LA POST- MODERNIDAD EN LOS MUSEOS

Vamos a mirar lo que se pasa con la post-modernidad en los museos. Hoy día se percibe un fenómeno cultural sorprendente, que es el aumento significativo de museos, centros de cultura y arte. Si en Gran Bretaña cada tres semanas se abre un museo y en Japón se han abierto quinientos en los últimos quince años , en Brasil se ha inaugurado no menos que 753 museos y similares desde 1990 . El gráfico al final presenta esta distribución entre las regiones de Brasil.
Los museos contemporáneos tienen sus raizes en el movimiento minimalista donde obra y espacio de exposición se amalgan, poseindo como línea de continuidad el consumismo que, por su vez, viene de la herencia moderna, cuando los museus cambian para atrair a millones de visitantes. En el momento de la post-modernidad, como una nueva fase del modernismo, la lógica del consumo de masa continua como el hilo de una continuidad, pero ahora el efémero se presenta, como resultante del experimentalismo artístico. Un indicador de esta nueva tendencia es la dinámica de exposiciones temporales en los museos, siendo que si en siglo XIX el area de la colección permante de los museos correspondía a 80% de su area total, hoy día, en los museos de la actualidad, no pasa del 30% . De manera que hay una prioridad en los espacios de los museos para los “paquetes expositivos”.
Al buscar las respuestas para el fenómeno del creciente deseo por museos y exposiciones, Castillo (2008), a partir de Huyssen, apunta tres caminos, que pueden ser parcialmente coincidente o rivales. El primero sería un intento de materializar el transitorio o provisorio de la sociedad de consumo, denominado de teoría de la compensación. Sería una compensación al sentimiento de pérdida debido a la obsolescencia de los objetos, a la aceleración del tiempo. Utilizando la expresión de Umberto Eco (1984): vivimos en una época de procesos imensamente acelerados, donde lo que ocurre en cinco años de nuestras vidas puede corresponder a lo que sucediá en cinco siglos. El siguiente camino lleva a la teoría de la simulación, que plantea que el museo es un medio de comunicación de masa y simulador como lo es la televisión. Finalmente, el último camino para explicar el fenómeno es la tese de la sociedad de consumo, que observa el aumento de las actividades culturales como más un paso de la modernización, como una representación de un nuevo fenómeno social de consumo.
De esta manera, en lugar de divorciar-se de la modernización, los museos van a garantizar su funcionalidad como medio de comunicación. En esta fase de la sociedad de consumo, donde la creciente busca por experiencias únicas, raras, originales es una tendencia, los museos desarrollan habilidades para ofrecer experiencias capaces de llevar a los visitantes para más alla del real.

1 Harvey, 2008, pag 81.
2 Sistema Brasileiro de Museus, disponible en http|//museus.ibram.gov.br/sbm/cnm_conheçamuseus.htm
Acesso de mayo hasta agosto de 2010. Fueram considerados los museos e as que tiene página web propia con informacion de la fecha de apertura al público.
3 Castillo, 2oo8, pp275


Para Hernández (1994:297) “estaríamos delante de lo que se ha denominado de ‘sensibilidad posmoderna’… donde se rompen los esquemas tradicionales y, en un esfuerzo de legitimar el arte contemporáneo, se va más allá considerándola como el lugar donde es posible reinventar y reencantar el mundo”.
Castillo hace un comentario que me pareció adecuado. Ella reconoce que el museo se ha tornado un espacio diferente en comparación al de la modernidad clásica, sin embargo, los museos continuan a ser un espacio de contestación y mediación, y como tal, quizás pueden en el futuro concretar los más “elevados ideales modernos”.
De manera que la evolución de los museos de un equipo cultural que posee una recolección de objetos de arte cuya función es la preservación y presentación al público, cambia para una situación de interactividad con el público, o sea hay una nueva diretriz a partir de cambios sociales, poseindo en la contemporaneidad características que buscan atender a un consumidor que, a partir de algunas perpectivas, puede ser planteado como post-moderno. ¿Cuáles serian estás perspectivas? Es posible apuntar: la comprensión del arte como experimentación, la prioridad dada al tiempo presente, la flexibilidad, la fragmentación, la oportunidad de mesclar temas como arte y entretenimiento, arte y conocimiento, arte y naturaleza, dentre otros.
Los museos hoy día son un espacio de arte, conocimiento y entretenimiento, pero al mismo tiempo un centro de compras, con tiendas diversas, diferentes opciones de restauración, es decir, caminando para la tendencia emergente en el mundo contemporaneo de centro de visitación que ofrecen un albanico de servicios y facilidades para entretener al visitante .
La pregunta que hago a ustedes es: ¿cuál es el museo en Brasil que más se acerca a las características del post-modernismo?

4 Castillo(2008), pp256
5 Es cierto fue tambiém es una respuesta a la multiplicidad de nuevos términos y lenguajes artísticas.
Castillo(2008), pp, 230.


o último texto da trilogia sobre pos-modernismo e turismo, que refere-se ao post-modernimo nos museus
Diomira Maria Cicci Pinto Faria

PÓS- PÓS-MODERNISMO NA LITERATURA?

Ah, liberdade, quantos crimes se cometem em seu nome!

Seria incorreto dizer, como alguns críticos têm dito, que o recém-lançado Freedom, de Jonathan Franzen, é uma espécie de continuação de seu brilhante The Corrections (2001), vencedor do National Book Award de Melhor Livro do Ano, nos EUA, e que se tornou best-seller internacional. The Corrections é considerado uma obra literária de gênio que definiu toda uma era na sociedade americana. Freedom (2010, Farrar, Straus and Giroux, 576 págs.), aborda outra era, pós-ataque terrorista em Nova York, 11 de Setembro de 2001. É outra sátira, ainda mais cáustica, à família contemporânea, à política, aos negócios inescrupulosos, à malaise do início do século. O tempo marcha, o relógio marca, e não há soluções. Seu gênero, descrito como "realismo histérico, pós-pós-modernismo", sacudiu os alicerces da literatura americana.
Inteligente demais para agradar as massas, não está ao nível popular de Stieg Larsson. Para começar, Franzen é um estilista extraordinário, respeitado pelos mais exigentes críticos ingleses como o equivalente a Martin Amis: sua narração se compõe de longas frases elegantes; a erudição transborda no talento linguístico do autor, assim como a ironia ferina; os perfis psicológicos de seus personagens são completos e perspicazes. Seria incorreto dizer que Freedom é melhor que The Corrections. Mas é possível que seja mais profundo e, portanto, mais duro de digerir. Sua preocupação: como achar significado num mundo repleto de distrações inconsequentes.
Freedom conta o epopeia dos Berglunds, típica família da alta classe média do Meio Oeste, de valores liberais honestos, contra o governo George Bush, e valores domésticos deploráveis. Como os Lamberts (Arthur, Enid e seus três filhos) de The Corrections, os Berglunds (Patty, Walter e seus dois filhos), de St. Paul, Minnesota, vivem de dramas psicológicos e sexo extraconjugal. Os Lamberts tentam a riqueza fácil explorando o caos da derrocada soviética na Lituânia; os Berglunds, capitalistas autênticos, tiram lucro da guerra no Iraque. Patty e Walter são da geração baby-boom, frutos dos anos 50, com direito a felicidade, paz e satisfação garantidas no futuro. Não foram informados de que enfrentariam terrorismo e crise financeira. Os filhos, Joey e Jessica, só dão decepção e tristeza.

