monocultivos, agricultura brasileira já consume 1 bilhão de litros de venenos, que contaminam água, solo e seres humanos.

Por Danilo Augusto, na Radioagência NP

Na última safra, as lavouras brasileiras bateram o recorde de uso de agrotóxicos. De acordo com informações do Sindicato Nacional da Indústria de Produtos para a Defesa Agrícola (Sindage), mais de um bilhão de litros de veneno foram usados na agricultura. Se confirmado o volume de vendas estimado em 2010 pela Associação Brasileira da Indústria Química (Abiquim), esse recorde pode ser superado. A entidade estima um crescimento de até 8%, em relação ao período anterior.

O uso excessivo destas substâncias químicas está relacionado com o modelo agrícola brasileiro, que se sustenta no latifúndio, na monocultura, na produção altamente mecanizada para a produção em larga escala. Para sustentar essa lógica, empresas e produtores precisam usar sem qualquer controle os agrotóxicos.

Mas para onde vai este veneno? Grande parte dele vai parar nos alimentos à venda nos supermercados, nas feiras. Ou seja, vai parar na mesa da população e, depois, no estômago.

Um estudo realizado pela Agência Nacional de Vigilância Sanitária (Anvisa) detectou no pimentão mais comum, vendido nos supermercados, substâncias tóxicas no patamar de 64% além da quantidade permitida. Na cenoura e na alface, foram encontrados 30% e 19% de agrotóxicos acima do recomendável pelo órgão do governo. Vale lembrar que a quantidade limite de agrotóxicos e produtos proibidos são diferentes para cada cultura, mas é certo afirmar que estamos comento produtos envenenados.

Além da contaminação dos alimentos, os agrotóxicos estão se dispersando no meio ambiente, seja na terra, água e até mesmo o ar. Muitos desses agrotóxicos comercializados no Brasil, inclusive, formam banidos da União Europeia (UE).

Uma operação da Anvisa, que durou aproximadamente dez meses e visitou sete fábricas de agrotóxicos instaladas no Brasil, concluiu que seis delas desrespeitavam as regras sanitárias e tiveram as linhas de produções fechadas temporariamente. Entre as irregularidades encontradas, estão o uso de matéria-prima vencida e adulteração da fórmula.

AGROTÓXICOS NA LAVOURA UM TEMA GLOBALIZADOR POSITIVO

2011-04-09T12:51:00.000-07:00

por Manuela Azenha, de Cuiabá (MT)

Há cinco anos, Lucas do Rio Verde, município de Mato Grosso, foi vítima de um acidente ampliado de contaminação tóxica por pulverização aérea. Wanderlei Pignati, médico e doutor na área de toxicologia, fez parte da equipe de perícia no local. Apesar de inconclusiva, ela revelava índices preocupantes de contaminação.

Em parceria com a Fundação Oswaldo Cruz (Fiocruz), Pignati passou então a dirigir suas pesquisas à região Centro-Oeste. Professor na Universidade Federal do Mato Grosso, há dez anos ele estuda os impactos do agronegócio na saúde coletiva. É o estado onde mais se aplica agrotóxicos e fertilizantes químicos no Brasil, país campeão no consumo mundial dessas substâncias. Pignati alerta que três grandes bacias hidrográficas se localizam no Mato Grosso, portanto quando se mexe com agrotóxico no estado, a contaminação da água produz impacto enorme.

O projeto de pesquisa coordenado por Pignati tem o compromisso de levar às populações afetadas os dados levantados e os diagnósticos. Para ele, é fundamental promover um movimento social de vigilância sanitária e ambiental que envolva não só entidades do governo, mas a sociedade civil organizada e participativa.

Diferentemente da União Européia, aqui a legislação não acompanha a produção de conhecimento científico acerca do tema. Segundo Pignati, a legislação nacional, permissiva demais, limita a poluição das indústrias urbanas e rurais, enquanto paralelamente a legalizada

As portarias de potabilidade da água, por exemplo, ampliaram cada vez mais o limite de resíduos tóxicos na água que bebemos. E na revisão da portaria que está prestes a acontecer, pretende-se ampliar ainda mais

Pignati condena a campanha nacional em prol do álcool e do biodiesel, energias que considera altamente prejudiciais e poluentes para o país que as produz: “Se engendrou toda uma campanha para dizer que o biodiesel viria da mamona, do girassol, de produtos que incentivariam a agricultura familiar, mas é mentira, vem quase tudo do óleo de soja”

Assim como a pesquisadora cearense Raquel Rigotto (leia aqui a entrevista dela ao Viomundo), Pignati também questiona a confiabilidade do “uso seguro dos agrotóxicos”, um aparato de normas e procedimentos que mesmo se contasse com estrutura para seu funcionamento ideal, ainda assim não garantiria o manejo absolutamente seguro dos venenos

Para Pignati, a falta de investimento na vigilância à saúde e ao ambiente no Brasil é uma questão de prioridade: “Tem muito dinheiro para vigilância, mas não para o homem. Existe um verdadeiro SUS que cuida de soja e gado, produtos para exportação

SÍMBOLO MÁXIMO DA ANTROPAGIA BRASILEIRA DE VOLTA AO BRASIL

2011-03-16T20:24:00.000-07:00

Obama será o primeiro a ver exposição de obras de mulheres brasileiras no Planalto

Muitas das obras que serão expostas fazem parte dos acervos de órgãos públicos

Logo ao chegar ao Palácio do Planalto, no próximo sábado (19), o presidente do Estados Unidos da América, Barack Obama, e a sua mulher, Michelle, serão levados pela presidenta Dilma para visitarem a mostra Mulheres Artistas e Brasileiras - Produção do Século 20, que está sendo montada no Palácio do Planalto. Eles serão os primeiros a visitar a exposição que será inaugurada no próximo dia 23 e ficará aberta à visitação pública por cerca de um mês e meio.

Nesta semana, a Presidência providencia os últimos preparativos para a exposição, que faz parte das comemorações do Mês da Mulher. O pedido para que tudo já estivesse pronto na visita de Obama foi feito pela própria Dilma.

A exposição reunirá cerca de 80 obras, entre telas e esculturas, de 49 artistas brasileiras. O Salão Oeste, no primeiro andar do Palácio do Planalto, foi preparado especialmente para a mostra. As paredes foram pintadas com uma tinta da cor chamada menininha, um rosa bem claro.

Hoje (16) deve chegar ao Planalto a obra mais esperada: o Abaporu, de Tarsila do Amaral. A tela, símbolo da pintura modernista brasileira, estava exposta no Museu de Arte Latino-Americano de Buenos Aires (Malba) e foi cedida para a exposição pelo seu dono, o colecionador argentino Eduardo Costantini. A própria presidenta cuidou das conversas com o colecionador para que a obra fizesse parte da exposição.

A tela foi arrematada por Constantini, em um leilão em Nova York, em 1995, por US$ 1,5 milhão. A pintura em óleo sobre tela foi cedida pelo colecionador para ficar no Brasil durante um mês e meio, tempo que durará a exposição a ser inaugurada pela presidenta no próximo dia 23.

Símbolo máximo da antropofagia brasileira, o nome Abaporu significa, em tupi, homem que come gente, uma referência à proposta modernista de “deglutir” a cultura estrangeira, fazendo uma releitura com base na realidade brasileira. O quadro foi pintado em óleo sobre tela em 1928. A pintora Tarsila do Amaral presenteou com o Abaporu o seu marido na época, o escritor Oswald de Andrade.

POR UM CINEMA PÓS-INDUSTRIAL

2011-02-23T02:54:00.000-08:00

Os últimos anos têm nos deixado claro que há algo importante acontecendo nesse cinema brasileiro que não esconde mais o rótulo da cerveja nas cenas de bar. Em festivais, as salas estão lotadas, debates longos com centenas de participantes, e há muitos e muitos filmes que circulam no Brasil (e no mundo) em festivais, mostras, dvds, cineclubes, camelôs, internet – e muito raramente em shoppings. Ao mesmo tempo, quando o debate sobre fomento e distribuição aparece, a questão gira em torno de como implementar uma indústria, como fazer a passagem desse cinema para o “verdadeiro” profissionalismo.

Por vezes, cineastas mais experientes dizem apenas: “Vocês podem fazer esses filmes colaborativos e à margem da indústria agora, mas logo terão que entrar no sistema.” Em Tiradentes, este ano, Cacá Diegues dizia: “A economia no cinema é muito frágil, de repente tudo pode acabar.” Algo parece estranho nesses dois momentos. Por uma lado esse cinema existe, se renova ano a ano, circula, conta com centenas de técnicos, público, tem boas críticas e reconhecimento em festivais nacionais e internacionais. Por outro, há um discurso que atravessa o debate, para o qual isso é insuficiente: eles precisam da indústria. Para entender essa esquizofrenia que diz que o que existe deve deixar de ser como é para existir, é preciso algumas palavras sobre o capitalismo, sobre o que foi a indústria no século XX e o que significa falar em indústria hoje.

A era industrial

No final do século XX inicia-se uma mudança decisiva no capitalismo. A indústria, que há dois séculos dominava a geração de valor, deixa de ter o lugar hegemônico.

Lembremos de maneira rápida: a indústria trabalha dentro de paradigmas claros para que transformação da matéria em produto funcione de forma ideal. É necessário colocar os sujeitos em uma linha de montagem em que suas capacidades subjetivas e criativas sejam deixadas de lado – o que não significa dizer que na indústria não haja criatividade (como em Tempos Modernos, de Charles Chaplin – foto). É preciso que, no limite, entre projeto e produto não haja alteração e que tudo funcione em absoluta previsibilidade. Para a indústria, é necessária uma política de escassez, em que as cópias são reguladas; um novo produto significa mais matéria-prima e tempo de linha de montagem em operação; logo, custo.

Dentro da lógica industrial, a organização dos sujeitos em classe estava dada por uma posição econômica, claro, mas também simbólica, ou seja: que lugar o sujeito tem na ordem estética, que lugar ele tem na indústria? Em outros termos: que direito e que possibilidades de experiências sensíveis e subjetivas o sujeito tem nesse processo de transformação da matéria-prima em bens industriais, em produtos? Assim, na indústria há dois lugares claros a serem ocupados: aqueles que são proprietários dos meios de produção e aqueles que operam sem os meios – os trabalhadores. Enquanto, na ponta da cadeia produtiva, o dono do capital opera mimetizando o próprio capital – desgarrado, em fluxo, sem lugar definido – o trabalhador vive no espaço fechado, no salário definido, no gesto repetitivo, no cartão de ponto. Não é só a falta de dinheiro que o afasta do capital, mas todo o campo simbólico. Assim, mais do que um sistema de produção, a indústria é um regime discursivo e estético que opera no sensível, no dizível e no visível.

Resumindo: na era industrial o trabalhador não opera criativamente, está distante dos meios de produção e deve ser colocado em uma linha marcada pela previsibilidade do processo. Os meios de produção são marcados pela escassez e as classes são organizadas pelas possibilidades econômicas e sensíveis.

A era pós-indústrial

O que acontece na atual fase do capitalismo é um deslocamento do lugar do valor com fortes implicações nas relações que os poderes estabelecerão com os vivos, com a natureza da mercadoria, com a divisão de classes e com os meios de produção. No capitalismo pós-industrial (imaterial, cognitivo) não é mais no produto/matéria que se encontra o centro do valor, mas no conhecimento, na forma de se organizar e modular uma inteligência coletiva. Para se produzir valor não se depende apenas da força de trabalho física dos indivíduos, mas da força de invenção (Lazzarato) das vidas. Ou como escreveu o Yann Moulier Boutang “o centro de gravidade da acumulação capitalista mudou” e a centralidade do valor é imaterial.

Por Cezar Migliorin, Revista Cinética

A QUESTÃO DA PÓS-MODERNIDADE TENDO COMO ENFOQUE AS FAVELAS

2011-02-16T17:41:00.000-08:00

Estética das favelas. A questão que se discute já não é mais, felizmente, relativa à remoção e relocação dos habitantes das favelas para áreas longínquas da cidade. Hoje, o direito à urbanização é um dado adquirido e incontestável, ou seja, a questão já não é mais simplesmente social e política mas deve passar obrigatoriamente por uma dimensão cultural e estética. Sempre houve um tabu, em se tocar nas questões culturais e principalmente estéticas das favelas, mesmo se sabendo, que o samba e o carnaval (e várias outras festas populares e religiosas), ícones do nossa cultura popular, se desenvolveram e possuem ligação direta com esses espaços, e que, ao mesmo tempo, várias favelas foram removidas por serem consideradas "antiestéticas". Em contrapartida, inúmeros artistas, tanto da própria favela quanto da dita cidade formal, ou até mesmo estrangeiros, se influenciaram e buscaram inspiração nessa "arquitetura" das favelas. Além de fazer parte do nosso patrimônio cultural e artístico, as favelas se constituem através de um processo arquitetônico e urbanístico vernáculo singular, que não somente difere, ou é o próprio oposto, do dispositivo projetual tradicional da arquitetura e urbanismo eruditos, mas também compõe uma estética própria, uma estética das favelas, que é completamente diferente da estética da cidade dita formal e possui características peculiares. Do caso mais extremo onde a favela era removida e seus habitantes relocados em conjuntos habitacionais cartesianos modernistas, até o caso mais brando atual, onde os arquitetos da dita pós-modernidade passaram a intervir nas favelas existentes visando transformá-las em bairros, a lógica racional dos arquitetos e urbanistas ainda é prioritária e estes acabam por impor a sua própria estética que é quase sempre a da cidade dita formal. Ou seja, a favela deve se tornar um bairro formal para que uma melhor integração da favela ao resto da cidade se torne possível.