A PÓS-MODERNIDADE NOS PARQUE TEMÁTICOS

Existem elementos que permitem uma associação dos parques temáticos com características da pós-modernidade?
Alguns estudiosos, como Anton Clavé, acham que sim e se baseiam nos seguintes argumentos: em primeiro lugar fazem referencia a uma confusão que existe entre imagens e formas, tempo e espaço, como um mosaico. Mais que uma utopia, parques são lugares de recordações enganosas, no qual o universo se situa na interseção entre o presente, passado e o futuro que eles representam. Sem hierarquia, sem limites ou prioridades, ocorre uma justaposição do que é real e imaginário, o passado e o futuro, ciência e história, lendas e contos. O tempo é trocado pelo espaço por exemplo, no Parque Asterix, sete séculos da história de Paris é apresentada em um mesmo lugar, uma compressão do tempo em um espaço determinado. As distancias desaparecem através da imersão em um cenário. Tudo é denso e fragmentado. Como um vídeo, o espaço é criado a partir de imagens de todas as partes, organizadas de maneira seqüenciada de comandos que são entendidos pelos visitantes, que vão sentir-se como uma estrela em seu próprio filme.
O segundo argumento é que não há diferença entre consumo e lazer e não há limites definidos entre unidades e modalidades de consumo. Como exemplo pode-se citar o Disney Animal Kingdom, onde não é necessário fazer nada, somente contemplar. Isto somente é possível em um contexto onde os consumidores aceitam a autenticidade teatral como um jogo (tema discutido no artigo anterior).
O terceiro argumento é o simulacro, onde os parques vão além do limite do real para construir a hiperrealidade. Parques possuem a singularidade da justaposição de mundos díspares. Neste sentido, eles são símbolos de uma era da dissolução das formas, na qual a arte é mesclada com diversão. Um exemplo é a praia artificial no Japão.
O quarto argumento, e o mais importante para mim, os parques são lugares paradigmáticos dos turistas pós-modernos, interessados em experiências, entretenimento, consumo e reconhecimento.
Entretanto, deve-se admitir que parques não têm características da pós-modernidade quanto a idéia de progresso tecnológico, com ênfase em uma materialização convencional; os parques aceitam as metanarrativas, há sempre uma mensagem bem definida (cada área temática das Disney contém um grande mito dos Estados Unidos); apresenta um sistema de trabalho e produção organizado, estruturado em rotinas muito bem definidas e previsíveis.
Podemos dizer que parques temáticos são fenômenos com raízes na modernidade, servindo a um consumo de massa, com o qual é necessária uma rígida estrutura e uma ênfase na racionalização. Desta perspectiva, Disneyização, como McDonaldização, são fenômenos modernos que continuam a ter importância em um mundo no qual se considera, em algumas interpretações, como pós-moderno. Ambos os conceitos podem ser úteis para compreender os parques temáticos a partir da ótica da produção e do consumo. De fato, Harvey, em seu livro sobre a Pós-modernidade (1990), considera que o pós-modernismo não é uma descontinuidade em relação ao modernismo, e sim diferentes manifestações da mesma dinâmica subjacente. Portanto, a aparente contradição poderá ser assim entendida: parques temáticos se incluem dentro de um sistema “moderno” de produção, o qual é capturado por algumas formas de consumo, as quais, a partir de algumas perspectivas, podem ser interpretadas como pós-modernas. Será una oferta moderna para una demanda pós-moderna?

Recomendo o livro de Anton Clavé “The Global Theme Park Industry” . Cambridge: Cabi, 2007.
Diomira Maria Cicci Pinto Faria

DIOMIRA FARIA TECE RELEVANTES OBSERVAÇÕES SOBRE AS MANIFESTAÇÕES PÓS-MODERNAS E O TURISMO

As manifestações pós-modernas e o turismo

O que te motiva a fazer turismo: a experiência em si ou a busca de uma superação pessoal? Se você respondeu a primeira opção saiba que você é um turista pós-moderno.

Pois veja bem, se considerarmos todas as contribuições neste website sobre o pós-modernismo, iremos observar alguns aspectos deste movimento que tem influenciado as práticas sociais e entre elas, claro, o turismo. Por exemplo, aspectos como a ênfase no tempo presente (o que vale é viver o momento agora); a hiper-realidade se aproximando do simulacro (a disseminação dos parques temáticos); a eliminação das meta–narrativa (a valorização dos sentidos); a tolerância com o pluralismo; a valorização da tecnologia que obtém uma condição de status, onde o tecnologicamente novo é o próprio objeto de consumo; as imagens predominando sobre o conteúdo (o que nos anima mais que ver uma praia deserta e um coqueiro?).

Siqueira (2005) no livro Historia Social do Turismo, pondera que desde a década de 60 se busca um novo estilo de vida ou um novo paradigma para a vida. Para ela, a pós-modernidade teve no turismo sua expressão ou tradução formadora, pois o turismo é um eco da sociedade, nada mais faz que retornar para as massas a imagem que elas têm de si mesmas, nada mais que um espelho dos diferentes narcisismos coletivos existentes. Assim, os turistas, ao reconhecer sua própria imagem de forma globalizada, comunicam-se socialmente[1].

A esta idéia se somam as observações de Urry (1996) e Estaban (2006) ao observar as relações entre as manifestações pós-modernas e as práticas turísticas contemporâneas, afirmando que “o turismo é pós-moderno, devido a sua particular combinação do visual, do estético e do popular”, além de que o turismo sempre usou e abusou do espetáculo.[2]

Se fundamental para o modernismo é a concepção de público como massa homogênea, que possui um conjunto de valores que serve para unificar as pessoas, o que resultou no fenômeno do turismo de massa, no pós-modernismo se verifica a recusa das pessoas em fazer parte desta massa indiferenciada[3], o desprestigio do turismo de massa e a oferta de viagens personalizadas (você define o roteiro, quantos dias quer ficar, enfim uma viagem “sob medida”).

De acordo a Esteban (2006), estamos na era do pós-turista, que apresenta as seguintes características: i) uma consciência da “mercantilização” e “folclorização” da experiência turística, que o pós-turista considera um jogo; ii) a atração pela experiência como fim, mais que a busca por uma superação pessoal através do turismo e iii) o reconhecimento de que o que representa a visão turística é tão importante como a visão em si.
Assim, se você se reconhece como um pós-turista, seja bem vindo ao clube!
Na próxima semana falaremos da pós-modernidade nos parques temáticos e nos museus! Até lá!
Diomira Faria
24/11/2010
[1] Esta idéia da comunicação social a partir do consumo, da identidade social construída a partir de formas de consumo se pode buscar em Canclini, N. (1995). Consumidores e cidadãos: conflitos multiculturais da globalização. Rio de Janeiro: Editora da UFRJ (Cidades em Globalização – o consumo serve para pensar, 75-94).
[2] URRY, John. O olhar do turista: lazer e viagens nas sociedades contemporâneas. São Paulo: Studio Nobel, 1996. Pg 122 e 123. ESTEBAN, J.C. La demanda del turismo cultural y su vinculación con el medio ambiente urbano: los casos de Madrid y Valencia. Tesis doctoral. Universidad Complutense de Madrid. Faculdat de Ciencias Políticas y Sociología. Madrid, 2006. Pg 76.
[3] Urry (1996), Pg123.

MORALISMO, IGNORÂNCIA E... DEPRESSÃO

Por Paul Krugman Imagem: Fernando Botero
Quantos de vocês querem pagar a hipoteca do vizinho que construiu um banheiro a mais e agora não pode pagar suas prestações? A pergunta já célebre do comentarista econômico Rick Santelli, na rede de TV CNBC, em 2009, foi para muitos o ponto de partida do movimento Tea Party. É um sentimento que ecoa não apenas nos Estados Unidos, mas em boa parte do mundo.
O tom varia, de um lugar a outro: ao escutar, há semanas, um funcionário alemão denunciando o déficit, minha mulher sussurou: “na saída, vão distribuir chicotes, para que todos possamos nos flagelar”. Mas a mensagem é a mesma: a dívida é má, os devedores devem pagar por seus pecados e de agora em diante todos viveremos de acordo com nossos meios.
Este tipo de atitude moralista explica por que estamos mergulhados numa depressão econômica aparentemente sem fim. Os anos anteriores à crise de 2008 foram marcados por um endividamento insustentável. Ele significou muito mais que os créditos de alto risco vistos ainda hoje, erroneamente, como a origem do problema.
A especulação imobiliária atingiu a Flórida e Nevada, mas também a Espanha, Irlanda e Letônia. Tudo era pago com dinheiro emprestado. Tal endividamento tornou o mundo mais vulnerável. Quando os dirigentes decidiram que haviam emprestado demais, e que os níveis da dívida eram excessivos, os devedores viram-se obrigados a cortar gastos. O movimento precipitou o mundo na recessão mais profunda desde 1930. E a recuperação, até o momento, é débil e incerta
O essencial a considerar é que, para o mundo em seu conjunto, receita é igual a gasto. Se um grupo de pessoas – os que têm dívidas excessivas – vê-se obrigado a deixar de gastar para pagar seus débidos, ou outro grupo tem de gastar mais, ou a receita despenca.
No entanto, os setores do setor privado que não enfrentam dívidas excessivas não vêem motivos para aumentar o investimento. E os consumidores que não se sobreendividaram podem conseguir crédito a taxas reduzidas – mas este incentivo para gastar mais é superado pelas preocupações geradas por um mercado de trabalho frágil. Ou seja: ninguém no setor privado está disposto a preencher o vazio criado pelo excesso de dívidas.
Que deveríamos fazer? Em primeiro lugar, os governos deveriam gastar enquanto o setor privado não o faz, para que os devedores possam pagar suas dívidas sem tornar eterna uma depressão global. Além disso, deveriam promover uma redução da dívida.
Mas os moralistas não permitem nada disso. Denunciam o gasto, declarando que os problemas de endividamento não podem ser resolvidos com mais dívidas. Denunciam a redução da dívida, dizendo ser uma recompensa para quem não merece.
E se alguém lhes assinala que seus argumentos não param em pé, enfurecem-se. Tente explicar-lhes que se os devedores gastarem menos, a economia se deprimirá, a não ser que outros gastem mais, e te chamam de socialista. No ano passado, quase todos caçoaram de John Boehner, líder da minoria do Partido Republicano na Câmara, quando declarou: “é hora do governo apertar o cinto”: quando o gasto privado se reduz, o Estado deve gastar mais, não menos. Mas desde então, o presidente Obama utilizou-se da mesma metáfora diversas vezes, prometendo completar o aperto dos cintos no setor privado com corte de gastos públicos.
Falta-lhe coragem para polemizar com as falsas ideias populares? Ou é simplesmente preguiça intelectual? De qualquer modo, se o presidente não defende a lógica de suas políticas, quem o fará?

KITSCH?

Personne ne le revendique, mais le mélange incongru des styles et des époques parcourt arts et spectacles.

Philippe Katerine. (Barclay/Universal Music)
Kitsch? Guy Cogeval, président du Musée d'Orsay, ose le mot pour définir l'art pompier de Jean leon Gérôme. Il propose actuellement une rétrospective sur ce peintre académique du XIXe siècle. Et la fréquentation démarre fort: plus de 3000 visiteurs par jour. Non loin, au Musée du quai Branly, on préfère l'expression voisine et plus récente de «bling-bling» pour caractériser le goût des marchands chinois d'Indonésie présenté en ce moment au rez-de-chaussée (16.600 visiteurs, soit plus de 1100 par jour). Les objets brillent de perles multicolores et les rivières de diamants ressemblent à du strass. Quant au mobilier de ces intérieurs bourgeois, ils mêlent art mandarin surchargé et lignes occidentales. Difficile de trouver plus incongru. Mais ce kitsch-là naît dans notre regard. Il est largement involontaire.

PÓS-MODERNIDADE - RELAÇÕES E DIFERENÇAS

Entre as sociedades pós-modernistas, existiam diferenças em relação à arte.
Foi mudada, destruída, a estética tradicional, e impunha-se a representação realista da realidade, que supunha que a literatura ou a pintura espelhava ponto por ponto o real.
A arte devia ser uma ilusão perfeita do real.
O modernismo é a crise da representação realista do mundo e da arte.
Novas linguagens deveriam surgir, para não apenas representar mais interpretar livremente a realidade, segundo sua visão, diferenciando a arte da realidade.
Esta linguagem deveria ser nova e não imitativa, onde daí nasce o formalismo e o hermetismo da arte moderna, que são um jogo de formas inventadas.
Elas não se referem, deformando ou banindo o real, ela cria formas novas e auto referenciadas, elas formam seus próprios assuntos, como: Linhas, cores, volumes e composição.
Os modernistas não estavam sós à frente “do novo”, estavam também contra ao publico burguês, eram boêmios, bizarros e críticos, queriam e gostavam de “aparecer”, expunham suas emoções e suas visões subjetivas e declaravam-se anjos condutores da humanidade.
Foi na época das guerras que os expressionistas explodem seus sentimentos, em borrões, os surrealistas dão vida ao sonho com humor ou terror, na poesia quebram a sintaxe, usam imagens irracionais, soltam as palavras em liberdade. E os enredos realistas, na música, injetam harmonias dissonantes onde na primeira audição são desagradáveis.
A arte modernista se resume como uma arte irracional, emotiva, humanista.
Na arquitetura a escola Bauhaus, fará triunfar a racionalidade funcional contra o ornamento clássico, projetando com ferro, concreto, vidro, e ângulos retos, as megalópoles atuais.
Com o passar do tempo a impulsividade modernista havia perdido o seu impolamento inicial, a sociedade industrial incorpora no design, na moda, nas artes gráficas não só a estética como o culto do novo pregado pelas vanguardas, era usada em objetos, literatura, decoração; a assimetria e desenhos abstratos.
Foi com o descaso da sociedade de massa que surgiu a arte Pop, que foi contra o subjetivismo e o hermetismo, surgindo assim a primeira bomba pós-moderna.
Convertida em antiarte, ela abandona museus, galerias, e teatros e é lançada nas ruas com outra linguagem, assimilável pela massa, onde é passada a dar valor a arte “banal” cotidiana, como os gibis, rótulos, sabonetes, fotos, anúncios,...
Na pintura e na escultura Pop, houve a fusão da arte com a vida, onde não queriam representar o realismo, e nem interpretar, mas mostrar os verdadeiros objetivos.
A antiarte é a desestetização e a desdefinição da arte, ela abandona a beleza, a forma, o valor ao supremo e eterno e ataca a própria definição, utilizando matérias do cotidiano e abandonando os convencionais.
O artista Pop dilui a arte na vida porque a vida já esta saturada de modelos estéticos massificados.
A antiarte é uma ponte entre a arte culta e a arte de massa, pela singularização do banal, ou pela banalização do singular.
Ela também revive o dadaísmo, pois o importante era o gesto, o processo inventivo e não a obra.
A antiarte é participativa, o público reagindo pelo envolvimento sensorial, corporal, pois ela se apóia nos objetos, na matéria, no momento, no riso e não somente no homem, ela ´e pouco critica, não aponta valores.
Na literatura, o pós-modernismo prolonga a liberdade de experimentação e invenção modernista, mas com algumas diferenças do modernismo, pois eles queriam a destruição da forma romance e querem a o pastiche, a parodia, o uso de formas gastas e de massa, surgi o nouveau roman que destrói a forma romance banindo o enredo, o assunto e o personagem
A literatura pós-moderna é intertextual, para lê-la, é preciso conhecer outros textos.