O MUNDO CONTEMPORÂNEO

2011-01-19T19:23:00.000-08:00

Vivemos o futuro, mas o que observamos é passado porque o presente não se consegue explicar. Abrimos os olhos e o que vemos é chamado de século XXI, o século que aguarda as acções e comportamentos dos Homens. O ser humano, como objecto de estudo filosófico, enfrenta graves problemas próprios desta era contemporânea. O que fazemos repercute-se mediante as consequências e se o Homem se «auto-extinguir» será impossível concluirmos tal coisa, pois já não estaremos neste mundo como condição de vida. As divergências entre os povos e as suas culturas têm criado muitos conflitos [guerras], os quais colocam em dúvida os Direitos Humanos. Falamos de Direitos e, na sua base, são influenciados por valores e podem pôr o Homem a questionar-se sobre a sua felicidade. Afinal, o que é «ser feliz»? Somos capazes de sê-lo? Contudo, não nos esqueçamos que a nossa espécie está em iminente risco e, assim sendo, será que estamos conscientes da importância do meio-ambiente na nossa vida? Olho, então, em redor e concluo que caminhamos em direcção a um ideal, a perfeição, mas que os nossos actos nos levam a um destino completamente diferente, um futuro incógnito! Vivemos numa contradição: a vida é um paradoxo. Evita a Guerra, busca a felicidade, respeitando os Direitos Humanos e preservando a nossa condição neste mundo, consciencializando-te da tua responsabilidade ecológica. A BUSCA DA FELICIDADE A Felicidade é vista como um valor, o qual obriga a que exista a infelicidade como contrário, implicando assim uma definição muito mais complexa. Podemos dizer que a Felicidade [segundo a eudaimonia – ética antiga] é algo que se conquista através de uma decisão tomada de forma apropriada perante certos acontecimentos práticos em relação ao Homem e ao mundo. Contudo, numa dimensão pessoal, a Felicidade pode ser vista como os momentos em que alcançamos o prazer ou a satisfação, a perfeição [o que sabemos desde já que é inatingível]. Factores que determinam a felicidade: § Saúde, bem-estar, dinheiro, longevidade, liberdade política, amizade/amor...

O CRÍTICO DE ARTE VICENTE DE PERCIA COMENTA: "O EFEITO GLOBALIZADOR"

2011-01-07T14:33:00.000-08:00

O final de todos os anos é de praxe os meios de comunicação fazerem as reprises dos acontecimentos, torna-se habitual àqueles que prendem a opinião pública a publicar os fatos que se repetiram por mais tempo nas manchetes. Os argumentos utilizados não se ficção em aspectos formativos ou em notícias que tendem a implantar o hábito de um senso-crítico. Tal fato, ocorre porque diante de um receptor acostumado a engolir o que lhe é imposto, aceita a informação com passividade. O elemento emotivo e "sensacional" é o preferido e em discursos repetivos, praticamente incluso em todos os meios de comunicação esta postura é adotada. Estes discursos passam a ser pertinentes com todos os seus atributos de linguagem reiteradas e já denunciam o efeito globalizador repleto de "normas" que transforma o texto em um produto de ganho fácil, surpérfluo a ser utilizado por um longo período, uma propaganda direcionada com intenções apenas de consumo e "convencimento".

A axiologia de "valores" é voltada, apenas para atrair o espectador esta postura é utilizada sem restrições e não para liberar novas inserções de aprendizado, pois criar uma notícia mesmo sendo consistente é um risco. Vê-se também que ocorre em outros segmentos da cultura esta "unanimidade" que impede que a expressão artística surja fora de uma sistematização pertinente sem que exista algo que passe pelo cotidiano e traga um somatório capaz de identificar pretensas rupturas ou o olhar para um individual consistente.
Observar um mundo diferente atual através de opiniões que ressaltem particularidades e visualizar outras janelas em que os assuntos insiram sobre a sociedade na sua estrutura orgânica e sensível, buscando o diálogo e a reflexão é posto de lado. Este processo representa a castração brusca em relação ao desenvolvimento desejado - intuição e trajetória cultivada posta de lado. Apesar das crises que observamos nos relacionamentos do Homem com o Homem e com a organicidade do mundo que desejamos: um futuro melhor. Temos acesso somente a poucas formas de comunicação que ressaltem um olhar diferenciado que emerjam de tentativas, erros e acertos; o oposto deve ser observado, também como alerta, ou seja, notícias herméticas pretensiosas que tendem colocar o leitor contra a parede ao conferir a obra de arte o satus quo - consentir para não se sentir excluído.

Estes argumentos tendenciosos buscam criar mitos, personalidades e uma qualificação / quantificação profissional que afasta a possibilidade de se fazer uma investigação coerente, com isto o receptor sente-se aprisionado e para não ser minimizado consente com a informação que ele não compreende. Ativar um novo experimento que mexa com valores e que componha um corpo em um processo de criação é um instrumento de sedução para aproximar o público é o significado da cultura.

A estratégia discursiva globalizante produz uma falsa verdade, visto que a relação entre realidade e linguagem não condiz com a essência da arte que é tão relevante como a própria vida. Calcar só sobre um aspecto com funções conotativas estabelecem uma dicotomia e denuncia os interesses que estão por detrás deles. " A Arte Nasce do Novo" é um chavão académico, pois este "novo" que vemos é repetitivo e não dá chance que o indivíduo use a sua sedução de expansão com os seus sentidos livres. No meu entender existe um magicísmo, onde os impulsos do criador possa mostrar as suas diferenças, inclusive o que o Homem pensa ser uma obra de arte e a questão do belo entre vários tópicos.
Pontuações sobre a imagem artística não podem ser decidida em " acordos", o que importa é que a ideia se presentifique mediante os
mais variados segmentos da natureza com liberdade.

Vicente de Percia

Luca di Montezemolo

2011-01-06T06:22:00.000-08:00

Luca di Montezemolo: "Deviam preocupar-se menos com a arquitetura e mais de traçados que permitam ultrapassagens"

O presidente da Ferrari, Luca di Montezemolo insiste que não deixará morrer a ideia de colocar três monolugares por equipa a correr na F1. Num encontro com elementos da imprensa italiana, o homem forte da Ferrari insurgiu-se contra a proibição de testes, alegando que a regra devia ser um pouco aligeirada. A razão pela qual insiste nos três monolugares por equipa tem a ver com a, segundo ele, péssima escolha feita pela FIA de novas equipas para o Mundial de 2010:
"Honestamente continuo a achar que teria sido melhor colocar a correr um terceiro carro do que ver outros que até na GP2 teriam problemas em andar na frente. E insisto que esta é uma ideia a que iremos voltar no futuro.", começou por referir Montezemolo num encontro que teve com a imprensa italiana, antes de se referiu à questão dos testes: "Penso que é altura de se desbloquear esta absurda questão da limitação dos testes. A Fórmula 1 é o único desporto em que não há grandes possibilidades de treinar.", referiu, terminando com a questão das pistas:
"Relativamente aos novos circuitos, tenho de dizer que seria preferível que se pensasse um pouco melhor no assunto, que se envolvessem mais pessoas de modo a criar pistas que permitissem mais oportunidades de ultrapassar. Talvez devessem preocupar-se menos com a arquitetura que rodeia os circuitos e mais com os traçados.", concluiu.

LA POST- MODERNIDAD EN LOS MUSEOS

2010-12-29T13:15:00.000-08:00

Vamos a mirar lo que se pasa con la post-modernidad en los museos. Hoy día se percibe un fenómeno cultural sorprendente, que es el aumento significativo de museos, centros de cultura y arte. Si en Gran Bretaña cada tres semanas se abre un museo y en Japón se han abierto quinientos en los últimos quince años , en Brasil se ha inaugurado no menos que 753 museos y similares desde 1990 . El gráfico al final presenta esta distribución entre las regiones de Brasil.
Los museos contemporáneos tienen sus raizes en el movimiento minimalista donde obra y espacio de exposición se amalgan, poseindo como línea de continuidad el consumismo que, por su vez, viene de la herencia moderna, cuando los museus cambian para atrair a millones de visitantes. En el momento de la post-modernidad, como una nueva fase del modernismo, la lógica del consumo de masa continua como el hilo de una continuidad, pero ahora el efémero se presenta, como resultante del experimentalismo artístico. Un indicador de esta nueva tendencia es la dinámica de exposiciones temporales en los museos, siendo que si en siglo XIX el area de la colección permante de los museos correspondía a 80% de su area total, hoy día, en los museos de la actualidad, no pasa del 30% . De manera que hay una prioridad en los espacios de los museos para los “paquetes expositivos”.
Al buscar las respuestas para el fenómeno del creciente deseo por museos y exposiciones, Castillo (2008), a partir de Huyssen, apunta tres caminos, que pueden ser parcialmente coincidente o rivales. El primero sería un intento de materializar el transitorio o provisorio de la sociedad de consumo, denominado de teoría de la compensación. Sería una compensación al sentimiento de pérdida debido a la obsolescencia de los objetos, a la aceleración del tiempo. Utilizando la expresión de Umberto Eco (1984): vivimos en una época de procesos imensamente acelerados, donde lo que ocurre en cinco años de nuestras vidas puede corresponder a lo que sucediá en cinco siglos. El siguiente camino lleva a la teoría de la simulación, que plantea que el museo es un medio de comunicación de masa y simulador como lo es la televisión. Finalmente, el último camino para explicar el fenómeno es la tese de la sociedad de consumo, que observa el aumento de las actividades culturales como más un paso de la modernización, como una representación de un nuevo fenómeno social de consumo.
De esta manera, en lugar de divorciar-se de la modernización, los museos van a garantizar su funcionalidad como medio de comunicación. En esta fase de la sociedad de consumo, donde la creciente busca por experiencias únicas, raras, originales es una tendencia, los museos desarrollan habilidades para ofrecer experiencias capaces de llevar a los visitantes para más alla del real.

1 Harvey, 2008, pag 81.
2 Sistema Brasileiro de Museus, disponible en http|//museus.ibram.gov.br/sbm/cnm_conheçamuseus.htm
Acesso de mayo hasta agosto de 2010. Fueram considerados los museos e as que tiene página web propia con informacion de la fecha de apertura al público.
3 Castillo, 2oo8, pp275

Para Hernández (1994:297) “estaríamos delante de lo que se ha denominado de ‘sensibilidad posmoderna’… donde se rompen los esquemas tradicionales y, en un esfuerzo de legitimar el arte contemporáneo, se va más allá considerándola como el lugar donde es posible reinventar y reencantar el mundo”.
Castillo hace un comentario que me pareció adecuado. Ella reconoce que el museo se ha tornado un espacio diferente en comparación al de la modernidad clásica, sin embargo, los museos continuan a ser un espacio de contestación y mediación, y como tal, quizás pueden en el futuro concretar los más “elevados ideales modernos”.
De manera que la evolución de los museos de un equipo cultural que posee una recolección de objetos de arte cuya función es la preservación y presentación al público, cambia para una situación de interactividad con el público, o sea hay una nueva diretriz a partir de cambios sociales, poseindo en la contemporaneidad características que buscan atender a un consumidor que, a partir de algunas perpectivas, puede ser planteado como post-moderno. ¿Cuáles serian estás perspectivas? Es posible apuntar: la comprensión del arte como experimentación, la prioridad dada al tiempo presente, la flexibilidad, la fragmentación, la oportunidad de mesclar temas como arte y entretenimiento, arte y conocimiento, arte y naturaleza, dentre otros.
Los museos hoy día son un espacio de arte, conocimiento y entretenimiento, pero al mismo tiempo un centro de compras, con tiendas diversas, diferentes opciones de restauración, es decir, caminando para la tendencia emergente en el mundo contemporaneo de centro de visitación que ofrecen un albanico de servicios y facilidades para entretener al visitante .
La pregunta que hago a ustedes es: ¿cuál es el museo en Brasil que más se acerca a las características del post-modernismo?

4 Castillo(2008), pp256
5 Es cierto fue tambiém es una respuesta a la multiplicidad de nuevos términos y lenguajes artísticas.
Castillo(2008), pp, 230.

o último texto da trilogia sobre pos-modernismo e turismo, que refere-se ao post-modernimo nos museus
Diomira Maria Cicci Pinto Faria

PÓS- PÓS-MODERNISMO NA LITERATURA?

2010-12-13T17:08:00.000-08:00

Ah, liberdade, quantos crimes se cometem em seu nome!

Seria incorreto dizer, como alguns críticos têm dito, que o recém-lançado Freedom, de Jonathan Franzen, é uma espécie de continuação de seu brilhante The Corrections (2001), vencedor do National Book Award de Melhor Livro do Ano, nos EUA, e que se tornou best-seller internacional. The Corrections é considerado uma obra literária de gênio que definiu toda uma era na sociedade americana. Freedom (2010, Farrar, Straus and Giroux, 576 págs.), aborda outra era, pós-ataque terrorista em Nova York, 11 de Setembro de 2001. É outra sátira, ainda mais cáustica, à família contemporânea, à política, aos negócios inescrupulosos, à malaise do início do século. O tempo marcha, o relógio marca, e não há soluções. Seu gênero, descrito como "realismo histérico, pós-pós-modernismo", sacudiu os alicerces da literatura americana.
Inteligente demais para agradar as massas, não está ao nível popular de Stieg Larsson. Para começar, Franzen é um estilista extraordinário, respeitado pelos mais exigentes críticos ingleses como o equivalente a Martin Amis: sua narração se compõe de longas frases elegantes; a erudição transborda no talento linguístico do autor, assim como a ironia ferina; os perfis psicológicos de seus personagens são completos e perspicazes. Seria incorreto dizer que Freedom é melhor que The Corrections. Mas é possível que seja mais profundo e, portanto, mais duro de digerir. Sua preocupação: como achar significado num mundo repleto de distrações inconsequentes.
Freedom conta o epopeia dos Berglunds, típica família da alta classe média do Meio Oeste, de valores liberais honestos, contra o governo George Bush, e valores domésticos deploráveis. Como os Lamberts (Arthur, Enid e seus três filhos) de The Corrections, os Berglunds (Patty, Walter e seus dois filhos), de St. Paul, Minnesota, vivem de dramas psicológicos e sexo extraconjugal. Os Lamberts tentam a riqueza fácil explorando o caos da derrocada soviética na Lituânia; os Berglunds, capitalistas autênticos, tiram lucro da guerra no Iraque. Patty e Walter são da geração baby-boom, frutos dos anos 50, com direito a felicidade, paz e satisfação garantidas no futuro. Não foram informados de que enfrentariam terrorismo e crise financeira. Os filhos, Joey e Jessica, só dão decepção e tristeza.