ITÁLIA LIBERA 14 MILHÕES DE EUROS PARA A CRISE DO LIXO

ROMA — O primeiro-ministro italiano, Silvio Berlusconi, anunciou nesta sexta-feira a liberação de 14 milhões de euros para o município de Terzigno, perto de Nápoles, para tentar resolver o problema do lixo na região depois dos protestos dos moradores contra a abertura de um novo aterro sanitário.
"Esperamos que a situação se normalize em 10 dias", afirmou Berlusconi após uma reunião de emergência celebrada em Roma.
O governo italiano informou ainda que o depósito de lixo Terzigno será administrado pela Proteção Civil, ou seja, diretamente pelo Estado, e não mais pela empresa privada Asia como acontecia até agora.
"Autorizamos 14 milhões de euros para Terzigno", declarou Berlusconi.
Os moradores da área de Terzigno protestam há semanas para impedir a apertura de um novo lixão, já que o aterro atualmente em funcionamento, um dos maiores da Europa, está saturado e emana odores nauseantes.
O diretor da Proteção Civil italiana, Guido Bertolaso, deve viajar à região nesta sexta-feira para administrar a situação, como aconteceu há três anos, quando toneladas de lixo ficaram nas ruas da cidade de Nápoles, gerando uma crise social e política sem precedentes para o então governo de esquerda de Romano Prodi.
"A saúde da população não gera preocupação neste momento", afirmou Berlusconi, que se baseou em um relatório do ministro da Saúde, Ferruccio Fazio.
"Em 10 dias o aterro de Terzigno deixará de exalar os odores e fedores que preocupam a população", disse o premier.
Montanha de lixo, resíduos de comida e dejetos são vistos nas ruas do centro de Nápoles, tal como em 2007 e 2008.
A capital do sul da Itália está há 16 anos em "estado de emergência de resíduos" pela falta de incineradores e locais para o descarregamento, assim como pela falta de seleção prévia do lixo, o que agrava o problema.
Muitos suspeitam ainda que a máfia napolitana, a Camorra, se infiltrou no lucrativo mercado do processamento de dejetos

O CRÍTICO VICENTE DE PERCIA REVISITA TEORIAS DA ARTE

Observar a arte revisitando suas teorias

Teorias podem ser revistas para poderem traçar opiniões referentes que menosprezem a arte como um valor universal anistórico, os posicionamentos marxistas citam pensamentos em que as origens da arte estão inseridas em uma postura burguesa. Os conceitos estéticos podem ser vistos no prazer despertado no ritmo e na perspectiva. O sentido estético depende de instrumentos e a história identifica a evolução desta postura. Não se pode descartar o refinamento burguês que também atende a arte decorativa e é um processo socialmente impulsionado pelos diferentes grupos. A sedução do objeto, da indumentária, dos adornos são espelhos da natureza, a existência artística surge espontaneamente e diferencia o homem através das suas múltiplas interpretações caracterizando o individual que difere um ser do outro.
Lukács um dos elementos ligado ao marxismo e diante do seu grande interesse pela estética não conseguiu como gostaria se dedicar à história da arte. Voltado para a teoria do materialismo estético: os “refinamentos” burgueses serviram como um freio para as suas classificações, no caso seu posicionamento em relação à arte decorativa difere dos trabalhos estéticos, enfatiza que este contém conteúdos sensíveis, éticos. A investigação de Lukács mostra que ele, a priori, já tem uma ideia formatada da arte. É necessário que um conceito seguro passe com neutralidade por tópicos tais como: ciência, religião, prazer, etc, em vez de só centralizar as pesquisas em cima de decisões explicativas. Dentro destes posicionamentos pode-se afirmar que a arte não é uma ciência, em vista de ela ser imparcial e objetiva. No tocante a questão da ética ela está compromissada com o bom e instrui o bem. A predominância de uma relação burguesa nas artes significa que suas teorias são veículos de uma pratica dominante, influencia uma estrutura mental apesar de que os processos de uma sociedade capitalista nem sempre satisfazem à burguesia.
A visão normativa de Lukács voltada para teorias realistas da arte obtém uma análise envolta no Realismo socialista. Até que ponto pode-se desvincular o fator histórico e afirmar que a arte propriamente dita é aquela que está de acordo com um Realismo crítico de cunho socialista? A arte deve ser vista na sociedade contemporânea em constante confronto com a forma de vida, um sistema que está à mercê de intenções além da finalidade formativa que ela poderia exercer no sentido de implantar o senso crítico e ir de encontros passageiros e estratégicos onde o ganho é a meta. A arte não pode ser vista apenas como um título, ela é o resultado de andamentos. Os crescimentos da tecnologia, da ciência aplicada por vezes contribuem para caminhos poucos significativos que alienam a todos através de um sistema conceitual sem conteúdo, descartado e legitimado por uma sociedade burguesa que em outras palavras transforma a “vida cultural” em condições tais, que o legado da organização social nos mais simples afazeres e satisfação são abandonados.
Como desenvolver o interesse pela arte sem permitir que o belo divida espaços com as mudanças sociais e confrontos existentes, com a divisão de um cerco que tem posições particulares sobre a arte; até que ponto a arte representa opiniões pré- estabelecidas? Dialogar com Lukács, assim como as primeiras teorias da arte traz a flexibilidade de poder argumentar em relação aos novos desafios.

É PRECISO TER ESTUDO, CAUTELA E PERCEPÇÃO PARA FALAR DE ARTE.

Obra de integração visual séc XXI

Uma pesquisa feita recentemente pela Bow Art International através de críticos e artistas participantes conceituados em diferentes países, constatou o baixo índice de informação a respeito da arte. Pouca leitura, baixo índice de visitação aos museus, teatro, cinema, a tecnologia virtual entre outros, caracteriza o distanciamento e incompreensão da arte no século XXI. Quando muito conseguem chegar ao modernismo. A dinâmica da arte é extraordinária, viva. O que leva as pessoas a emitirem opiniões sem nenhum fundamento? Nomearem falsos artistas,críticos de arte e intelectuais? Há uma elite na compreensão da arte?, certamente que sim foi a conclusão final da equipe, o que não significa excluir o outro, mas colocá-lo em seu lugar de distanciamento e acolhe-lo com informações e metodologia capaz de o atualizar. É uma maneira de fugir ao senso crítico e da observação estas opiniões ditas? Para modificar este erro que é a falta de conhecimento e de método de aprendizado a Bow Art International indica para os iniciantes a leitura do livro: "A Necessidade da Arte" de Ernest Fischer.

Ernst Fischer em A necessidade da arte revela-se um poeta, um esteta e grande crítico. Os assuntos foram subdivididos em cinco capítulos, os quais apresentam um incrível painel das artes desde os tempos mais primitivos. Segue umasíntese da visão de Fischer. A função da arte não está apenas no fato de levar o homem a conhecer e mudar o mundo, mas também por seu caráter mágico, pela magia que lhe é inerente. Desprovida desse resíduo de magia provindo de sua natureza original, a arte deixa de ser arte. Infere-se que a arte é tão antiga quanto o homem, e este, por princípio, um mago. Foi utilizando ferramentas que o homem se fez homem, produziu-se a si mesmo. Simultaneamente, o homem e a ferramenta passaram a existir, indissoluvelmente ligados um ao outro. O homem possui razão e mão, e foi a mão que libertou a razão humana e produziu consciência própria do homem. A eficiência é muito mais antiga do que o propósito; a mão é uma descobridora há mais tempo do que o cérebro. (Basta observar uma criança desfazendo um nó: ela não pensa, limita-se a experimentar. Só paulatinamente, a partir da experiência das mãos, é que vem a compreensão de como se fez o nó e do melhor modo de desfazê-lo). O homem primitivo ainda não distinguia claramente entre a sua atividade e o objeto ao qual ela se relacionava; as duas coisas formavam uma unidade indeterminada. Embora a palavra se tivesse tornado signo (não mais uma simples imitação ou expressão), uma pluralidade de conceitos cabia dentro desse signo. Só gradualmente veio a ser atingida a pura abstração. Em todo poeta existe certa nostalgia de uma linguagem mágica, original. A arte, em todas as suas formas, era uma atividade comum a todos e elevando todos os homens acima do mundo animal. Mesmo muito tempo depois da quebra da comunidade primitiva e da sua substituição por uma sociedade dividida em classes, a arte não perdeu seu caráter coletivo. Somente a verdadeira e autêntica arte consegue recriar a unidade entre o singular e o universal. Somente a arte consegue elevar o homem de um estado fragmentado a um estado de ser íntegro, total. A arte é uma realidade social. A sociedade precisa do artista, uma vez que ela capacita o homem a compreender a realidade, e mais ainda, a suportá-la e, ainda melhor, a transformá-la, tornando-a mais humana e hospitaleira para a humanidade. A visão de arte socialista leva vantagem sobre a arte burguesa. A despeito de todos os conflitos internos que vem sofrendo, o socialismo mantém inabalada a confiança nas ilimitadas possibilidades que se abrem para o homem. A arte socialista acena com a possibilidade de um mundo mais racional, mais humano. As lutas políticas entre os dois sistemas continuarão, mas é uma condição para a sobrevivêncvia de todos nós a de que se realizem sob a vigência da paz mundial. Para isso, é preciso que os homens de ambos os lados não falem no vazio, que cada um entenda os problemas do outro, seus ideais, seus anseios. Esta é precisamente um das maiores funções da literatura e arte contemporânea. Finalmente, o homem que se tornou homem pelo trabalho, que superou os limites da animalidade transformando o natural em artificial, o homem que se tornou um mágico, o criador da realidade social, será sempre o mágico supremo, Prometeu trazendo o fogo do céu para a terra, Orfeu enfeitiçando a natureza com sua música. Enquanto a própria humanidade não morrer, a arte não morrerá.

FRANÇA E A XENÓFOBIA

Nicolas Sarkozy criticado por relacionar imigração e criminalidade no mesmo pacote de medidas
Os primeiros ciganos romenos que viviam nos acampamentos ilegais que o Governo francês mandou desmantelar nas últimas semanas vão ser expulsos hoje, conforme anunciou o ministro do Interior, Brice Hortefeaux, apesar de uma chuva de críticas da esquerda, dos media, da ONU, da Comissão Europeia e das autoridades de Bucareste e de Sofia.
79 ciganos de origem romena vão partir no voo de hoje, 136 serão reconduzidos na sexta-feira e 160 no próximo dia 26, confirmou o secretário de Estado para a integração da minoria cigana da Roménia, Valentin Mocanu, ontem citado pela AFP. Paris indicou que pretende expulsar até final do mês 700 ciganos romenos e búlgaros que viviam de forma irregular nos 51 acampamentos desmantelados em território francês.
O número de ciganos em França está estimado em 15 mil, mas nem todos são legais. Apesar de membros da União Europeia, um espaço em que existe livre circulação, como ontem lembrou Bruxelas, romenos e búlgaros estão abrangidos por um acordo transitório que os impede de permanecer mais de três meses em território francês caso não tenham aí qualquer actividade. As regras para entrarem no mercado de trabalho são também rígidas. A França alega, por isso, que não está a cometer nenhuma ilegalidade.
"As medidas decididas pelas autoridades francesas estão em plena conformidade com as regras europeias e não constituem nenhum atentado à liberdade de circulação dos cidadãos da UE", disse, à AFP o porta-voz do Ministério dos Negócios Estrangeiros francês, Bernard Valero, lembrando que o mais importante é a Comissão Europeia "apoiar os programas de reintegração" dos ciganos nos seus países de origem. E sublinhou a existência de uma directiva que permite a um Estado da UE "restringir a livre circulação por razões de ordem pública, de segurança ou de saúde pública".
Na origem do desmantelamento dos acampamentos e das expulsões "quase imediatas" estão os tumultos provocados pelos ciganos em Julho no centro de França, depois de um polícia ter matado um jovem cigano de 22 anos que não parou numa operação stop. Armados de machados e barras de ferro, os ciganos derrubaram árvores, semáforos, incendiaram carros, atacaram uma padaria e uma esquadra de polícia. Habitantes de alguns dos acampamentos mais antigos, como o de Hanul, que já teria uma década, estão a ser auxiliados por autarquias de esquerda, que classificam de "racismo de Estado" o plano securitário do Governo de Nicolas Sarkozy. O Presidente sugeriu mesmo retirar a nacionalidade francesa a pessoas de origem estrangeira que atentem contra as forças de segurança.
A ONU criticou a perigosa relação que está a ser feita em França entre imigração e criminalidade. "Esta política de humilhação dá uma visão degradante da acção pública. A França não é um país racista", escreveu o Le Monde. "Exprimo a minha inquietação em relação aos riscos de derrapagem populista e de reacções xenófobas num contexto de crise económica", declarou à rádio RFI Roménia o ministro dos Negócios Estrangeiros romeno, Teodor Baconschi.
Mas a verdade é que 79% dos franceses apoiam o desmantelamento dos acampamentos. E isso é o que importa a Sarkozy, candidato à reeleição em 2012. O ministro da Imigração francês, Eric Besson, tentou ontem pôr água na fervura, dizendo que este voo é normal e que este ano já é o 25.º. A França paga 300 euros aos adultos e 100 às crianças, como incentivo ao regresso. Muitos aceitam, mas depois tornam a voltar a França.

A CRISE ECONÔMICA PIORA AS RELAÇÕES COM A CULTURA

Miguel Cadilhe diz que o autor procura responder a uma questão: “Como se sai disto”? Primeiro não se pode esquecer a cena internacional. E existem três cenários, em U, em V e em W. O cenário em V será uma recuperação rápida da economia mundial, o em U será lenta e o em W será uma dupla recessão. Chamando a atenção para os três cenários, acho que uma recuperação rápida da economia mundial está fora de causa. Portanto vamos ter uma recuperação lenta havendo alguma ameaça, que não está afastada, de haver uma nova recessão. E essa recuperação lenta será muito liderada pela China, pela Índia e pelo Brasil. Há algum receio de que a China esteja sobre aquecida e que haja alguma travagem chinesa nessa matéria. Nesse caso começa a ser um problema para a economia mundial, pois a China é que tem sido o motor da recuperação da economia mundial. E temos alguns sinais de recuperação nos EUA. E na Europa, será pior do que os EUA.

Esta opinião postada na midia internacional não condiz com a bolha econômica que persiste e que ameaça a econômia mundial. Não há vencedores, todos perderão drásticamente. Não há países imunes, persiste uma situação irreversível se não forem tomadas providências a longo prazo. Vive-se um falso cenário de esperança onde o consumismo é a arma mortífera que detrói. O pensamento filosófico e estético alcançou índices avassaladores de mediocridade. Todos os setores da arte agonizam diante da falta de conteúdo e são manipulados em função do lucro fácil. A televisão serve para imprimir a apatia, não condiz com o instrumento que poderia ser formativo e conscientizar nas relações sociais. As artes plásticas, o cinema, teatro a literatura, etc são meros componentes de vaidade e estão à mercê de banais gerenciadores, eles infiltram-se em instituições governamentais, são guetos e monopólios políticos perversos. A crise europeia é um exemplo da opção por sistemas mentirosos e a consequência é a total perda de identidade e referência construtivas.

COMECE VOCÊ A MUDANÇA ATUANDO NAS MÚLTIPLAS ÁREAS DO CONHECIMENTO. ACORDE. NÃO SEJA PASSIVO DIANTE DA DESIGUALDADE IMPOSTA.