A PÓS-MODERNIDADE NOS PARQUE TEMÁTICOS

2010-12-11T17:17:00.000-08:00

Existem elementos que permitem uma associação dos parques temáticos com características da pós-modernidade?
Alguns estudiosos, como Anton Clavé, acham que sim e se baseiam nos seguintes argumentos: em primeiro lugar fazem referencia a uma confusão que existe entre imagens e formas, tempo e espaço, como um mosaico. Mais que uma utopia, parques são lugares de recordações enganosas, no qual o universo se situa na interseção entre o presente, passado e o futuro que eles representam. Sem hierarquia, sem limites ou prioridades, ocorre uma justaposição do que é real e imaginário, o passado e o futuro, ciência e história, lendas e contos. O tempo é trocado pelo espaço por exemplo, no Parque Asterix, sete séculos da história de Paris é apresentada em um mesmo lugar, uma compressão do tempo em um espaço determinado. As distancias desaparecem através da imersão em um cenário. Tudo é denso e fragmentado. Como um vídeo, o espaço é criado a partir de imagens de todas as partes, organizadas de maneira seqüenciada de comandos que são entendidos pelos visitantes, que vão sentir-se como uma estrela em seu próprio filme.
O segundo argumento é que não há diferença entre consumo e lazer e não há limites definidos entre unidades e modalidades de consumo. Como exemplo pode-se citar o Disney Animal Kingdom, onde não é necessário fazer nada, somente contemplar. Isto somente é possível em um contexto onde os consumidores aceitam a autenticidade teatral como um jogo (tema discutido no artigo anterior).
O terceiro argumento é o simulacro, onde os parques vão além do limite do real para construir a hiperrealidade. Parques possuem a singularidade da justaposição de mundos díspares. Neste sentido, eles são símbolos de uma era da dissolução das formas, na qual a arte é mesclada com diversão. Um exemplo é a praia artificial no Japão.
O quarto argumento, e o mais importante para mim, os parques são lugares paradigmáticos dos turistas pós-modernos, interessados em experiências, entretenimento, consumo e reconhecimento.
Entretanto, deve-se admitir que parques não têm características da pós-modernidade quanto a idéia de progresso tecnológico, com ênfase em uma materialização convencional; os parques aceitam as metanarrativas, há sempre uma mensagem bem definida (cada área temática das Disney contém um grande mito dos Estados Unidos); apresenta um sistema de trabalho e produção organizado, estruturado em rotinas muito bem definidas e previsíveis.
Podemos dizer que parques temáticos são fenômenos com raízes na modernidade, servindo a um consumo de massa, com o qual é necessária uma rígida estrutura e uma ênfase na racionalização. Desta perspectiva, Disneyização, como McDonaldização, são fenômenos modernos que continuam a ter importância em um mundo no qual se considera, em algumas interpretações, como pós-moderno. Ambos os conceitos podem ser úteis para compreender os parques temáticos a partir da ótica da produção e do consumo. De fato, Harvey, em seu livro sobre a Pós-modernidade (1990), considera que o pós-modernismo não é uma descontinuidade em relação ao modernismo, e sim diferentes manifestações da mesma dinâmica subjacente. Portanto, a aparente contradição poderá ser assim entendida: parques temáticos se incluem dentro de um sistema “moderno” de produção, o qual é capturado por algumas formas de consumo, as quais, a partir de algumas perspectivas, podem ser interpretadas como pós-modernas. Será una oferta moderna para una demanda pós-moderna?

Recomendo o livro de Anton Clavé “The Global Theme Park Industry” . Cambridge: Cabi, 2007.
Diomira Maria Cicci Pinto Faria

DIOMIRA FARIA TECE RELEVANTES OBSERVAÇÕES SOBRE AS MANIFESTAÇÕES PÓS-MODERNAS E O TURISMO

2010-11-25T03:48:00.000-08:00

As manifestações pós-modernas e o turismo

O que te motiva a fazer turismo: a experiência em si ou a busca de uma superação pessoal? Se você respondeu a primeira opção saiba que você é um turista pós-moderno.

Pois veja bem, se considerarmos todas as contribuições neste website sobre o pós-modernismo, iremos observar alguns aspectos deste movimento que tem influenciado as práticas sociais e entre elas, claro, o turismo. Por exemplo, aspectos como a ênfase no tempo presente (o que vale é viver o momento agora); a hiper-realidade se aproximando do simulacro (a disseminação dos parques temáticos); a eliminação das meta–narrativa (a valorização dos sentidos); a tolerância com o pluralismo; a valorização da tecnologia que obtém uma condição de status, onde o tecnologicamente novo é o próprio objeto de consumo; as imagens predominando sobre o conteúdo (o que nos anima mais que ver uma praia deserta e um coqueiro?).

Siqueira (2005) no livro Historia Social do Turismo, pondera que desde a década de 60 se busca um novo estilo de vida ou um novo paradigma para a vida. Para ela, a pós-modernidade teve no turismo sua expressão ou tradução formadora, pois o turismo é um eco da sociedade, nada mais faz que retornar para as massas a imagem que elas têm de si mesmas, nada mais que um espelho dos diferentes narcisismos coletivos existentes. Assim, os turistas, ao reconhecer sua própria imagem de forma globalizada, comunicam-se socialmente[1].

A esta idéia se somam as observações de Urry (1996) e Estaban (2006) ao observar as relações entre as manifestações pós-modernas e as práticas turísticas contemporâneas, afirmando que “o turismo é pós-moderno, devido a sua particular combinação do visual, do estético e do popular”, além de que o turismo sempre usou e abusou do espetáculo.[2]

Se fundamental para o modernismo é a concepção de público como massa homogênea, que possui um conjunto de valores que serve para unificar as pessoas, o que resultou no fenômeno do turismo de massa, no pós-modernismo se verifica a recusa das pessoas em fazer parte desta massa indiferenciada[3], o desprestigio do turismo de massa e a oferta de viagens personalizadas (você define o roteiro, quantos dias quer ficar, enfim uma viagem “sob medida”).

De acordo a Esteban (2006), estamos na era do pós-turista, que apresenta as seguintes características: i) uma consciência da “mercantilização” e “folclorização” da experiência turística, que o pós-turista considera um jogo; ii) a atração pela experiência como fim, mais que a busca por uma superação pessoal através do turismo e iii) o reconhecimento de que o que representa a visão turística é tão importante como a visão em si.
Assim, se você se reconhece como um pós-turista, seja bem vindo ao clube!
Na próxima semana falaremos da pós-modernidade nos parques temáticos e nos museus! Até lá!
Diomira Faria
24/11/2010
[1] Esta idéia da comunicação social a partir do consumo, da identidade social construída a partir de formas de consumo se pode buscar em Canclini, N. (1995). Consumidores e cidadãos: conflitos multiculturais da globalização. Rio de Janeiro: Editora da UFRJ (Cidades em Globalização – o consumo serve para pensar, 75-94).
[2] URRY, John. O olhar do turista: lazer e viagens nas sociedades contemporâneas. São Paulo: Studio Nobel, 1996. Pg 122 e 123. ESTEBAN, J.C. La demanda del turismo cultural y su vinculación con el medio ambiente urbano: los casos de Madrid y Valencia. Tesis doctoral. Universidad Complutense de Madrid. Faculdat de Ciencias Políticas y Sociología. Madrid, 2006. Pg 76.
[3] Urry (1996), Pg123.

MORALISMO, IGNORÂNCIA E... DEPRESSÃO

2010-11-17T16:06:00.000-08:00

Por Paul Krugman Imagem: Fernando Botero
Quantos de vocês querem pagar a hipoteca do vizinho que construiu um banheiro a mais e agora não pode pagar suas prestações? A pergunta já célebre do comentarista econômico Rick Santelli, na rede de TV CNBC, em 2009, foi para muitos o ponto de partida do movimento Tea Party. É um sentimento que ecoa não apenas nos Estados Unidos, mas em boa parte do mundo.
O tom varia, de um lugar a outro: ao escutar, há semanas, um funcionário alemão denunciando o déficit, minha mulher sussurou: “na saída, vão distribuir chicotes, para que todos possamos nos flagelar”. Mas a mensagem é a mesma: a dívida é má, os devedores devem pagar por seus pecados e de agora em diante todos viveremos de acordo com nossos meios.
Este tipo de atitude moralista explica por que estamos mergulhados numa depressão econômica aparentemente sem fim. Os anos anteriores à crise de 2008 foram marcados por um endividamento insustentável. Ele significou muito mais que os créditos de alto risco vistos ainda hoje, erroneamente, como a origem do problema.
A especulação imobiliária atingiu a Flórida e Nevada, mas também a Espanha, Irlanda e Letônia. Tudo era pago com dinheiro emprestado. Tal endividamento tornou o mundo mais vulnerável. Quando os dirigentes decidiram que haviam emprestado demais, e que os níveis da dívida eram excessivos, os devedores viram-se obrigados a cortar gastos. O movimento precipitou o mundo na recessão mais profunda desde 1930. E a recuperação, até o momento, é débil e incerta
O essencial a considerar é que, para o mundo em seu conjunto, receita é igual a gasto. Se um grupo de pessoas – os que têm dívidas excessivas – vê-se obrigado a deixar de gastar para pagar seus débidos, ou outro grupo tem de gastar mais, ou a receita despenca.
No entanto, os setores do setor privado que não enfrentam dívidas excessivas não vêem motivos para aumentar o investimento. E os consumidores que não se sobreendividaram podem conseguir crédito a taxas reduzidas – mas este incentivo para gastar mais é superado pelas preocupações geradas por um mercado de trabalho frágil. Ou seja: ninguém no setor privado está disposto a preencher o vazio criado pelo excesso de dívidas.
Que deveríamos fazer? Em primeiro lugar, os governos deveriam gastar enquanto o setor privado não o faz, para que os devedores possam pagar suas dívidas sem tornar eterna uma depressão global. Além disso, deveriam promover uma redução da dívida.
Mas os moralistas não permitem nada disso. Denunciam o gasto, declarando que os problemas de endividamento não podem ser resolvidos com mais dívidas. Denunciam a redução da dívida, dizendo ser uma recompensa para quem não merece.
E se alguém lhes assinala que seus argumentos não param em pé, enfurecem-se. Tente explicar-lhes que se os devedores gastarem menos, a economia se deprimirá, a não ser que outros gastem mais, e te chamam de socialista. No ano passado, quase todos caçoaram de John Boehner, líder da minoria do Partido Republicano na Câmara, quando declarou: “é hora do governo apertar o cinto”: quando o gasto privado se reduz, o Estado deve gastar mais, não menos. Mas desde então, o presidente Obama utilizou-se da mesma metáfora diversas vezes, prometendo completar o aperto dos cintos no setor privado com corte de gastos públicos.
Falta-lhe coragem para polemizar com as falsas ideias populares? Ou é simplesmente preguiça intelectual? De qualquer modo, se o presidente não defende a lógica de suas políticas, quem o fará?

KITSCH?

2010-10-30T19:07:00.000-07:00

Personne ne le revendique, mais le mélange incongru des styles et des époques parcourt arts et spectacles.

Philippe Katerine. (Barclay/Universal Music)
Kitsch? Guy Cogeval, président du Musée d'Orsay, ose le mot pour définir l'art pompier de Jean leon Gérôme. Il propose actuellement une rétrospective sur ce peintre académique du XIXe siècle. Et la fréquentation démarre fort: plus de 3000 visiteurs par jour. Non loin, au Musée du quai Branly, on préfère l'expression voisine et plus récente de «bling-bling» pour caractériser le goût des marchands chinois d'Indonésie présenté en ce moment au rez-de-chaussée (16.600 visiteurs, soit plus de 1100 par jour). Les objets brillent de perles multicolores et les rivières de diamants ressemblent à du strass. Quant au mobilier de ces intérieurs bourgeois, ils mêlent art mandarin surchargé et lignes occidentales. Difficile de trouver plus incongru. Mais ce kitsch-là naît dans notre regard. Il est largement involontaire.