FATO HISTÓRICO RELEMBRADO.INSTITUIÇÃO QUE IMPLANTOU A CULTURA EM FESTA

Julho de 1956 foram aprovados os Estatu-tos da Fundação Caloustre Gulbenkian, uma instituição que muito tem contribuído para o desenvolvimento cultural, artístico e científico do País. Foi criada por vontade do homem que lhe deu o nome, mas sobretudo a sua colecção de arte e os meios financeiros. O historiador José Miguel Sardica revela-nos quem era este homem que se apaixonou por Portugal. À partida, nada ligaria o milionário Calouste Sarkis Gulbenkian a Portugal. Mas foi a Portugal que Gulbenkian legou a sua vasta colecção de arte e os meios financeiros para aqui erguer a Fundação com o seu nome, com estatutos aprovados a 18 de Julho de 1956. Nascido na Arménia e diplomado em engenharia em Londres, Calouste Gulbenkian esteve desde cedo ligado ao mundo do petróleo e da alta finança do Médio Oriente. Era o “senhor 5%” por ser essa a sua habitual margem de lucro em todos os negócios em que se envolvia. Ao mesmo tempo, e desde o final da década de 20, dedicou-se à sua grande paixão de coleccionador de arte. Durante a 2.ª Guerra, na altura em que vivia na França de Vichy, o embaixador português convenceu-o a visitar Portugal. Veio, hospedou-se no luxuoso Hotel Aviz, e foi ficando, rendido ao clima, à paz nas ruas, à simpatia das pessoas, e à própria figura de Salazar, que ele admirava. Tornou-se especialmente amigo do médico Fernando Fonseca e do advogado José de Azeredo Perdigão, que encarregou de lhe resolver as questões burocráticas de residência e da colecção de arte. No fim da vida, Gulbenkian imaginou criar uma Fundação igual à da família Rockefeller e sediá-la nos Estados Unidos. Mas a morte da mulher, em 1953, e as desinteligências com o filho Nubar, levaram-no a uma alteração testamentária que abriu a porta à criação, em Portugal, da Fundação Calouste Gulbenkian, um ano após a sua morte, ocorrida em Julho de 1955. Com estatutos aprovados em 1956, e sob a presidência vitalícia de José de Azeredo Perdigão, a Fundação Gulbenkian inaugurou o seu actual edifício sede em 1969, e rapidamente se tornou, pelo seu mecenato artístico e científico, uma instituição de referência nacional e internacional.

EXPRESSIONISMO ALEMÃO

Na concepção expressionista, o intelecto tem a primazia. Edschmid proclama a "ditadura do espírito, o qual tem a missão de moldar a matéria". É fundamental ressaltar a "atitude da vontade construtiva", do eu que molda o real. É, portanto, sintomático que a literatura expressionista esteja pejada de expressões tais como "tensão interior", "força de expansão" ou "imenso acúmulo de concentração criadora".
É preciso tratar ainda de outro ponto do expressionismo, a questão da abstração da realidade. O historiador Wilhelm Worringer, em sua tese de doutorado publicada em 1907, Abstraktion und Einfühlung, antecipa muitos preceitos do expressionismo, o que prova a que ponto esses axiomas estéticos estão próximos da Weltanschauung (visão de mundo) alemã.

ROBERTO DE AZEVEDO E SOUZA -IDEIAS

TESE DE DOUTORADO – IDÉIAS
Entre 1990 e 1994, resolvi estudar as principais causas das nossas terríveis, vergonhosas, obscenas, etc desigualdades sociais e, para tanto, elaborei na Sorbonne, uma Tese de Doutorado, com o título:
- "Participação Popular, uma Alternativa de Mudança Social – o Papel da Universidade".
Esta Tese de caráter teleológico, portanto não de caráter puramente teórico, visava, assim a sua aplicação imediata, ou seja, é uma proposta alternativa de mudança social.
Neste estudo, foram detectadas duas principais causas, que muito resumidamente, podemos descrever assim :
- Uma externa, que é a famosa dominação do Norte sobre o sul. Que Celso Furtado tão bem descreveu na sua obra "Ares do Mundo";
- Uma interna, que nada mais é do que a reprodução da primeira, internamente, isto porque as nossas elites estão muito mais ligadas ao exterior do que à nossa realidade concreta;
- Vejamos agora, como poderemos enfrentar esta segunda causa. No nosso entender podermos fazê-lo com a superação da não participação popular, chamada de miséria política, segundo Pedro Demo.
Todavia ela sozinha não é suficiente pois é uma atividade facilmente coptável, arrivista, que espera resultados imediatos, pois é muito praguimatica e nada teórica. Assim é preciso que se associe uma visão teórica de maior alcance e isto será a aproximação do conhecimento, que geralmente é, por sua vez, muito teórico. Num processo dialético é possível esperar resultados positivos.
Não é por acaso este dueto, pois a nossa Tese teve como Referencial Teórico o Bloco Histórico de Antônio Gramsci, no qual, as nossas duas variáveis: Participação Popular e Conhecimento, fazem parte da sua Superestrutura, portanto, por definição, em condições de modificá-lo.
Contudo nós sabemos como é a nossa elite cultural, basta lembrar que o nosso ensino oficial é baseado na decoração, ou seja, é a Pedagogia da Dominação, que segundo Paulo Freire, é a célebre transação bancária, no qual o ensino é transmitido ao aluno que é mero objeto. Todavia, se usarmos o método da crítica da realidade , ou da Educação Popular de Paulo Freire, o aluno passa a ser o sujeito da ação com uma outra cabeça, desenvolvendo o raciocínio em detrimento da memória. Isto deve começar nas nossas universidades para que o futuros mestres possam passar para os alunos do I e II graus. Ainda para estes, o ensino deve ser dado no tempo integral e não, como comenta Frei Beto, eles têm 4 horas de aula e 8 de T.V. Além disto, o Ensino, como um todo e a família, em particular estão em crise e, portanto é preciso que ambos atuem conjuntamente, para isto é preciso que a escola esteja aberta os 7 dias da semana. Esse ensino deve incluir lições sobre a sexualidade a partir de certa idade, pois as gurias estão parindo muito precocemente. Assim, estamos secando gelo!
- É preciso, ainda que o magistério não se contente em ministrar o ensino somente para os alunos de sala de aula, é preciso extendê-lo aos Movimentos Sociais, às vilas, malocas etc.
É claro que, para isto, esperamos que os novos dirigentes do país façam da Educação e da Saúde as suas prioridades, com a valorização do magistério.
Quanto à primeira Dominação, a do Norte sobre o Sul, a saída é a formação de um Bloco envolvendo ainda, países da América do Sul e Caribe e, talvez envolvendo o México. Para que tenha força, econômica e política para dialogar em igualdades de condições dom a União Européia e outros blocos e, assim escapar da Dominação dos EUA.
Chamo a atenção que isto não é recomendação recente, pois data de, pelo menos, desde 18/11/1994!
Creio que isto é o que poder-se-ia dizer em uma lauda
Continuo à disposição no meu Web: www.rasouza.cjb.net e, eventualmente para alguma palestra.
Dr. ROBERTO DE AZEVEDO E SOUZA

MARLENE DUMAS

O núcleo da exposição é um conjunto de obras, algumas de grande formato, exibidas em Março de 2010 em Nova Iorque, na galeria David Zwirner, sob o título ?Against the Wall? [Contra o Muro]. Este título alude expressamente à chamada ?Barreira de Segurança? [Security Wall], o muro que tipifica o conflito israelo-palestiniano, mas também às barricadas de estrada erguidas nos territórios ocupados e ao Muro das Lamentações.
Em Serralves o âmbito da exposição foi alargado com a inclusão de cerca de vinte outras obras da última década relacionadas com o conflito do Médio Oriente mas que não haviam antes sido explicitamente associadas ao tema.
Este novo conjunto de obras elucida a luta que a artista trava actualmente com os limites e as possibilidades do seu meio de eleição: “Uma pintura precisa de um muro para contestar”.

A mostra integra obras cedidas por numerosos coleccionadores públicos e privados da Europa e dos Estados Unidos. Acompanha-a um catálogo com aproximadamente 96 páginas, em português e inglês, com ilustrações das pinturas em exposição e um “banco de imagens” dos materiais documentais e de referência da artista, bem como textos seus e um ensaio da autoria de Ulrich Loock.

Nascida em 1953 na Cidade do Cabo, na África do Sul, Marlene Dumas vive desde 1976 na Holanda. O seu trabalho é consensualmente reconhecido pela sua eficiência pictórica e o modo como aborda as questões mais candentes da vida contemporânea.