PÓS-MODERNIDADE - RELAÇÕES E DIFERENÇAS

2010-10-25T15:31:00.000-07:00

Entre as sociedades pós-modernistas, existiam diferenças em relação à arte.
Foi mudada, destruída, a estética tradicional, e impunha-se a representação realista da realidade, que supunha que a literatura ou a pintura espelhava ponto por ponto o real.
A arte devia ser uma ilusão perfeita do real.
O modernismo é a crise da representação realista do mundo e da arte.
Novas linguagens deveriam surgir, para não apenas representar mais interpretar livremente a realidade, segundo sua visão, diferenciando a arte da realidade.
Esta linguagem deveria ser nova e não imitativa, onde daí nasce o formalismo e o hermetismo da arte moderna, que são um jogo de formas inventadas.
Elas não se referem, deformando ou banindo o real, ela cria formas novas e auto referenciadas, elas formam seus próprios assuntos, como: Linhas, cores, volumes e composição.
Os modernistas não estavam sós à frente “do novo”, estavam também contra ao publico burguês, eram boêmios, bizarros e críticos, queriam e gostavam de “aparecer”, expunham suas emoções e suas visões subjetivas e declaravam-se anjos condutores da humanidade.
Foi na época das guerras que os expressionistas explodem seus sentimentos, em borrões, os surrealistas dão vida ao sonho com humor ou terror, na poesia quebram a sintaxe, usam imagens irracionais, soltam as palavras em liberdade. E os enredos realistas, na música, injetam harmonias dissonantes onde na primeira audição são desagradáveis.
A arte modernista se resume como uma arte irracional, emotiva, humanista.
Na arquitetura a escola Bauhaus, fará triunfar a racionalidade funcional contra o ornamento clássico, projetando com ferro, concreto, vidro, e ângulos retos, as megalópoles atuais.
Com o passar do tempo a impulsividade modernista havia perdido o seu impolamento inicial, a sociedade industrial incorpora no design, na moda, nas artes gráficas não só a estética como o culto do novo pregado pelas vanguardas, era usada em objetos, literatura, decoração; a assimetria e desenhos abstratos.
Foi com o descaso da sociedade de massa que surgiu a arte Pop, que foi contra o subjetivismo e o hermetismo, surgindo assim a primeira bomba pós-moderna.
Convertida em antiarte, ela abandona museus, galerias, e teatros e é lançada nas ruas com outra linguagem, assimilável pela massa, onde é passada a dar valor a arte “banal” cotidiana, como os gibis, rótulos, sabonetes, fotos, anúncios,...
Na pintura e na escultura Pop, houve a fusão da arte com a vida, onde não queriam representar o realismo, e nem interpretar, mas mostrar os verdadeiros objetivos.
A antiarte é a desestetização e a desdefinição da arte, ela abandona a beleza, a forma, o valor ao supremo e eterno e ataca a própria definição, utilizando matérias do cotidiano e abandonando os convencionais.
O artista Pop dilui a arte na vida porque a vida já esta saturada de modelos estéticos massificados.
A antiarte é uma ponte entre a arte culta e a arte de massa, pela singularização do banal, ou pela banalização do singular.
Ela também revive o dadaísmo, pois o importante era o gesto, o processo inventivo e não a obra.
A antiarte é participativa, o público reagindo pelo envolvimento sensorial, corporal, pois ela se apóia nos objetos, na matéria, no momento, no riso e não somente no homem, ela ´e pouco critica, não aponta valores.
Na literatura, o pós-modernismo prolonga a liberdade de experimentação e invenção modernista, mas com algumas diferenças do modernismo, pois eles queriam a destruição da forma romance e querem a o pastiche, a parodia, o uso de formas gastas e de massa, surgi o nouveau roman que destrói a forma romance banindo o enredo, o assunto e o personagem
A literatura pós-moderna é intertextual, para lê-la, é preciso conhecer outros textos.

ITÁLIA LIBERA 14 MILHÕES DE EUROS PARA A CRISE DO LIXO

2010-10-24T18:20:00.000-07:00

ROMA — O primeiro-ministro italiano, Silvio Berlusconi, anunciou nesta sexta-feira a liberação de 14 milhões de euros para o município de Terzigno, perto de Nápoles, para tentar resolver o problema do lixo na região depois dos protestos dos moradores contra a abertura de um novo aterro sanitário.
"Esperamos que a situação se normalize em 10 dias", afirmou Berlusconi após uma reunião de emergência celebrada em Roma.
O governo italiano informou ainda que o depósito de lixo Terzigno será administrado pela Proteção Civil, ou seja, diretamente pelo Estado, e não mais pela empresa privada Asia como acontecia até agora.
"Autorizamos 14 milhões de euros para Terzigno", declarou Berlusconi.
Os moradores da área de Terzigno protestam há semanas para impedir a apertura de um novo lixão, já que o aterro atualmente em funcionamento, um dos maiores da Europa, está saturado e emana odores nauseantes.
O diretor da Proteção Civil italiana, Guido Bertolaso, deve viajar à região nesta sexta-feira para administrar a situação, como aconteceu há três anos, quando toneladas de lixo ficaram nas ruas da cidade de Nápoles, gerando uma crise social e política sem precedentes para o então governo de esquerda de Romano Prodi.
"A saúde da população não gera preocupação neste momento", afirmou Berlusconi, que se baseou em um relatório do ministro da Saúde, Ferruccio Fazio.
"Em 10 dias o aterro de Terzigno deixará de exalar os odores e fedores que preocupam a população", disse o premier.
Montanha de lixo, resíduos de comida e dejetos são vistos nas ruas do centro de Nápoles, tal como em 2007 e 2008.
A capital do sul da Itália está há 16 anos em "estado de emergência de resíduos" pela falta de incineradores e locais para o descarregamento, assim como pela falta de seleção prévia do lixo, o que agrava o problema.
Muitos suspeitam ainda que a máfia napolitana, a Camorra, se infiltrou no lucrativo mercado do processamento de dejetos

O CRÍTICO VICENTE DE PERCIA REVISITA TEORIAS DA ARTE

2010-10-02T18:52:00.000-07:00

Observar a arte revisitando suas teorias

Teorias podem ser revistas para poderem traçar opiniões referentes que menosprezem a arte como um valor universal anistórico, os posicionamentos marxistas citam pensamentos em que as origens da arte estão inseridas em uma postura burguesa. Os conceitos estéticos podem ser vistos no prazer despertado no ritmo e na perspectiva. O sentido estético depende de instrumentos e a história identifica a evolução desta postura. Não se pode descartar o refinamento burguês que também atende a arte decorativa e é um processo socialmente impulsionado pelos diferentes grupos. A sedução do objeto, da indumentária, dos adornos são espelhos da natureza, a existência artística surge espontaneamente e diferencia o homem através das suas múltiplas interpretações caracterizando o individual que difere um ser do outro.
Lukács um dos elementos ligado ao marxismo e diante do seu grande interesse pela estética não conseguiu como gostaria se dedicar à história da arte. Voltado para a teoria do materialismo estético: os “refinamentos” burgueses serviram como um freio para as suas classificações, no caso seu posicionamento em relação à arte decorativa difere dos trabalhos estéticos, enfatiza que este contém conteúdos sensíveis, éticos. A investigação de Lukács mostra que ele, a priori, já tem uma ideia formatada da arte. É necessário que um conceito seguro passe com neutralidade por tópicos tais como: ciência, religião, prazer, etc, em vez de só centralizar as pesquisas em cima de decisões explicativas. Dentro destes posicionamentos pode-se afirmar que a arte não é uma ciência, em vista de ela ser imparcial e objetiva. No tocante a questão da ética ela está compromissada com o bom e instrui o bem. A predominância de uma relação burguesa nas artes significa que suas teorias são veículos de uma pratica dominante, influencia uma estrutura mental apesar de que os processos de uma sociedade capitalista nem sempre satisfazem à burguesia.
A visão normativa de Lukács voltada para teorias realistas da arte obtém uma análise envolta no Realismo socialista. Até que ponto pode-se desvincular o fator histórico e afirmar que a arte propriamente dita é aquela que está de acordo com um Realismo crítico de cunho socialista? A arte deve ser vista na sociedade contemporânea em constante confronto com a forma de vida, um sistema que está à mercê de intenções além da finalidade formativa que ela poderia exercer no sentido de implantar o senso crítico e ir de encontros passageiros e estratégicos onde o ganho é a meta. A arte não pode ser vista apenas como um título, ela é o resultado de andamentos. Os crescimentos da tecnologia, da ciência aplicada por vezes contribuem para caminhos poucos significativos que alienam a todos através de um sistema conceitual sem conteúdo, descartado e legitimado por uma sociedade burguesa que em outras palavras transforma a “vida cultural” em condições tais, que o legado da organização social nos mais simples afazeres e satisfação são abandonados.
Como desenvolver o interesse pela arte sem permitir que o belo divida espaços com as mudanças sociais e confrontos existentes, com a divisão de um cerco que tem posições particulares sobre a arte; até que ponto a arte representa opiniões pré- estabelecidas? Dialogar com Lukács, assim como as primeiras teorias da arte traz a flexibilidade de poder argumentar em relação aos novos desafios.

É PRECISO TER ESTUDO, CAUTELA E PERCEPÇÃO PARA FALAR DE ARTE.

2010-09-06T16:16:00.000-07:00

Obra de integração visual séc XXI

Uma pesquisa feita recentemente pela Bow Art International através de críticos e artistas participantes conceituados em diferentes países, constatou o baixo índice de informação a respeito da arte. Pouca leitura, baixo índice de visitação aos museus, teatro, cinema, a tecnologia virtual entre outros, caracteriza o distanciamento e incompreensão da arte no século XXI. Quando muito conseguem chegar ao modernismo. A dinâmica da arte é extraordinária, viva. O que leva as pessoas a emitirem opiniões sem nenhum fundamento? Nomearem falsos artistas,críticos de arte e intelectuais? Há uma elite na compreensão da arte?, certamente que sim foi a conclusão final da equipe, o que não significa excluir o outro, mas colocá-lo em seu lugar de distanciamento e acolhe-lo com informações e metodologia capaz de o atualizar. É uma maneira de fugir ao senso crítico e da observação estas opiniões ditas? Para modificar este erro que é a falta de conhecimento e de método de aprendizado a Bow Art International indica para os iniciantes a leitura do livro: "A Necessidade da Arte" de Ernest Fischer.

Ernst Fischer em A necessidade da arte revela-se um poeta, um esteta e grande crítico. Os assuntos foram subdivididos em cinco capítulos, os quais apresentam um incrível painel das artes desde os tempos mais primitivos. Segue umasíntese da visão de Fischer. A função da arte não está apenas no fato de levar o homem a conhecer e mudar o mundo, mas também por seu caráter mágico, pela magia que lhe é inerente. Desprovida desse resíduo de magia provindo de sua natureza original, a arte deixa de ser arte. Infere-se que a arte é tão antiga quanto o homem, e este, por princípio, um mago. Foi utilizando ferramentas que o homem se fez homem, produziu-se a si mesmo. Simultaneamente, o homem e a ferramenta passaram a existir, indissoluvelmente ligados um ao outro. O homem possui razão e mão, e foi a mão que libertou a razão humana e produziu consciência própria do homem. A eficiência é muito mais antiga do que o propósito; a mão é uma descobridora há mais tempo do que o cérebro. (Basta observar uma criança desfazendo um nó: ela não pensa, limita-se a experimentar. Só paulatinamente, a partir da experiência das mãos, é que vem a compreensão de como se fez o nó e do melhor modo de desfazê-lo). O homem primitivo ainda não distinguia claramente entre a sua atividade e o objeto ao qual ela se relacionava; as duas coisas formavam uma unidade indeterminada. Embora a palavra se tivesse tornado signo (não mais uma simples imitação ou expressão), uma pluralidade de conceitos cabia dentro desse signo. Só gradualmente veio a ser atingida a pura abstração. Em todo poeta existe certa nostalgia de uma linguagem mágica, original. A arte, em todas as suas formas, era uma atividade comum a todos e elevando todos os homens acima do mundo animal. Mesmo muito tempo depois da quebra da comunidade primitiva e da sua substituição por uma sociedade dividida em classes, a arte não perdeu seu caráter coletivo. Somente a verdadeira e autêntica arte consegue recriar a unidade entre o singular e o universal. Somente a arte consegue elevar o homem de um estado fragmentado a um estado de ser íntegro, total. A arte é uma realidade social. A sociedade precisa do artista, uma vez que ela capacita o homem a compreender a realidade, e mais ainda, a suportá-la e, ainda melhor, a transformá-la, tornando-a mais humana e hospitaleira para a humanidade. A visão de arte socialista leva vantagem sobre a arte burguesa. A despeito de todos os conflitos internos que vem sofrendo, o socialismo mantém inabalada a confiança nas ilimitadas possibilidades que se abrem para o homem. A arte socialista acena com a possibilidade de um mundo mais racional, mais humano. As lutas políticas entre os dois sistemas continuarão, mas é uma condição para a sobrevivêncvia de todos nós a de que se realizem sob a vigência da paz mundial. Para isso, é preciso que os homens de ambos os lados não falem no vazio, que cada um entenda os problemas do outro, seus ideais, seus anseios. Esta é precisamente um das maiores funções da literatura e arte contemporânea. Finalmente, o homem que se tornou homem pelo trabalho, que superou os limites da animalidade transformando o natural em artificial, o homem que se tornou um mágico, o criador da realidade social, será sempre o mágico supremo, Prometeu trazendo o fogo do céu para a terra, Orfeu enfeitiçando a natureza com sua música. Enquanto a própria humanidade não morrer, a arte não morrerá.

FRANÇA E A XENÓFOBIA

2010-08-18T17:55:00.000-07:00

Nicolas Sarkozy criticado por relacionar imigração e criminalidade no mesmo pacote de medidas
Os primeiros ciganos romenos que viviam nos acampamentos ilegais que o Governo francês mandou desmantelar nas últimas semanas vão ser expulsos hoje, conforme anunciou o ministro do Interior, Brice Hortefeaux, apesar de uma chuva de críticas da esquerda, dos media, da ONU, da Comissão Europeia e das autoridades de Bucareste e de Sofia.
79 ciganos de origem romena vão partir no voo de hoje, 136 serão reconduzidos na sexta-feira e 160 no próximo dia 26, confirmou o secretário de Estado para a integração da minoria cigana da Roménia, Valentin Mocanu, ontem citado pela AFP. Paris indicou que pretende expulsar até final do mês 700 ciganos romenos e búlgaros que viviam de forma irregular nos 51 acampamentos desmantelados em território francês.
O número de ciganos em França está estimado em 15 mil, mas nem todos são legais. Apesar de membros da União Europeia, um espaço em que existe livre circulação, como ontem lembrou Bruxelas, romenos e búlgaros estão abrangidos por um acordo transitório que os impede de permanecer mais de três meses em território francês caso não tenham aí qualquer actividade. As regras para entrarem no mercado de trabalho são também rígidas. A França alega, por isso, que não está a cometer nenhuma ilegalidade.
"As medidas decididas pelas autoridades francesas estão em plena conformidade com as regras europeias e não constituem nenhum atentado à liberdade de circulação dos cidadãos da UE", disse, à AFP o porta-voz do Ministério dos Negócios Estrangeiros francês, Bernard Valero, lembrando que o mais importante é a Comissão Europeia "apoiar os programas de reintegração" dos ciganos nos seus países de origem. E sublinhou a existência de uma directiva que permite a um Estado da UE "restringir a livre circulação por razões de ordem pública, de segurança ou de saúde pública".
Na origem do desmantelamento dos acampamentos e das expulsões "quase imediatas" estão os tumultos provocados pelos ciganos em Julho no centro de França, depois de um polícia ter matado um jovem cigano de 22 anos que não parou numa operação stop. Armados de machados e barras de ferro, os ciganos derrubaram árvores, semáforos, incendiaram carros, atacaram uma padaria e uma esquadra de polícia. Habitantes de alguns dos acampamentos mais antigos, como o de Hanul, que já teria uma década, estão a ser auxiliados por autarquias de esquerda, que classificam de "racismo de Estado" o plano securitário do Governo de Nicolas Sarkozy. O Presidente sugeriu mesmo retirar a nacionalidade francesa a pessoas de origem estrangeira que atentem contra as forças de segurança.
A ONU criticou a perigosa relação que está a ser feita em França entre imigração e criminalidade. "Esta política de humilhação dá uma visão degradante da acção pública. A França não é um país racista", escreveu o Le Monde. "Exprimo a minha inquietação em relação aos riscos de derrapagem populista e de reacções xenófobas num contexto de crise económica", declarou à rádio RFI Roménia o ministro dos Negócios Estrangeiros romeno, Teodor Baconschi.
Mas a verdade é que 79% dos franceses apoiam o desmantelamento dos acampamentos. E isso é o que importa a Sarkozy, candidato à reeleição em 2012. O ministro da Imigração francês, Eric Besson, tentou ontem pôr água na fervura, dizendo que este voo é normal e que este ano já é o 25.º. A França paga 300 euros aos adultos e 100 às crianças, como incentivo ao regresso. Muitos aceitam, mas depois tornam a voltar a França.

A CRISE ECONÔMICA PIORA AS RELAÇÕES COM A CULTURA

2010-08-12T14:11:00.000-07:00

Miguel Cadilhe diz que o autor procura responder a uma questão: “Como se sai disto”? Primeiro não se pode esquecer a cena internacional. E existem três cenários, em U, em V e em W. O cenário em V será uma recuperação rápida da economia mundial, o em U será lenta e o em W será uma dupla recessão. Chamando a atenção para os três cenários, acho que uma recuperação rápida da economia mundial está fora de causa. Portanto vamos ter uma recuperação lenta havendo alguma ameaça, que não está afastada, de haver uma nova recessão. E essa recuperação lenta será muito liderada pela China, pela Índia e pelo Brasil. Há algum receio de que a China esteja sobre aquecida e que haja alguma travagem chinesa nessa matéria. Nesse caso começa a ser um problema para a economia mundial, pois a China é que tem sido o motor da recuperação da economia mundial. E temos alguns sinais de recuperação nos EUA. E na Europa, será pior do que os EUA.

Esta opinião postada na midia internacional não condiz com a bolha econômica que persiste e que ameaça a econômia mundial. Não há vencedores, todos perderão drásticamente. Não há países imunes, persiste uma situação irreversível se não forem tomadas providências a longo prazo. Vive-se um falso cenário de esperança onde o consumismo é a arma mortífera que detrói. O pensamento filosófico e estético alcançou índices avassaladores de mediocridade. Todos os setores da arte agonizam diante da falta de conteúdo e são manipulados em função do lucro fácil. A televisão serve para imprimir a apatia, não condiz com o instrumento que poderia ser formativo e conscientizar nas relações sociais. As artes plásticas, o cinema, teatro a literatura, etc são meros componentes de vaidade e estão à mercê de banais gerenciadores, eles infiltram-se em instituições governamentais, são guetos e monopólios políticos perversos. A crise europeia é um exemplo da opção por sistemas mentirosos e a consequência é a total perda de identidade e referência construtivas.

COMECE VOCÊ A MUDANÇA ATUANDO NAS MÚLTIPLAS ÁREAS DO CONHECIMENTO. ACORDE. NÃO SEJA PASSIVO DIANTE DA DESIGUALDADE IMPOSTA.

FATO HISTÓRICO RELEMBRADO.INSTITUIÇÃO QUE IMPLANTOU A CULTURA EM FESTA

2010-08-08T15:39:00.000-07:00

Julho de 1956 foram aprovados os Estatu-tos da Fundação Caloustre Gulbenkian, uma instituição que muito tem contribuído para o desenvolvimento cultural, artístico e científico do País. Foi criada por vontade do homem que lhe deu o nome, mas sobretudo a sua colecção de arte e os meios financeiros. O historiador José Miguel Sardica revela-nos quem era este homem que se apaixonou por Portugal. À partida, nada ligaria o milionário Calouste Sarkis Gulbenkian a Portugal. Mas foi a Portugal que Gulbenkian legou a sua vasta colecção de arte e os meios financeiros para aqui erguer a Fundação com o seu nome, com estatutos aprovados a 18 de Julho de 1956. Nascido na Arménia e diplomado em engenharia em Londres, Calouste Gulbenkian esteve desde cedo ligado ao mundo do petróleo e da alta finança do Médio Oriente. Era o “senhor 5%” por ser essa a sua habitual margem de lucro em todos os negócios em que se envolvia. Ao mesmo tempo, e desde o final da década de 20, dedicou-se à sua grande paixão de coleccionador de arte. Durante a 2.ª Guerra, na altura em que vivia na França de Vichy, o embaixador português convenceu-o a visitar Portugal. Veio, hospedou-se no luxuoso Hotel Aviz, e foi ficando, rendido ao clima, à paz nas ruas, à simpatia das pessoas, e à própria figura de Salazar, que ele admirava. Tornou-se especialmente amigo do médico Fernando Fonseca e do advogado José de Azeredo Perdigão, que encarregou de lhe resolver as questões burocráticas de residência e da colecção de arte. No fim da vida, Gulbenkian imaginou criar uma Fundação igual à da família Rockefeller e sediá-la nos Estados Unidos. Mas a morte da mulher, em 1953, e as desinteligências com o filho Nubar, levaram-no a uma alteração testamentária que abriu a porta à criação, em Portugal, da Fundação Calouste Gulbenkian, um ano após a sua morte, ocorrida em Julho de 1955. Com estatutos aprovados em 1956, e sob a presidência vitalícia de José de Azeredo Perdigão, a Fundação Gulbenkian inaugurou o seu actual edifício sede em 1969, e rapidamente se tornou, pelo seu mecenato artístico e científico, uma instituição de referência nacional e internacional.

EXPRESSIONISMO ALEMÃO

2010-07-24T18:53:00.000-07:00

Na concepção expressionista, o intelecto tem a primazia. Edschmid proclama a "ditadura do espírito, o qual tem a missão de moldar a matéria". É fundamental ressaltar a "atitude da vontade construtiva", do eu que molda o real. É, portanto, sintomático que a literatura expressionista esteja pejada de expressões tais como "tensão interior", "força de expansão" ou "imenso acúmulo de concentração criadora".
É preciso tratar ainda de outro ponto do expressionismo, a questão da abstração da realidade. O historiador Wilhelm Worringer, em sua tese de doutorado publicada em 1907, Abstraktion und Einfühlung, antecipa muitos preceitos do expressionismo, o que prova a que ponto esses axiomas estéticos estão próximos da Weltanschauung (visão de mundo) alemã.

ROBERTO DE AZEVEDO E SOUZA -IDEIAS

2010-07-20T04:15:00.000-07:00

TESE DE DOUTORADO – IDÉIAS
Entre 1990 e 1994, resolvi estudar as principais causas das nossas terríveis, vergonhosas, obscenas, etc desigualdades sociais e, para tanto, elaborei na Sorbonne, uma Tese de Doutorado, com o título:
- "Participação Popular, uma Alternativa de Mudança Social – o Papel da Universidade".
Esta Tese de caráter teleológico, portanto não de caráter puramente teórico, visava, assim a sua aplicação imediata, ou seja, é uma proposta alternativa de mudança social.
Neste estudo, foram detectadas duas principais causas, que muito resumidamente, podemos descrever assim :
- Uma externa, que é a famosa dominação do Norte sobre o sul. Que Celso Furtado tão bem descreveu na sua obra "Ares do Mundo";
- Uma interna, que nada mais é do que a reprodução da primeira, internamente, isto porque as nossas elites estão muito mais ligadas ao exterior do que à nossa realidade concreta;
- Vejamos agora, como poderemos enfrentar esta segunda causa. No nosso entender podermos fazê-lo com a superação da não participação popular, chamada de miséria política, segundo Pedro Demo.
Todavia ela sozinha não é suficiente pois é uma atividade facilmente coptável, arrivista, que espera resultados imediatos, pois é muito praguimatica e nada teórica. Assim é preciso que se associe uma visão teórica de maior alcance e isto será a aproximação do conhecimento, que geralmente é, por sua vez, muito teórico. Num processo dialético é possível esperar resultados positivos.
Não é por acaso este dueto, pois a nossa Tese teve como Referencial Teórico o Bloco Histórico de Antônio Gramsci, no qual, as nossas duas variáveis: Participação Popular e Conhecimento, fazem parte da sua Superestrutura, portanto, por definição, em condições de modificá-lo.
Contudo nós sabemos como é a nossa elite cultural, basta lembrar que o nosso ensino oficial é baseado na decoração, ou seja, é a Pedagogia da Dominação, que segundo Paulo Freire, é a célebre transação bancária, no qual o ensino é transmitido ao aluno que é mero objeto. Todavia, se usarmos o método da crítica da realidade , ou da Educação Popular de Paulo Freire, o aluno passa a ser o sujeito da ação com uma outra cabeça, desenvolvendo o raciocínio em detrimento da memória. Isto deve começar nas nossas universidades para que o futuros mestres possam passar para os alunos do I e II graus. Ainda para estes, o ensino deve ser dado no tempo integral e não, como comenta Frei Beto, eles têm 4 horas de aula e 8 de T.V. Além disto, o Ensino, como um todo e a família, em particular estão em crise e, portanto é preciso que ambos atuem conjuntamente, para isto é preciso que a escola esteja aberta os 7 dias da semana. Esse ensino deve incluir lições sobre a sexualidade a partir de certa idade, pois as gurias estão parindo muito precocemente. Assim, estamos secando gelo!
- É preciso, ainda que o magistério não se contente em ministrar o ensino somente para os alunos de sala de aula, é preciso extendê-lo aos Movimentos Sociais, às vilas, malocas etc.
É claro que, para isto, esperamos que os novos dirigentes do país façam da Educação e da Saúde as suas prioridades, com a valorização do magistério.
Quanto à primeira Dominação, a do Norte sobre o Sul, a saída é a formação de um Bloco envolvendo ainda, países da América do Sul e Caribe e, talvez envolvendo o México. Para que tenha força, econômica e política para dialogar em igualdades de condições dom a União Européia e outros blocos e, assim escapar da Dominação dos EUA.
Chamo a atenção que isto não é recomendação recente, pois data de, pelo menos, desde 18/11/1994!
Creio que isto é o que poder-se-ia dizer em uma lauda
Continuo à disposição no meu Web: www.rasouza.cjb.net e, eventualmente para alguma palestra.
Dr. ROBERTO DE AZEVEDO E SOUZA

MARLENE DUMAS

2010-06-28T21:24:00.000-07:00

O núcleo da exposição é um conjunto de obras, algumas de grande formato, exibidas em Março de 2010 em Nova Iorque, na galeria David Zwirner, sob o título ?Against the Wall? [Contra o Muro]. Este título alude expressamente à chamada ?Barreira de Segurança? [Security Wall], o muro que tipifica o conflito israelo-palestiniano, mas também às barricadas de estrada erguidas nos territórios ocupados e ao Muro das Lamentações.
Em Serralves o âmbito da exposição foi alargado com a inclusão de cerca de vinte outras obras da última década relacionadas com o conflito do Médio Oriente mas que não haviam antes sido explicitamente associadas ao tema.
Este novo conjunto de obras elucida a luta que a artista trava actualmente com os limites e as possibilidades do seu meio de eleição: “Uma pintura precisa de um muro para contestar”.

A mostra integra obras cedidas por numerosos coleccionadores públicos e privados da Europa e dos Estados Unidos. Acompanha-a um catálogo com aproximadamente 96 páginas, em português e inglês, com ilustrações das pinturas em exposição e um “banco de imagens” dos materiais documentais e de referência da artista, bem como textos seus e um ensaio da autoria de Ulrich Loock.

Nascida em 1953 na Cidade do Cabo, na África do Sul, Marlene Dumas vive desde 1976 na Holanda. O seu trabalho é consensualmente reconhecido pela sua eficiência pictórica e o modo como aborda as questões mais candentes da vida contemporânea.