PARQUE CULTURAL QUE PRECISA SER ATIVADO COMO OUTROS EM PORTUGAL

Casas típicas, faróis, monu-mentos de todo o país e edifícios das ex-colónias. O Portugal dos Pequenitos mostra o país sob a lente do salazarismo: um Portugal enorme, que se estende do Minho a Timor, mas que cabe todo numas centenas de metros quadrados em Coimbra. Setenta anos depois da sua inauguração, o país mudou e aquele que é o seu parque temático com mais visitas (400 mil por ano) está desactualizado, parecendo uma Disneylândia do Estado Novo, uma relíquia kitsch retrofascista ou o jardim de um emigrante excêntrico.O Portugal dos Pequenitos foi uma ideia de Bissaya Barreto, médico amigo de Salazar. O projecto é do arquitecto Cassiano Branco, apoiante da candidatura de Humberto Delgado que chegou a ser preso pela PIDE. Inaugurado em Junho de 1940, cedo se tornou um ponto de passagem obrigatório nos passeios de domingo e visitas de estudo. Sofreu remodelações e acrescentos até ao final dos anos 50, quando ficaram concluídas as miniaturas das províncias ultramarinas.

BILL HARP: A ANTIARTE COM MUITO ALARDE,PORÉM SEM CONTEÚDO

A ANTIARTE COM MUITO ALARDE,PORÉM SEM CONTEÚDO
A preocupação em mudar os os suportes tradicionais da arte foi uma maneira que a grande maioria dos artistas plásticos optaram para serem chamados de contemporâneos, com isto abriu-se precedente para o surgimento do objeto/arte e uma avassaladora "experimentação de dizeres".
No início da década de 70 apareceram materiais como o acrílico, entre os diversos que a industria oferecia. Foi sem dúvida, um dos preferidos de todos os artistas,inclusive seduzindo àqueles que já estavam legitimados no Circuito da arte.
O Dada, a Antiarte, já tinham fincado desde os primórdios do séc XX conceitos que levariam a nova ocupação do espaço, surgia uma liberdade condizente com a anunciação da técnologia.
Marcel Duchamp após concluir que não seria um bom pintor resolveu filosofar através da arte. Da mesma forma que seu predecessor Andy Wahrol, este com uma significativa produção por vários atelieres utilizou-se de construções já conhecidas na arte como: a fotografia, a tela, desenho, etc. Ambos sabiam o quanto o campo das artes plásticas poderia ser invadido por "teórias" principalmente Duchamp que fez seu nome dentro deste objetivo - especulações para obtenção de lucro fácil e imediato diante de uma sociedade instável onde a dinâmica da vida era perceptiva por todos.
Era o descatar da linguagem para compor um sistema onde a expressiviadade era, justamente não possuir linguagem, em suma:cada obra teria uma linguagem onde o domínio dos meios materiais e intrumentais não seriam necessários. Aboliria-se a técnica, o estudo específico da tarefa artistica em prol da utilização de meios fáceis - o dizer de cada um sem maiores compromissos,o cotidiano. Era a anunciação do que viria.
O Objeto surge com a intenção correta, há registros de boas composições incluisive no objet trouvé surrealista,porém o Surrealismo que fez rupturas com a arte se expandiu por vários campos como a literatura, o teatro, o cinema,etc. O manifesto surrealista de André Breton ativou o pensamento, seduziu intelectuais entre eles Max Ernest, Dali, Bunuel.
De fato o " momento atual" começa nos anos 70 segue pelo séc XXI. As regras foram abolidas, não há parâmetros, o "descontruir" é a bola da vez,a imaginística desvairada e subjetiva se instala no processo de "criação"- a meta é o imediatismo e o ganho fácil, principalmente pelos intermediários da arte Recentemente, incluso em projeto de pesquisa nos arredores de New York constatei a total passividade do espectador diante da chamada "arte contemporanea". Achavam bom,mais não sabiam o porquê, na verdade tinham receio de serem excluídos por afirmar que não entediam o que estava vendo era confessar o despreparo segundo eles em relação à compreenção da arte. Um dos espaços abrigava várias bicicletas desmontadas e suas peças ocupavam aleatóriamente a galeria. Suspensa em um trapézio uma "atriz" balançava-se lendo trechos de filósofos gregos. Ficou claríssimo nos subssídios colhidos na pesquisa que os presentes não interagiam com a "idéia" proposta ou seja não compreendiam o que estavam vendo. Eram passivos.
Alguns afirmam que Marcel Duchamp, também se inspirou nos cubistas.ao contrário desta afirmação, a partir domomento que o artista pode mandar executar a obra desconhecendo o processo artístico significa que não hove interação com a arte.Ser novo não é ser alienado e a experiência e os questionamentos no processo da tarefa artística são vitais. Conhecer a "teória do caos"por ouvir falar, não dá respaldo para ter total désdem com a vida e a natureza. É ser sim um ser caótico.
Bill Harp 29 de maio de 2010 , New York -Trad ução: Justinée Jeff

JOSÉ MARIA MEJHIAS ENFATIZA A OBRA DE ARTISTA MEXICANA E DE NOVOS RUMOS DO MERCADO DAS ARTES

VALORIZACION DE L'ARTE LATINA

Dolores Olmedo Patiño
María de los Dolores Olmedo y Patiño Suárez nació en Tacubaya, Ciudad de México, el 14 de diciembre de 1908, en vísperas de la Revolución Mexicana. En su juventud, estudió leyes, aunque terminó cursando una carrera artística en la Academia de San Carlos. Sin embargo, el encuentro que determinó su acercamiento con el arte -y, de alguna manera, marcando su destino- se registra en 1928, cuando conoce a Diego Rivera en la Secretaría de Educación Pública. Rivera realizó 26 ó 27 dibujos al desnudo de Olmedo, según lo recordaba ella. Es en esa época conoce también a Howard Phillips -periodista británico de educación victoriana que trabajaba para la revista Mexican Life-, con quien se casa en 1935. Para principios de los años cuarenta, Lola Olmedo ya era madre de cuatro hijos: Alfredo, Irene, Eduardo y Carlos. La pareja se separó en 1948, pero siguieron relacionados hasta la muerte de Howard.Vale la pena recordar que, desde muy joven, convivió con intelectuales de esa época: poetas del grupo de los Contemporáneos - Salvador Novo y Xavier Villaurrutia-, escritores como Jaime Torres Bodet; filósofos entre los que se contaban José Vasconcelos y Antonio Caso; músicos como Julián Carrillo, Luis Sandi, Manuel M. Ponce y Carlos Chávez -quien fuera alumno de su madre y más tarde su maestro-, políticos como Narciso Bassols y los pintores Joaquín Clausell, Alfredo Ramos Martínez y Germán Gedovius.Con un don nato para los negocios, Dolores Olmedo llegó a incursionar en la industria de la construcción, al adquirir, de uno en uno, 40 pequeños hornos de ladrillos en la zona de Naucalpan. Su principal competencia era Heriberto Pagelson, quien tenía, en esa misma zona, una industria donde se fabricaban bloques ligeros, material muy común en las construcciones de aquellos años. Con el tiempo y un sentido del humor extraordinario, la rivalidad entre ellos se convirtió en una verdadera amistad que los llevó a asociarse y fundar una empresa que llevaba por nombre Industria Cerámica Armada. Este negocio no sólo se trasformaría en una gran empresa, sino que además ocuparía un lugar de relevancia en la industria de la construcción. En sus inicios, bajo la dirección de Olmedo y Pagelson, la empresa vendía material a las principales constructoras del país. El esfuerzo redundaría en la constitución de una nueva empresa: Compañía Inmobiliaria y Constructora, S.A. (CICSA) que se convirtió en una de las principales compañías contratistas al servicio del Gobierno Federal.Años más tarde, hacia 1954 y tras la muerte de Frida Kahlo, Dolores Olmedo vuelve a encontrarse con Diego Rivera. Junto con un grupo de amigos viajan a Janitzio para participar en las ceremonias del Día de Muertos que se llevaban a cabo en el lugar. Este hecho les permitió retomar la vieja amistad que hubiera surgido más de veinte años atrás y que perdurara hasta la muerte del pintor. En 1955 y bajo la tutela de Diego Rivera, Lola comienza a comprar obra del muralista. A la par, fue creando una colección de piezas de arte precolombino, orientada también por el propio artista. En 1955, obra de Frida Kahlo.A la muerte de Diego, en 1957, Doña Lola había adquirido 50 obras de Rivera. La amistad entre Olmedo y Rivera se tradujo en un pacto de confianza, de tal manera que, antes de morir, Diego le pidió que se hiciera cargo de los museos Frida Kahlo y Diego Rivera-Anahuacalli.Durante esos años, mantuvo sus afanes de coleccionista y nada la detuvo para seguir comprando obra pictórica, lotes de piezas prehispánicas, estofados novohispanos y arte popular. En 1972, había coleccionado 800 piezas arqueológicas mesoamericanas. Olmedo también ocupó posiciones políticas y culturales y, desde ellas, pudo realizar exhibiciones de arte mexicano dentro y fuera del país.Su talento para los negocios, su buen ojo como coleccionista y su determinación por acrecentar el patrimonio cultural de México la llevaron a conseguir una meta admirable que benefició al pueblo mexicano: la construcción del Museo Dolores Olmedo. Ya en 1962, había adquirido el casco de la Hacienda de la Noria, en Xochimilco, edificación que databa de finales del siglo XVI. Olmedo restauró la hacienda para hacerla su casa y más tarde legarla como museo al pueblo de México.Así, el 17 de septiembre del 1994, Lola abre su casa como Museo Dolores Olmedo. En él expone toda su colección pictórica, prehispánica y popular, y además continúa la tradición -que ya había iniciado en los museos Anahuacalli y Frida Kahlo- de colocar una hermosa ofenda de muertos.La gente de Xochimilco reconoce su labor, tras haber contribuido a la realización de obras públicas en la localidad, haber donado varios terrenos para escuelas públicas y haber llevado a cabo la construcción de otras, por lo que todavía hoy la recuerdan con cariño.Dolores Olmedo murió el sábado 27 de julio del 2002, a la edad de 93 años. Dejó el legado de una promotora de la cultura en toda la extensión de la palabra. Bien mirado, consiguió todo lo que un mecenas aspira a lograr: ayudar al arte a trascender y, al mismo tiempo, trascender él mismo; ayudar a perpetuar la obra de un artista y perpetuarse junto con él. Dolores Olmedo tuvo todo lo que quiso. Y en el camino, benefició a México como pocos lo han hecho: “A ejemplo de mi madre, la profesora María Patiño Suárez Vda. de Olmedo, quien siempre me dijo ‘todo lo que tengas compártelo con tus semejantes’, dejo esta casa con todas mis colecciones de arte, producto del trabajo de toda mi vida, para disfrute del pueblo de México”.