PARQUE CULTURAL QUE PRECISA SER ATIVADO COMO OUTROS EM PORTUGAL

2010-06-20T17:30:00.000-07:00

Casas típicas, faróis, monu-mentos de todo o país e edifícios das ex-colónias. O Portugal dos Pequenitos mostra o país sob a lente do salazarismo: um Portugal enorme, que se estende do Minho a Timor, mas que cabe todo numas centenas de metros quadrados em Coimbra. Setenta anos depois da sua inauguração, o país mudou e aquele que é o seu parque temático com mais visitas (400 mil por ano) está desactualizado, parecendo uma Disneylândia do Estado Novo, uma relíquia kitsch retrofascista ou o jardim de um emigrante excêntrico.O Portugal dos Pequenitos foi uma ideia de Bissaya Barreto, médico amigo de Salazar. O projecto é do arquitecto Cassiano Branco, apoiante da candidatura de Humberto Delgado que chegou a ser preso pela PIDE. Inaugurado em Junho de 1940, cedo se tornou um ponto de passagem obrigatório nos passeios de domingo e visitas de estudo. Sofreu remodelações e acrescentos até ao final dos anos 50, quando ficaram concluídas as miniaturas das províncias ultramarinas.

BILL HARP: A ANTIARTE COM MUITO ALARDE,PORÉM SEM CONTEÚDO

2010-06-06T17:05:00.000-07:00

A ANTIARTE COM MUITO ALARDE,PORÉM SEM CONTEÚDO
A preocupação em mudar os os suportes tradicionais da arte foi uma maneira que a grande maioria dos artistas plásticos optaram para serem chamados de contemporâneos, com isto abriu-se precedente para o surgimento do objeto/arte e uma avassaladora "experimentação de dizeres".
No início da década de 70 apareceram materiais como o acrílico, entre os diversos que a industria oferecia. Foi sem dúvida, um dos preferidos de todos os artistas,inclusive seduzindo àqueles que já estavam legitimados no Circuito da arte.
O Dada, a Antiarte, já tinham fincado desde os primórdios do séc XX conceitos que levariam a nova ocupação do espaço, surgia uma liberdade condizente com a anunciação da técnologia.
Marcel Duchamp após concluir que não seria um bom pintor resolveu filosofar através da arte. Da mesma forma que seu predecessor Andy Wahrol, este com uma significativa produção por vários atelieres utilizou-se de construções já conhecidas na arte como: a fotografia, a tela, desenho, etc. Ambos sabiam o quanto o campo das artes plásticas poderia ser invadido por "teórias" principalmente Duchamp que fez seu nome dentro deste objetivo - especulações para obtenção de lucro fácil e imediato diante de uma sociedade instável onde a dinâmica da vida era perceptiva por todos.
Era o descatar da linguagem para compor um sistema onde a expressiviadade era, justamente não possuir linguagem, em suma:cada obra teria uma linguagem onde o domínio dos meios materiais e intrumentais não seriam necessários. Aboliria-se a técnica, o estudo específico da tarefa artistica em prol da utilização de meios fáceis - o dizer de cada um sem maiores compromissos,o cotidiano. Era a anunciação do que viria.
O Objeto surge com a intenção correta, há registros de boas composições incluisive no objet trouvé surrealista,porém o Surrealismo que fez rupturas com a arte se expandiu por vários campos como a literatura, o teatro, o cinema,etc. O manifesto surrealista de André Breton ativou o pensamento, seduziu intelectuais entre eles Max Ernest, Dali, Bunuel.
De fato o " momento atual" começa nos anos 70 segue pelo séc XXI. As regras foram abolidas, não há parâmetros, o "descontruir" é a bola da vez,a imaginística desvairada e subjetiva se instala no processo de "criação"- a meta é o imediatismo e o ganho fácil, principalmente pelos intermediários da arte Recentemente, incluso em projeto de pesquisa nos arredores de New York constatei a total passividade do espectador diante da chamada "arte contemporanea". Achavam bom,mais não sabiam o porquê, na verdade tinham receio de serem excluídos por afirmar que não entediam o que estava vendo era confessar o despreparo segundo eles em relação à compreenção da arte. Um dos espaços abrigava várias bicicletas desmontadas e suas peças ocupavam aleatóriamente a galeria. Suspensa em um trapézio uma "atriz" balançava-se lendo trechos de filósofos gregos. Ficou claríssimo nos subssídios colhidos na pesquisa que os presentes não interagiam com a "idéia" proposta ou seja não compreendiam o que estavam vendo. Eram passivos.
Alguns afirmam que Marcel Duchamp, também se inspirou nos cubistas.ao contrário desta afirmação, a partir domomento que o artista pode mandar executar a obra desconhecendo o processo artístico significa que não hove interação com a arte.Ser novo não é ser alienado e a experiência e os questionamentos no processo da tarefa artística são vitais. Conhecer a "teória do caos"por ouvir falar, não dá respaldo para ter total désdem com a vida e a natureza. É ser sim um ser caótico.
Bill Harp 29 de maio de 2010 , New York -Trad ução: Justinée Jeff

JOSÉ MARIA MEJHIAS ENFATIZA A OBRA DE ARTISTA MEXICANA E DE NOVOS RUMOS DO MERCADO DAS ARTES

2010-03-05T14:40:00.000-08:00

VALORIZACION DE L'ARTE LATINA

Dolores Olmedo Patiño
María de los Dolores Olmedo y Patiño Suárez nació en Tacubaya, Ciudad de México, el 14 de diciembre de 1908, en vísperas de la Revolución Mexicana. En su juventud, estudió leyes, aunque terminó cursando una carrera artística en la Academia de San Carlos. Sin embargo, el encuentro que determinó su acercamiento con el arte -y, de alguna manera, marcando su destino- se registra en 1928, cuando conoce a Diego Rivera en la Secretaría de Educación Pública. Rivera realizó 26 ó 27 dibujos al desnudo de Olmedo, según lo recordaba ella. Es en esa época conoce también a Howard Phillips -periodista británico de educación victoriana que trabajaba para la revista Mexican Life-, con quien se casa en 1935. Para principios de los años cuarenta, Lola Olmedo ya era madre de cuatro hijos: Alfredo, Irene, Eduardo y Carlos. La pareja se separó en 1948, pero siguieron relacionados hasta la muerte de Howard.Vale la pena recordar que, desde muy joven, convivió con intelectuales de esa época: poetas del grupo de los Contemporáneos - Salvador Novo y Xavier Villaurrutia-, escritores como Jaime Torres Bodet; filósofos entre los que se contaban José Vasconcelos y Antonio Caso; músicos como Julián Carrillo, Luis Sandi, Manuel M. Ponce y Carlos Chávez -quien fuera alumno de su madre y más tarde su maestro-, políticos como Narciso Bassols y los pintores Joaquín Clausell, Alfredo Ramos Martínez y Germán Gedovius.Con un don nato para los negocios, Dolores Olmedo llegó a incursionar en la industria de la construcción, al adquirir, de uno en uno, 40 pequeños hornos de ladrillos en la zona de Naucalpan. Su principal competencia era Heriberto Pagelson, quien tenía, en esa misma zona, una industria donde se fabricaban bloques ligeros, material muy común en las construcciones de aquellos años. Con el tiempo y un sentido del humor extraordinario, la rivalidad entre ellos se convirtió en una verdadera amistad que los llevó a asociarse y fundar una empresa que llevaba por nombre Industria Cerámica Armada. Este negocio no sólo se trasformaría en una gran empresa, sino que además ocuparía un lugar de relevancia en la industria de la construcción. En sus inicios, bajo la dirección de Olmedo y Pagelson, la empresa vendía material a las principales constructoras del país. El esfuerzo redundaría en la constitución de una nueva empresa: Compañía Inmobiliaria y Constructora, S.A. (CICSA) que se convirtió en una de las principales compañías contratistas al servicio del Gobierno Federal.Años más tarde, hacia 1954 y tras la muerte de Frida Kahlo, Dolores Olmedo vuelve a encontrarse con Diego Rivera. Junto con un grupo de amigos viajan a Janitzio para participar en las ceremonias del Día de Muertos que se llevaban a cabo en el lugar. Este hecho les permitió retomar la vieja amistad que hubiera surgido más de veinte años atrás y que perdurara hasta la muerte del pintor. En 1955 y bajo la tutela de Diego Rivera, Lola comienza a comprar obra del muralista. A la par, fue creando una colección de piezas de arte precolombino, orientada también por el propio artista. En 1955, obra de Frida Kahlo.A la muerte de Diego, en 1957, Doña Lola había adquirido 50 obras de Rivera. La amistad entre Olmedo y Rivera se tradujo en un pacto de confianza, de tal manera que, antes de morir, Diego le pidió que se hiciera cargo de los museos Frida Kahlo y Diego Rivera-Anahuacalli.Durante esos años, mantuvo sus afanes de coleccionista y nada la detuvo para seguir comprando obra pictórica, lotes de piezas prehispánicas, estofados novohispanos y arte popular. En 1972, había coleccionado 800 piezas arqueológicas mesoamericanas. Olmedo también ocupó posiciones políticas y culturales y, desde ellas, pudo realizar exhibiciones de arte mexicano dentro y fuera del país.Su talento para los negocios, su buen ojo como coleccionista y su determinación por acrecentar el patrimonio cultural de México la llevaron a conseguir una meta admirable que benefició al pueblo mexicano: la construcción del Museo Dolores Olmedo. Ya en 1962, había adquirido el casco de la Hacienda de la Noria, en Xochimilco, edificación que databa de finales del siglo XVI. Olmedo restauró la hacienda para hacerla su casa y más tarde legarla como museo al pueblo de México.Así, el 17 de septiembre del 1994, Lola abre su casa como Museo Dolores Olmedo. En él expone toda su colección pictórica, prehispánica y popular, y además continúa la tradición -que ya había iniciado en los museos Anahuacalli y Frida Kahlo- de colocar una hermosa ofenda de muertos.La gente de Xochimilco reconoce su labor, tras haber contribuido a la realización de obras públicas en la localidad, haber donado varios terrenos para escuelas públicas y haber llevado a cabo la construcción de otras, por lo que todavía hoy la recuerdan con cariño.Dolores Olmedo murió el sábado 27 de julio del 2002, a la edad de 93 años. Dejó el legado de una promotora de la cultura en toda la extensión de la palabra. Bien mirado, consiguió todo lo que un mecenas aspira a lograr: ayudar al arte a trascender y, al mismo tiempo, trascender él mismo; ayudar a perpetuar la obra de un artista y perpetuarse junto con él. Dolores Olmedo tuvo todo lo que quiso. Y en el camino, benefició a México como pocos lo han hecho: “A ejemplo de mi madre, la profesora María Patiño Suárez Vda. de Olmedo, quien siempre me dijo ‘todo lo que tengas compártelo con tus semejantes’, dejo esta casa con todas mis colecciones de arte, producto del trabajo de toda mi vida, para disfrute del pueblo de México”.

GOOGLE VERSUS EDITORES ITALIANOS

2010-02-13T16:35:00.000-08:00

MILÃO - editores italianos se opõem ao novo acordo de regularização (Alterado Settlement Agreement) arquivado pelo Google em novembro passado para negar provimento ao recurso interposto pela classe associações de autores e editores para o serviço Book Search americano (a primeira audiência do Tribunal de Justiça de Nova York agendado para 18 de fevereiro). La battaglia giudiziaria che già il 4 settembre aveva portato gli editori italiani ad opporsi alla prima versione dell'accordo prosegue: le associazioni degli editori italiani, tedeschi, austriaci e svizzeri hanno presentato alla Corte di New York le proprie obiezioni congiunte al nuovo accordo (disponibili sul sito www.aie.it ), mentre analoghe obiezioni sono state presentate dalle associazioni francese e spagnola. A batalha jurídica que já tinha trazido a 4 de setembro editores italianos se opor à primeira versão do acordo continua, a Publishers Association italianos, alemães, austríacos e suíços tenham apresentado ao Tribunal de Justiça de Nova York, as suas objecções ao novo acordo conjunta (disponível www.aie.it local), quando as reivindicações semelhantes foram feitas pelo francês e espanhol. «È vero infatti che il nuovo accordo ha accolto molte delle nostre obiezioni precedenti – ha spiegato il presidente dell'Associazione Italiana Editori (AIE) Marco Polillo – e in particolare la richiesta che per le opere europee valgano le normali regole del diritto d'autore e non quelle speciali introdotte dal Settlement, ma questa esclusione è parziale, perché continuano a essere incluse nell'accordo le opere, anche italiane, registrate al Copyright Office degli Stati Uniti. "É verdade que o novo acordo aceitou muitas das nossas objeções anteriores - disse o presidente da Publishers Italiano (AIE) Marco Polillo - e em particular o seu pedido de obras europeias, as regras normais do direito de autor não aqueles feitos por Especial de Liquidação, mas esta exclusão é parcial, porque continuam a ser incluído nas obras, incluindo italiano, registrado no Escritório de Direitos Autorais dos Estados Unidos. Le parti hanno reputato che fossero poche eccezioni, dimenticando che la registrazione al Copyright Office era invece una pratica comune, indispensabile fino agli anni Ottanta per tutelare le opere straniere negli Stati Uniti». As partes consideraram que eram poucas exceções, esquecendo-se que o registo para o Escritório de Direitos Autorais vez foi uma prática comum, que é essencial, até os anos oitenta para proteger as obras estrangeiras nos Estados Unidos. "

ANTÔNIO VON PERDEGANN, JOSÉ MARIA MEJHIAS,MARIA JOÃO MACHADO, ART CRÍTIC, CONGRATULA-SE COM A NOVA OBRA RECÉM INAUGURADA NA ITÁLIA DE OSCAR NIEMEYER.

2010-01-30T15:49:00.001-08:00

El Auditorio de Ravello, al que denominan ya el Auditorio de Niemeyer, con capacidad para 400 personas, ideado hace una década por el anciano maestro, de 102 años, se asoma sobre el mar Mediterráneo como una hoja ondulada que se pierde entre limones, buganvillas y lavandas.
La construcción de la nueva estructura, formada por una sola gran concha acústica blanca de hormigón armado, se demoró una década no tanto por su costo, 18 millones de euros, sino por las polémicas, denuncias y recursos judiciales (ocho en total) tras ser acusada de violar uno de los paisajes más bellos de la península, la Costa Amalfitana, sobre el Golfo de Salerno y patrimonio de la Humanidad.

MARIA JOÃO MACHADO MOSTRA ENSÁIO DO DANO DO HERMETISMO E DA SUBJETIDADE NA ARTE

2010-01-16T17:28:00.000-08:00

El extracto para el sicoanálisis, subjetividad humana se abarca de ego, de la identificación y del superego. Sus ayudas de la comprensión para clarificar la inconsciencia y por lo tanto para asistir a hombres en ocuparse de sus anguishes. Se inserta Subjectivism es establecido por la sociedad y por lo tanto relacionado con la cultura dentro de él. Psicanalysis fue creado en la sociedad de industrial/modern. Debido a dos guerras mundiales la sociedad decidía dar para arriba la libertad para la seguridad. El "superego cultural" inhibió a agresividad humana, y a hombres forzados para internar sus sensaciones. Por lo tanto el malestar de la sociedad moderna fue causado por la represión (sobre todo represión sexual). Hoy en día, la fragmentación de la información caracteriza a la sociedad de post-industrial/post-modern el exceso y. La seguridad se negocia para la felicidad. la sociedad Poste-moderna es hedonista e imagetical. Por lo tanto, el malestar poste-moderno es causado por la represión impuesta por estándares de los medios. Hay un desequilibrio claro entre los componentes psíquicos del uno mismo, particularmente la "identificación". Por lo tanto el sicoanálisis sigue siendo un instrumento importante para hacer frente al anguish de hombres poste-modernos.
Palabras claves: Subjetividad Humana. Modernity. Poste-modernity.

UM LIVRO QUE INFELIZMENTE NÃO ATINGE SEU OBJETIVO

2010-01-04T18:08:00.000-08:00

Uma obra literária que surge com o intuito de prestigiar e distinguir 64 artistas portugueses, integrando nomes consagrados e emergentes, promovendo ao mesmo tempo a qualidade nacional da pintura contemporânea. O nome do livro homenageia o pensamento, a simbologia, o sentimento aplicado em cada obra e o dom de criar uma narrativa admirável bem como a expressão de raciocínios, fantasias e verdades. O intuito de despertar um desenvolvimento intelectual em cada observador, susceptível de provocar diferentes reacções, juízos e sensações.

ORIGEM - DEFINIÇÃO - ARTE PRÉ-COLOMBIANA

2009-12-04T16:29:00.000-08:00

Consideram-se arte pré-colombiana as manifestações artísticas dos povos nativos da América espanhola antes da chegada de Cristóvão Colombo, em 1492. Tudo o que resta das grandes civilizações do período anterior à colonização do continente americano pelos europeus é sua "arte". Neste caso "arte" compreende objetos com funções definidas, em geral mágica ou religiosa, e também artigos simplesmente belos, criados para decoração. Fazem parte do universo artístico dessas civilizações tanto os templos e casas quanto as esculturas, relevos, pinturas, utensílios domésticos, objetos ornamentais, amuletos e tecidos. De autoria desconhecida, as obras são realizadas por artífices, cuja tarefa é transpor para os materiais (pedra, barro, metal etc.) padrões de representação predeterminados pelas crenças ou ciências de cada povo. Entre os estudiosos, a identificação, a interpretação e a comparação dos sistemas de representação dos povos ameríndios servem para classificá-los e decifrar um pouco de sua cultura como um todo.
Descobertas arqueológicas indicam que o homem está presente na América há pelo menos 20 mil anos. Contudo, são três as principais civilizações ameríndias conhecidas. A mais antiga, maia, surge na península de Yucatán, na América Central, por volta de 2.600 a.C., e ocupa a região mesoamericana. Quando os espanhóis iniciam a colonização da América, esse povo já se encontra em declínio. Bem mais recente, o império asteca inicia-se em 1376 e vai até 1521, quando Tenochtitlán, a capital do império, é conquistada e destruída pelos espanhóis, que sobre ela edificam a atual Cidade do México. A terceira maior civilização pré-colombiana, a inca, se desenvolve nos Andes, na América do Sul, nas regiões atuais do Peru, Bolívia, Equador, expandindo-se a partes da Colômbia, Chile e Argentina. Nota-se que esses três povos coexistem ou são precedidos e influenciados por culturas importantes, como aimará, chavín, mixteca, moche, nasca, olmeca, tolteca, teotihuacán, zapoteca e outras.

A CRÍTICA MARIA JOÃO MACHADO E SEUS ENSÁIOS DE ARTE

2009-12-04T16:05:00.000-08:00

O ESQUECIMENTO CONSENTIDO
Nada mais producente que o facto de estar atento às avaliações dos pareceres da crítica especializada nos diverso sectores da arte,através deles podemos ter um perfil do artista e saber se ele está integrado ao mercado de arte,se existe uma continuidade.Para tal é preciso estar sempre presente no circuito da arte.
A obra é o núcleo que sedimentará todos os chamamentos para que o público saiba diferenciar e, ao mesmo tempo, apreciar a produção artística.Muitos queixam-se da indiferença e do abandono por parte do circuito da arte da sua produção a ser vista e analisada.
A questão é que na maioria das vezes,o artista,nem os responsáveis sejam eles quem quer que sejam, não estiveram atentos a produzir suportes e estabelecer contactos certos.As oportunidades existem e não podem ser desperdiçadas,pois a concorrência é grande.
Tenho visto acervos de bons artistas se perderem por total incompetência dos próprios artistas,da família ou daqueles que herdaram a incumbência de prezar e divulgar a produção do artista.Geralmente, não querem investir no legado e ficam aguardando que um "mecenas" caia de céu.Criar possibilidades é um dom que exige coragem e inteligência.
A super valorização da obra ,o discurso utópico que a obra por si se estabelecerá aliado ao laissez faire, pulveriza de vez as futuras pretensões a serem atingidas.A busca de um profissional é importantíssimo, gerenciadores podem ser contratados e irão por em pratica a missão de atingir objectivos desejados.
Nos últimos anos tenho visto vários artistas serem esquecidos porque ele ou os seus responsáveis substimaram o circuito da arte - é fácil.
As instituiçções são criadas como incentivo de perpetuar um segmento da arte,porém não basta e nem é a única solução para focalizar o artista,ele estará presente mediante projectos e objectivos a serem cumpridos,sem os quais tudo estará perdido.
São comuns o apaziguamento de atitudes e com isso surge o tempo implacável para implantar de vez o esquecimento.

UN PROPHÈTE

2009-11-08T13:46:00.000-08:00

O filme "Um profeta", de Jacques Audiard, lidera com seis nomeações a edição deste ano dos prémios da Academia de Cinema Europeu, cujos candidatos foram hoje anunciados em Sevilha, Espanha.
"Um Profeta" está nomeado, por exemplo, para melhor filme europeu, realização, argumento e actor principal (Tahar Rahim).
Filme sobre o crime nas prisões, e o jogo de forças e poder entre os reclusos, "Um profeta" venceu o grande prémio do Júri do Festival de Cannes e é o candidato de França a uma nomeação para o Óscar de melhor filme estrangeiro

FOTOGRAFIA-NOVO MERCADO DA ARTE

2009-09-03T02:18:00.001-07:00

Eu como amante de Macrofotografia não poderia deixar de postar essa notícia. As fotos elétricas são magníficas, o sujeito tem toda minha consideração, um verdadeiro artista. Fonte dos dados: BBC Brasil.
Depois de dedicar 20 anos de sua carreira à fotografia de paisagens, o americano Robert Buelteman descobriu uma nova maneira de registrar a natureza: utilizar eletricidade para iluminar folhas e flores, em uma técnica que dispensa o uso da câmera e de lentes.
O fotógrafo utiliza instrumentos cirúrgicos para posicionar as plantas sobre uma mesa transparente, e em seguida posiciona uma matriz metálica, na qual estão o filme e uma emulsão fotográfica. O conjunto é, então, ligado a uma fonte elétrica.
Em um quarto escuro, ele então aciona a eletricidade de altíssima voltagem, que pode vir de fontes como o tungstênio, o xenônio ou fibras ópticas.
“Esta técnica tem mais semelhanças com a tradicional pintura japonesa a nanquim do que com as atuais formas de fotografia”, diz Buelteman. “Cada entrada de luz, assim como cada pincelada na pintura, não foi ensaiada. E uma vez, liberada, não pode ser desfeita.”

ENSAIO DO CRÍTICO BILL HARP - "REVISTA MECENAS", año3 -nº10-junio / julio de 1994 - Buenos Aires

2009-09-03T01:50:00.000-07:00

"Caminos,Compromissos y Reflexiones Sobre El Arte".É um ensáio referencial do crítico Bill Harp que nos foi enviado por Carmella Buanez Virter que passa a integrar nosso arquivo Vale.

JOSÉ MARIA MEJHIAS ENTREVISTA O CRÍTICO BILL HARP

2009-07-21T14:50:00.000-07:00

J M - O MUNDO CONTEMPORÂNEO CONSTROI CULTURAS EM CIMA DE MITOS?
B.H -Um dos erros atuais principalmente envolvendo a midia é adotar o mito produzido com certa hipnose para construção das chamadas culturas.Os valores são se quer vistos é algo construído em um apelo imediato.Estes erros contribuem para a desconstrução total do conhecimento.põe em risco a sociedade através de custos às vezes irreversíveis.
J.M. - Cria-se ao seu modo de pensar uma sociedade amoral?
B.H. - Sim é uma forma que impõe e determinam condições onde a violência caracteriza-se em generalizar tudo e a todos.Uma nova construção de culturas cognitivas porém sem referências que possam justificar o pensamento.A ideia é descartada em função de uma produção banal de mitos imediatistas ou mesmo sem nenhum suporte objetivo.
J.M. - Há uma irracionalidade implantada?
B.H. - Talvez.Muitos aproveitam-se da falta de referências e das bestialidades ditas e realizadas para lucrar.É a selvageria cruel que impõe faz vitimas.O tempo para muitas irá colocar as coisas no eixo.Para mim esse desconhecimento instintucionalisado é feroz ele pulveriza.Está no mesmo patamar da miséria absoluta que presenciamos em países colonizados reféns da possibilidade de aprender exercer sua condição de liberdade.A mensaje sem substância mata e gera violência.
J.M. - Concluindo: esse despreparo cultuado em parte é devido a formação de opiniões distorcidas, ameaçam a paz.
B.H. - Não tenho dúvida.É um processo corruptivo porque não há como resolver os sérios conflitos sociais com um pensamento sucatiado.Quais os vínculos que hoje existem entre cultura,criatividade e comunicação.São raríssimos.Como fazer proveito da comunicação que promova a experiência e descarte a improvisação?A finalidade dos meios de comunicação entre eles a arte é a de provocar a reflexão.

ESTÉTICA DO CONSUMO

2009-05-22T11:26:00.001-07:00

A QUESTÃO DO BELO DEVE SER ANALISADA SOB VÁRIOS PARÂMETROS,ENTRE ELES O CONCEITO GREGO.O DIRECIONAMENTO HISTÓRICO E FILOSÓFICOS SÃO BASES PARA CRIAR NOVOS POSICIONAMENTOS E CONCEITOS.

A estética e o tempo
Em edição luxuosa, Umberto Eco percorre a História da Beleza
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ANTIGUIDADE Busto Feminino, do século II a.C.
Nas últimas linhas da luxuosa edição História da Beleza, após 400 páginas de idéias, textos históricos, análises e ilustrações, o professor, estudioso e escritor italiano Umberto Eco chega a uma conclusão. Falando de um hipotético explorador do futuro que voltasse ao recém-encerrado século XX para descobrir o que era considerado belo em nosso tempo, Eco declara: ''(o explorador) Será obrigado a render-se diante da orgia de tolerância, de sincretismo total, de absoluto e irrefreável politeísmo da Beleza''.
É assim mesmo, com letra maiúscula, que o escritor - catedrático da Universidade de Bolonha, mais conhecido por romances como O Nome da Rosa - refere-se a seu objeto de estudo. A reverência com que aborda o tema fica clara ao longo deste lançamento. Mas o que realmente cativa o leitor é a erudição de Eco, qualidade que fica evidente sem que o autor soe, em nenhum momento, pedante. Antes de chegar ao século XX, Eco passeia por Grécia e Roma antigas, pela Idade Média, pelo Renascimento, pela estética vitoriana do século XIX. Ele se apóia em textos de Platão a Eric Hobsbawm, passando por Dante, Kant, Hegel e Kafka, e reproduz trechos destes e de muitos outros autores. Trata-se de uma viagem pela história do homem, da arte e, sobretudo, do olhar.
Apesar de ser repleto de reproduções de quadros e esculturas, História da Beleza não é um livro sobre Arte. Quem faz a ressalva é o próprio Eco. ''É uma história da Beleza e não uma história da arte (ou da literatura ou da música), logo, só serão citadas as idéias expressas no decorrer do tempo sobre a arte quando relacionarem Arte com Beleza'', escreve. Mas o próprio Eco admite que a arte sempre foi - e é no livro também - o principal meio de documentação da beleza, porque foram ''artistas, poetas, romancistas que nos contaram através dos séculos o que eles consideravam belo e que nos deixaram seus exemplos''.
DAMAS Leonardo da Vinci pintava figuras femininas fugidias, como no Retrato de Cecilia Gallerani
De qualquer forma, neste volume os exemplos do que foi e é considerado belo vão além das pinturas: a análise se estende à arquitetura, às fotografias do cotidiano, à publicidade, à moda. O livro começa com linhas do tempo ilustradas, mostrando como figuras ligadas à beleza (Vênus, Jesus Cristo, Maria, reis e rainhas) foram representadas de formas diferentes ao longo dos séculos. No caso da Vênus, a linha começa com uma estatueta de uma mulher do 30º milênio a.C. e termina com uma foto da atriz italiana Monica Bellucci nua, feita para o Calendário Pirelli de 1997. Nesse intervalo, relata Eco, muitas coisas mudaram - e algumas até permaneceram iguais.
A idéia da beleza feita de proporções ideais, por exemplo, permeia todo o livro. Da chamada ''Beleza grega'', presente nas estátuas dos séculos anteriores à Era Cristã (e retomada pelos homens da Renascença), passando pelos pitagóricos da Idade Média (que aplicaram proporções matemáticas para determinar os intervalos entre as notas musicais) e chegando a nossos dias, relações de geometria e matemática sempre demarcaram preferências estéticas. Há, porém, um detalhe determinante: os padrões se alteraram ao longo dos tempos. ''Parece que em todos os séculos se falou da Beleza da proporção, mas que segundo as épocas, apesar dos princípios aritméticos e geométricos declarados, o sentido dessa proporção foi mudando'', diz Eco.
Graças ao texto fluido e à vasta instrução do autor, todos os períodos retratados na obra (escrita em ordem cronológica e dividida também por temas como ''a religião da Beleza'' ou ''a Beleza cruel e tenebrosa'' dos pesadelos, do sofrimento e da violência) são interessantes. Mas, talvez pela proximidade cronológica ou pela vocação para a contradição, o século XX é mais atraente. Eco esquadrinha temas como a estética do consumo (a beleza atrelada ao valor comercial dos produtos), o ''socialismo utópico'' das construções arquitetônicas, o triunfo da função sobre a forma - e a subversão de tudo isso, em movimentos de vanguarda como o dadaísmo ou na ironia da pop art. Antes de chegar aí, História da Beleza percorre um longo, rico e fascinante caminho. É um prazer percorrê-lo.