GOOGLE VERSUS EDITORES ITALIANOS

MILÃO - editores italianos se opõem ao novo acordo de regularização (Alterado Settlement Agreement) arquivado pelo Google em novembro passado para negar provimento ao recurso interposto pela classe associações de autores e editores para o serviço Book Search americano (a primeira audiência do Tribunal de Justiça de Nova York agendado para 18 de fevereiro). La battaglia giudiziaria che già il 4 settembre aveva portato gli editori italiani ad opporsi alla prima versione dell'accordo prosegue: le associazioni degli editori italiani, tedeschi, austriaci e svizzeri hanno presentato alla Corte di New York le proprie obiezioni congiunte al nuovo accordo (disponibili sul sito www.aie.it ), mentre analoghe obiezioni sono state presentate dalle associazioni francese e spagnola. A batalha jurídica que já tinha trazido a 4 de setembro editores italianos se opor à primeira versão do acordo continua, a Publishers Association italianos, alemães, austríacos e suíços tenham apresentado ao Tribunal de Justiça de Nova York, as suas objecções ao novo acordo conjunta (disponível www.aie.it local), quando as reivindicações semelhantes foram feitas pelo francês e espanhol. «È vero infatti che il nuovo accordo ha accolto molte delle nostre obiezioni precedenti – ha spiegato il presidente dell'Associazione Italiana Editori (AIE) Marco Polillo – e in particolare la richiesta che per le opere europee valgano le normali regole del diritto d'autore e non quelle speciali introdotte dal Settlement, ma questa esclusione è parziale, perché continuano a essere incluse nell'accordo le opere, anche italiane, registrate al Copyright Office degli Stati Uniti. "É verdade que o novo acordo aceitou muitas das nossas objeções anteriores - disse o presidente da Publishers Italiano (AIE) Marco Polillo - e em particular o seu pedido de obras europeias, as regras normais do direito de autor não aqueles feitos por Especial de Liquidação, mas esta exclusão é parcial, porque continuam a ser incluído nas obras, incluindo italiano, registrado no Escritório de Direitos Autorais dos Estados Unidos. Le parti hanno reputato che fossero poche eccezioni, dimenticando che la registrazione al Copyright Office era invece una pratica comune, indispensabile fino agli anni Ottanta per tutelare le opere straniere negli Stati Uniti». As partes consideraram que eram poucas exceções, esquecendo-se que o registo para o Escritório de Direitos Autorais vez foi uma prática comum, que é essencial, até os anos oitenta para proteger as obras estrangeiras nos Estados Unidos. "

ANTÔNIO VON PERDEGANN, JOSÉ MARIA MEJHIAS,MARIA JOÃO MACHADO, ART CRÍTIC, CONGRATULA-SE COM A NOVA OBRA RECÉM INAUGURADA NA ITÁLIA DE OSCAR NIEMEYER.

El Auditorio de Ravello, al que denominan ya el Auditorio de Niemeyer, con capacidad para 400 personas, ideado hace una década por el anciano maestro, de 102 años, se asoma sobre el mar Mediterráneo como una hoja ondulada que se pierde entre limones, buganvillas y lavandas.
La construcción de la nueva estructura, formada por una sola gran concha acústica blanca de hormigón armado, se demoró una década no tanto por su costo, 18 millones de euros, sino por las polémicas, denuncias y recursos judiciales (ocho en total) tras ser acusada de violar uno de los paisajes más bellos de la península, la Costa Amalfitana, sobre el Golfo de Salerno y patrimonio de la Humanidad.

MARIA JOÃO MACHADO MOSTRA ENSÁIO DO DANO DO HERMETISMO E DA SUBJETIDADE NA ARTE

El extracto para el sicoanálisis, subjetividad humana se abarca de ego, de la identificación y del superego. Sus ayudas de la comprensión para clarificar la inconsciencia y por lo tanto para asistir a hombres en ocuparse de sus anguishes. Se inserta Subjectivism es establecido por la sociedad y por lo tanto relacionado con la cultura dentro de él. Psicanalysis fue creado en la sociedad de industrial/modern. Debido a dos guerras mundiales la sociedad decidía dar para arriba la libertad para la seguridad. El "superego cultural" inhibió a agresividad humana, y a hombres forzados para internar sus sensaciones. Por lo tanto el malestar de la sociedad moderna fue causado por la represión (sobre todo represión sexual). Hoy en día, la fragmentación de la información caracteriza a la sociedad de post-industrial/post-modern el exceso y. La seguridad se negocia para la felicidad. la sociedad Poste-moderna es hedonista e imagetical. Por lo tanto, el malestar poste-moderno es causado por la represión impuesta por estándares de los medios. Hay un desequilibrio claro entre los componentes psíquicos del uno mismo, particularmente la "identificación". Por lo tanto el sicoanálisis sigue siendo un instrumento importante para hacer frente al anguish de hombres poste-modernos.
Palabras claves: Subjetividad Humana. Modernity. Poste-modernity.

UM LIVRO QUE INFELIZMENTE NÃO ATINGE SEU OBJETIVO

Uma obra literária que surge com o intuito de prestigiar e distinguir 64 artistas portugueses, integrando nomes consagrados e emergentes, promovendo ao mesmo tempo a qualidade nacional da pintura contemporânea. O nome do livro homenageia o pensamento, a simbologia, o sentimento aplicado em cada obra e o dom de criar uma narrativa admirável bem como a expressão de raciocínios, fantasias e verdades. O intuito de despertar um desenvolvimento intelectual em cada observador, susceptível de provocar diferentes reacções, juízos e sensações.