INTELECTUAIS E ESPECIALISTAS OPINAM SOBRE A 28ª BIENAL DE SÃO PAULO

2008-10-24T06:10:00.000-07:00

Respectivamente,José Maria Mejhias,Mary del Priori e Vicente de Percia
28ª BIENAL DE SÃO PAULO,"EM VIVO CONTATO", de 25 até 06 de dezembro 2008

Os convidados :José Maria Mejhias-J.M.-(Escritor,crítico,mestre,pesquisador de Arte Contemporânea Latina Americana,professor de estética,poeta,com várias publicações);Mary del Priori-M.P.-(Históriadora,palestradora,Doutora em Museologia com vários livros publicados e premiados);Vicente de Percia-V.P.-(Crítico,ensaísta,mestre,membro da A.I.C.A,pesquisador da Bienal de São Paulo,juri de vários salões,curador,com vários livros publicados).Bow Art-B.A.-

B.A. - A 28ªBienal de São Paulo,ficou conhecida como "Bienal do Vazio",mas que adota o título oficial de "Em Vivo Contato".Essa dupla titulação,principalmente tratando-se de uma Mostra Internacional,não acarreta mais polémica e incerteza quanto aos objetivos a serem alcançados?

J.M.-De imediato fico curioso na questão da imagem,pois o título adotado induz a questão do questionamento da estética,a grande produção atual é extremamente abrangente em todas as possibilidades inclusive de representação.O tema intui poderes e direcionamementos de certa domesticação.A idéia mais profunda de universalidade como as redes de informática,vídeo figuram,também como suportes.Creio que se essa perda de singularidade onde se afirma quase obstinamente o fim e o início de algum estágio de criação é uma temporalidade reacionária política.Os últimos eventos similares à Bienal, ocorreram nesse erro.O mais correto é buscar elementos que se distancie de uma linearidade compulsiva.

M.P-Para uma simples espectadora a dupla titulação cria, no mínimo uma interrogação.Numa primeira mirada,"vazio & contato" pressupõe situações excludentes.Mas ambas as palavras permitem,também,outras leituras:o vazio como espaço de construção possível;como agenda de um projeto no qual a maneira de Sarte,a Bienal"se faria fazendo".

V.P-Espero que seja montado em torno dos temas propostos e elementos que solidifiquem o Evento. "Bienal do Vazio" - não vejo nada de mal em adotar este significado,pelo contrário,acho desafiador e possível, junta-lo a segmentos no exercício da Arte que vislumbre "uma rede" na busca de identidades ou enfoques especificos,perceptivos quanto a organização social,a legitimação,o mercado,rupturas e erros.Teríamos um objetivo:analisar o que vimos,o que está para vir e o que não deveria repetir-se.

B.A-Segundo os curadores Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen um dos motivos seria diminuir o ritmo para que se possa questionar a História das Bienais de são Paulo.Partindo de uma visão sincrônica,o feed beck e os múltiplos registro poderão ser observados e colhidos ao longo das décadas.

J.M-Os últimos eventos semelhantes cogitavam em viabilizar o "novo & diferenciado".Quer a todo custo impor um processo de transformação até mesmo na abstração visual.No todo observamos uma contextualização generalizada que se perde por idéias subjetivas onde o centro de atração é o artista que fala,a obra fico em quinto plano - no caso, para mim se estabelece o vazio.É realmente um desafio buscar uma visão diacrônica(todo) partindo de um tema,penso que essa tarefa deve ser feita a longo prazo.

M.P-Como historiadora,me agrada a idéia de ver reconstituídas as permanências e rupturas observadas ao longo do tempo e as relações da arte com as diversas conjunturas políticas,sociais e culturais pelas quais passou o país em especial,São Paulo.A história das instituições é um domínio rico e complexo que nos ensina sobre as condições de produção e difusão das idéias e das representações,sobre os espaços de formação e de coerência entre artistas e intelectuais, e sobre as redes de poder que se estabelecem a partir daí.

V.P- A estratégia para se chegar a essa meta de início parece-me frágil.O fato histórico requer uma imersão profunda.A visão crítica dentro desse contexto fortifica inúmeros questionamentos tais como:continuamos a ser colonizados a partir do pressuposto que devemos "mudar"?;de que forma, assumimos um comportamento globalizante?;chavões como fugir do consumo ou virar as costas para a produção.Quais os parâmetros de abordagens para situar o presente,passado e a tarefa artística atual?Procurar uma saída é se distanciar sem nenhum saudosismo,e esquecer os fenômenos que outras gerações passaram;o porquê dos dados superficiais?Há uma estagnação cultural?;após o relativismo praticamente não há contestação.Vivemos tempos de concordância e domesticação.

B.A- Outro fato bastante discutido é o posicionamento dos curadores de não preocupar-se com o grande público,ou seja ativar a mídia no tocante às visitações,nem obter um comparecimento maciço,aliais como tem sido feito.Elitizar,talvez?

J.M -Quanto mais abrir as porteiras melhor,o importante é também, captar a imprevisibilidade do inconsciente.Nós não temos o hábito, nem condições econômicas e apóio cultural para de ir de encontro aos eventos formativos.Com um chamamento dos meios de comunicação,a presença será maior do que a esperada.O ideal é interagir com os multifacetados segmentos sociais,principalmente na América latina.Mostrar as contribuições das civilizações e os ciclos através do tempo.

M.P- Ou um bom pretexto para conhecer melhor o público que comparece à Bienal.Trata-se de uma público culto?De pessoas que acumulam outras idas à Bienal?De gente ativa e com pouco tempo?sabemos que hoje em dia,o público ocupa um lugar central nas políticas dos estabelecimentos culturais,se constituindo num campo de intervenção para serviços e especializados do tipo visitas-guiadas,palestras,atividades lúdicas,etc...Isto está ligado às exigências de financiamento de exposições e as necessidades de democratização cultural.Estudos demonstram que quanto mais escolarização maior vontade de "gozar a arte".Deste ponto de vista,a posicionamentos dos curadores pemitiria certamente avaliar o quanto estamos "escolarizados".

V.P-Sinceramente,não creio que seja essa a idéia dos curadores.No caso especifico, buscam repensar a visita,formulando outros compromissos, visto que já conhecem os métodos anteriormente empregados.Vejo que estão indo de encontro a um aperfeiçoamento,de certa forma inovador, desfazer-se de uma escravidão metodológica,como elemento constante na Bienal de São Paulo; uma visitação passiva;os agentes merecem uma nova experimentação nesse aspecto.Dessa forma, articular outra forma de visita e com isso, integrar-se ao tema proposto-ver um novo espaço,criar novos ares.Outro fato que acho importante é não cair na repetição,as várias Bienais têm sido repetitivas quanto a permanência quase cativa de inúmeros artistas(convidados).A 28ª Bienal,através de seus curadores mudou essa constância,antes semelhantes as reprises de filmes nos canais de TV.

B.A.-Qual sua opinião diante das seguintes declarações dos seus curadores publicados pela Imprensa.

"Esse projeto nunca se colocou como uma negação.O vazio se propõe com espaço de potência,de repensar,entrar no ar"

J.M-São posicionamentos que só podem serem avaliados após o término da Bienal.Acho o tema relativamente fechado,pois da mesma maneira que gerenciamos o nosso tempo,ele pode ser alienante ou construtivo.O Vazio em si,não significa não pensar,apesar de marcar uma estética atemporal,usando uma metáfora,dentro do mesmo esquema.Como chegar lá?Sem regras ou direcionamentos pré-estabelecidos?Faz parte do estrago causado pela tradição cartesiana?

V.P.-Critérios de avaliação múltiplos?Obra x desordem;x harmonia;x caos;x belo?O espaço seria o suporte central dessa Bienal e ao olhar caberia toda uma elasticidade?Diferente das ciências exatas a arte acolhe um vis-a-vis fora do alcance e cultiva "dizeres e sofismas,conceitos,devaneios e mesmice" indo de encontro a improvisação e distanciando-se do imaginário convidativo que abarca a idéia.Qual a preocupação da génese da estética?Para relembrar nas artes plásticas dos anos 10 e 20 do séc xx,surgia o cinema experimental cuja origem estaria no futurismo.E agora?

M.P- Os curadores talvez estejam nos convidando a perceber a arte como uma dimensão plural da sociedade,cada vez menos dependente de critérios arbitrariamente definidos,e mais ligada à diversidade de desejos e de necessidades de artistas e do seu público.A filosofia estética moderna abriu,também as portas para outras questões que podem estar aí contidas:o gosto é relativo?A beleza é fundamental?etc.

B.A-" Estamos propondo um outro tempo de ver,uma exposição".Que tempo é esse?

J.M- Há uma colocação por parte dos curadores válida,expressiva para ser inserida no seu transcurso,ou seja o olhar além das obras expostas,fugir a certa direcão e enfrentar um tempo de comformismo e repetição.Abre-se possibilidade de situar a arte na busca de resultados mais abrangentes,no complexo da atividade humana.Há o lado estático da atividade;voltada para as ciências exatas e essa correnteza é um dos processos adqüiridos atualmente, inclui-se nela: a moral,a génese das múltiplas linguagens,a religião,etc... que situam-se em outros diferenciais.A contestação de arte-ciência e seus derivados tem chamado atenção para a produção artística,principalmente por utilizarem-se da tecnologia,serem mais reflexivos quanto a sua construção.Trazer a comunicação atrelada a arte e fazer da "atividade" fonte para os conceitos de estética é essencial.Quando surgiu a arte? - um outro tempo de ver a Bienal - a transformação da idéia e consegüentemente, novas posturas,atingem a atividade artística - aí surge um tempo localizado.O desenvolvimento histórico e a arte como elementos que permitem fazer a leitura,revisão de etapas e ciclos.Trata-se de um processo instalador da pesquisa, para por em pratica o estudo das relações entre Arte e Ciência.Enfrentamos uma avalanche de teórias e quando elas não se concluem, fogem de imediato à objetividade, flexibilidade,conduz a falar e não explicar.

M.P- na visão de uma historiadora,poderia ser o tempo do olhar humano,pois é pelo olhar que o indivíduo encara o tempo do ele vê.Ele pode, a seguir descrever o que Vê,projetando seu olhar no pensamento,elaborando a partir daí uma narrativa sobre o que viu.

V.P-As última Bienais,a meu ver,eram "cheias",faltava um mergulho em função da tarefa artística, diante da nossa catrastrofe e esplendor.Os atuais curadores foram ousados e sensatos quanto a "um outro tempo de ver".Para o público leigo e alguns iniciantes da Arte e bom deixar claro certos diferenciais tais como:pós-modernismo nada tem que haver com pós modernidade.Para ser um pouco mais provocador:engraçado é estar em estado de graça e amoral: não ter opinião formada .A preocupação de tornar a arte menos elitista esbarra em superar contradições dos aspectos radicais e conservadores da arte.O autoritarismo e as arbitrariedades estão nas sociedades avançadas,elas são tanto prazerosas como repressoras;autoritárias como lirbetárias.A idéia de ver um espaço vazio,intriga, pois descontruimos e estamos diante de um outro tipo de corpo.Os corpos constituem uma forma de falar.Que tal sair do humanismo sentimental de Michel Focould?Existem conceitos referente ao humanista,um deles é no Renascimento tendo o homem como o centro das atenções acadêmicas.Trazer à tona controversias e afinidades tende a um efeito criador.A Bienal Paralela,já na sua quarta edição,no Liceu de Artes e Ofício de São Paulo reunirá 61 artistas e 11 galerias -a grande Mostra chamada off-Bienal, poderá ser amplamente apreciada em todo o seu contexto,inclusive com a participação de artístas que já, por várias vezes, estiveram na Bienal de São Paulo e dessa vez, estão fora,apenas, alguns kilomemtros.Esse processo de induzir a criar, aproveitando-se do evento,serve em muito para se diagnósticar o Aqui e Agora.

VICENTE DE SOUZA - prêmio de viagem - Salão de Arte Moderna - 1979

2008-09-23T13:00:00.000-07:00